tag:blogger.com,1999:blog-84149508841064761032024-03-13T19:57:24.099-07:00Música ClásicaSara Bhttp://www.blogger.com/profile/17394015310016437875noreply@blogger.comBlogger77125tag:blogger.com,1999:blog-8414950884106476103.post-2697090647033252122012-05-09T15:10:00.000-07:002012-05-10T18:12:34.454-07:00Leopold Stokowski, Por Siempre Joven<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjEg5nzlLgguWAUoPIlOo_gchvn5XdZ_4jKUF1612zeKrDL_hTm-EsOnKHlHhSSeOrCFtoSD9EB5XMtHkitkSY2cgD3y9Ih-A0nahT6G5rAaP8K_wC6w3FCYhC3QyqhWDaA98Ssm7Un33V7/s1600/youthweb-1.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; cssfloat: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><em><img border="0" dba="true" height="312" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjEg5nzlLgguWAUoPIlOo_gchvn5XdZ_4jKUF1612zeKrDL_hTm-EsOnKHlHhSSeOrCFtoSD9EB5XMtHkitkSY2cgD3y9Ih-A0nahT6G5rAaP8K_wC6w3FCYhC3QyqhWDaA98Ssm7Un33V7/s320/youthweb-1.jpg" width="320" /></em></a></div>
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<b><span style="color: #20124d; font-family: Georgia, "Times New Roman", serif; font-size: large;"><em>Mientras su público continúa envejeciendo y reduciéndose, el futuro de la música clásica depende más que nunca de atraer a nuevas generaciones de admiradores. Los modernos artistas y profesores se dedican a cultivar prodigios para convertirlos en grandes artistas del futuro, pero sus esfuerzos son fútiles si no se desarrolla patrones para escucharlos. Los promotores intentan formar jóvenes oyentes, pero están pagando un precio muy alto para los músicos de las generaciones pasadas, que con demasiada frecuencia también alienaron a la juventud con una actitud distante y adusta. </em></span></b></div>
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<b><span style="color: #20124d; font-family: Georgia, "Times New Roman", serif; font-size: large;"><em>Más que cualquier otro director de su época, Lepold Stokowski (1882-1977) trató de compartir activamente su música con los más jóvenes. Estremecidos con su papel en “Fantasía”, los elitistas acusaron a Stokowski de complacer el gusto de las masas y degradar la nobleza de su arte. Pero en el mismo año en que “abarataba” la gran música al nivel de las caricaturas de Disney, Stokowski se embarcaba en una aventura mucho más elevada que ni los puritanos pudieron despreciar: la creación de una nueva orquesta compuesta enteramente por jóvenes norteamericanos. </em></span></b></div>
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<b><span style="color: #20124d; font-family: Georgia, "Times New Roman", serif; font-size: large;"><em>Tal como lo relata en sus notas Noah Andre Trudeau, la “All American Youth Orchestra” “era un concepto nacido de los grandes ideales y de su resentimiento personal”. Stokowski buscaba combatir la propaganda nazi, que pregonaba las maravillas de la juventud de Hitler, con una declaración artística proveniente de jóvenes emisarios del mundo libre. </em></span></b></div>
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<b><span style="color: #20124d; font-family: Georgia, "Times New Roman", serif; font-size: large;"><em>Pero su objetivo no era del todo desinteresado, ya que aprovechó la oportunidad para expresar su frustración con la RCA, su compañía discográfica, que se había negado a patrocinar una gira de Stokowski pero que luego había lanzado una con Toscanini, su otro director estrella. Mientras que su Orquesta de Filadelfia permaneció bajo un contrato exclusivo con la RCA, Stokowski no enfrentaría restricciones de este tipo con su nueva orquesta. Y así creó una, firmó un contrato con la rival Columbia, y luego procedió a grabar con su nueva orquesta varias de las obras que la RCA había querido que grabara. </em></span></b></div>
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<b><span style="color: #20124d; font-family: Georgia, "Times New Roman", serif; font-size: large;"><em>Los anuncios para la compañía de 1940 generaron unos 15,000 solicitantes. Los finalistas fueron seleccionados a través de cinco rondas de audiciones locales, estatales, regionales y nacionales. Los miembros representaban a los 48 estados, e incluían a muchas mujeres, una rareza en las orquestas de aquel tiempo. A los ensayos intensivos, concentrados, seguían giras por todo Estados Unidos y América Latina. </em></span></b></div>
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<b><span style="color: #20124d; font-family: Georgia, "Times New Roman", serif; font-size: large;"><em>El proceso entero se repitió en 1941, reclutando y entrenando a un nuevo conjunto, que realizó giras por Estados Unidos y Canadá. Los planes para nuevas ediciones anuales se vieron frustrados por la entrada de Estados Unidos en la Guerra, lo que significó, como lo señala Trudeau, “que la juventud de América tendría otros planes de empleo”.</em></span></b></div>
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<b><span style="color: #20124d; font-family: Georgia, "Times New Roman", serif; font-size: large;"><em>Durante la gira de 1941, Stokowski dijo: “Yo no cambiaría esta orquesta por ninguna otra en el mundo. Estos jóvenes son fenomenales. Técnicamente son iguales a muchos músicos. Y tienen el entusiasmo de la juventud. Son tan sensible, tan rápidos. Con ellos tocar música no es simplemente un trabajo. Sienten amor por esto”.</em></span></b></div>
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<b><span style="color: #20124d; font-family: Georgia, "Times New Roman", serif; font-size: large;"><em>Tres CDs recientes demuestra que el alarde de Stokowski no era meramente una hipérbole promocional (de lo que él era un maestro). Por improbable que parezca, la AAYO se cuenta entre las mejores grabaciones orquestales que se hayan realizado. Estas grabaciones no funcionan a pesar de, sino por, la juventud e inexperiencia de los músicos. </em></span></b></div>
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<b><span style="color: #20124d; font-family: Georgia, "Times New Roman", serif; font-size: large;"><em>Sus interpretaciones brillan con una maravillosa emoción por el descubrimiento, libre de la inmovilización de la estandarización rutinaria cuya repetición, exceso de familiaridad y la necesidad de adaptarse a un desfile de líderes invitados se reproduce en casi todos los profesionales experimentados. </em></span></b></div>
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<b><span style="color: #20124d; font-family: Georgia, "Times New Roman", serif; font-size: large;"><em>Realmente puede escucharse el entusiasmo de los músicos mientras profundizan en la música, como si fuera la primera vez. Su ardor es contagioso y emocionante. También afecta profundamente, ya que resuena profundamente en cada oyente hasta reavivar la insustituible emoción de su propio encuentro inicial con la buena música. </em></span></b></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg9MkbG0UJqib4iLC0-6WFhfy3xs6S7ChzYOMUKxEadvdTPWVj4zVOkKsCBQbFhbAsjrGh2UTH8x_4Z-Oq-IuBN1I746NEG7iCFnVvKMcuHHeEYynyqxCSGNO4mBqrIcUrQ4GdACdBEaxkt/s1600/youthweb-3.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; cssfloat: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><em><img border="0" dba="true" height="293" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg9MkbG0UJqib4iLC0-6WFhfy3xs6S7ChzYOMUKxEadvdTPWVj4zVOkKsCBQbFhbAsjrGh2UTH8x_4Z-Oq-IuBN1I746NEG7iCFnVvKMcuHHeEYynyqxCSGNO4mBqrIcUrQ4GdACdBEaxkt/s320/youthweb-3.jpg" width="320" /></em></a></div>
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<b><span style="color: #20124d; font-family: Georgia, "Times New Roman", serif; font-size: large;"><em>La AAYO era un sueño hecho realidad para sus miembros –la oportunidad de su vida para un estudiante desconocido, de poner en marcha su carrera con uno de los directores más grandes del mundo. Estos chicos sabían que habían obtenido el premio mayor, y con cada nota tenían que satisfacer las expectativas demostrando su madurez, brillantez y valor. </em></span></b></div>
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<b><span style="color: #20124d; font-family: Georgia, "Times New Roman", serif; font-size: large;"><em>La AAYO también era el sueño de su director. Flamante y libre del sello de cualquier otra influencia, su lealtad y devoción eran absolutas. Stokowski aprovechó al máximo la capacidad de la AAYO y su deseo de responder a su exclusiva dirección, y produjo espectáculos que incluso fueron más allá de extremos interpretativos que fueron a la vez la ruina y la gloria de su profundo arte personal.</em></span></b></div>
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<b><span style="color: #20124d; font-family: Georgia, "Times New Roman", serif; font-size: large;"><em>La voluntad de la AAYO de transmitir la singular visión de Stokowski es incomparable por ningún otro ensamble profesional que haya dirigido. </em></span></b></div>
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<strong><em><span style="color: #20124d; font-family: Georgia; font-size: large;">Continuará...</span></em></strong></div>
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<strong><em><span style="color: #20124d; font-family: Georgia;">Traducido de: Forever Young / Peter Gutmann</span></em></strong></div>
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<strong><em><span style="color: #20124d; font-family: Georgia;">véase el art. original en: <a href="http://www.classicalnotes.net/columns/youthweb.html">Classical Notes</a></span></em></strong></div>Sara Bhttp://www.blogger.com/profile/17394015310016437875noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-8414950884106476103.post-61050525785242477042011-05-06T15:26:00.000-07:002011-05-06T15:26:20.601-07:00Yuji Takahashi (piano, sintetizador)<div style="text-align: justify;"></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiaAuESU4zqbNxt8g0fRsUtSJSGEwFZQCbb05jW9u1TPLyf2WGMhCKpN_5LgTsaKriCLlzvuOilV4gcQE_1aZdzD6FTBEr2X540jIT07F_9laGmzVyYYyN6MFL-GWpuNm8Xy3Lwvh9KWujN/s1600/TakahashiY-Yuji-01.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; cssfloat: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><span style="color: #660000; font-size: large;"><strong><em><img border="0" height="320" j8="true" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiaAuESU4zqbNxt8g0fRsUtSJSGEwFZQCbb05jW9u1TPLyf2WGMhCKpN_5LgTsaKriCLlzvuOilV4gcQE_1aZdzD6FTBEr2X540jIT07F_9laGmzVyYYyN6MFL-GWpuNm8Xy3Lwvh9KWujN/s320/TakahashiY-Yuji-01.jpg" width="214" /></em></strong></span></a></div><div style="text-align: justify;"><span style="color: #660000; font-size: large;"><strong><em>Nacido el 21 de Septiembre de 1938, en Tokyo, Japón</em></strong></span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><br />
<strong><em><span style="color: #660000;"></span></em></strong></span></div><div style="text-align: justify;"><span style="color: #660000; font-size: large;"><strong><em>Pianista y compositor japonés, Yuji Takahashi (hermano de la innovadora pianista Aki Takahashi), estudió composición con Minao Shibata y Roh Ogura, y piano con Hiroshi Ito en la Escuela Toho de Música entre los años 1954 y 1958. En 1961 hizo un debut sensacional en un festival de música moderna de la escuela, patrocinado por la “Nipon Broadcasting Company”, sustituyendo a último momento al solista que estaba previsto. Esto marcó su surgimiento como un destacado exponente de la nueva música de piano. </em></strong></span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><br />
<strong><em><span style="color: #660000;"></span></em></strong></span></div><div style="text-align: justify;"><span style="color: #660000; font-size: large;"><strong><em>El comienzo de su carrera como compositor se remonta a 1962, con una obra para electrónicos y doce instrumentos. Aproximadamente al mismo tiempo, junto con sus colegas compositores Toshi Ichiyanagi y Kenji Kobayashi, organizó un ensamble para una nueva música, el grupo “New Directions”.</em></strong></span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><br />
<strong><em><span style="color: #660000;"></span></em></strong></span></div><div style="text-align: justify;"><span style="color: #660000; font-size: large;"><strong><em>Patrocinado por la Fundación Ford, Yuji Takahashi vivió en Berlín desde 1963 hasta 1965, donde estudió con Iannis Xenakis. En 1966, respaldado por una beca de la Fundación J. D. Rockefeller III, llegó a Nueva York para estudiar música computarizada y para asistir a cursos de verano en el Berkshire Music Centre, en Tanglehood, entre 1966 y 1968. </em></strong></span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><br />
<strong><em><span style="color: #660000;"></span></em></strong></span></div><div style="text-align: justify;"><span style="color: #660000; font-size: large;"><strong><em>En Nueva York compuso música utilizando computadoras, y fue, por lo tanto, un participante altamente visible e influyente en las actividades de este nuevo tipo de música en los Estados Unidos, con apariciones en el Berkshire Music Centre, el Festival Musical Ravinia, el Festival de Stratford (Ontario), y en el Centro de Artes Creativas y Escénicas de la Universidad del Estado de Nueva York, en Buffalo. Durante este tiempo, fue solista junto a ensambles como la Orquesta Sinfónica de Londres, la Orquesta Filarmónica de Nueva York, la Orquesta Sinfónica de Boston, la Orquesta Sinfónica de Chicago, la Orquesta Sinfónica de San Francisco, la Orquesta de Filadelfia, la Orquesta Sinfónica de Toronto, y la Filarmónica de Buffalo. </em></strong></span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><br />
<strong><em><span style="color: #660000;"></span></em></strong></span></div><div style="text-align: justify;"><span style="color: #660000; font-size: large;"><strong><em>Dio recitales como solista en el Festival de Atenas, el Festival de Estocolmo, el Festival Bach de Oxford, el “Domaine Musical” en París, las series Signaal en Amsterdam, la Doble Serie en Los Ángeles, los Conciertos de Cámara en Princeton, y las Veladas por la Nueva Música y las Nuevas Imágenes del Sonido en Nueva York. En 1966 y 1968 actuó y disertó en los Congresos del Consejo Internacional de la Música (CIM) de la UNESCO, en Manila y Nueva York, y escribió una obra presentada en el Pabellón de la Música Japonesa en la Feria Mundial de Osaka de 1970. </em></strong></span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><br />
<strong><em><span style="color: #660000;"></span></em></strong></span></div><div style="text-align: justify;"><span style="color: #660000; font-size: large;"><strong><em>Yuji Takahashi permaneció en Estados Unidos hasta 1972, enseñando piano en la Universidad de Indiana y en el Conservatorio de Música de San Francisco. En 1971, durante su residencia en San Francisco, interpretó tres de sus propias obras electrónicas (“Time”, “Yeguen”, y “Bridges”) en uno de los primeros conciertos informales (llamados “Bring your own pillow” –tráigase su propia almohada- en la Galería Hansel Fuller en Grant Avenue) que se convertiría en el “San Francisco Contemporary Music Players” (SFCMP, un encuentro de músicos contemporáneos).</em></strong></span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><br />
<strong><em><span style="color: #660000;"></span></em></strong></span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhGHBwV6ezl2VXnwd4zE9z1IlZA1vTghX4jz-iAQPkcxYwYS094w1SHRvfT9bEkWY2VRmkjW3lF-lUAoEDQCElox4xvSqBRfIpLo6U41FezLDmV0R6gS_5cGlWqvnr_CV3_GXdyac5QiOtF/s1600/TakahashiY-Yuji-03%255B1976%255D.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; cssfloat: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><span style="color: #660000; font-size: large;"><strong><em><img border="0" j8="true" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhGHBwV6ezl2VXnwd4zE9z1IlZA1vTghX4jz-iAQPkcxYwYS094w1SHRvfT9bEkWY2VRmkjW3lF-lUAoEDQCElox4xvSqBRfIpLo6U41FezLDmV0R6gS_5cGlWqvnr_CV3_GXdyac5QiOtF/s1600/TakahashiY-Yuji-03%255B1976%255D.jpg" /></em></strong></span></a></div><div style="text-align: justify;"><span style="color: #660000; font-size: large;"><strong><em>Durante muchos años, Yuji Takahashi fue reconocido, junto con otros pocos pianistas (Tudor, Kontarsky, Helffer, Roger Woodward, Jacobs, Rzewski) como alguien capaz de descifrar y tocar las más difíciles de las nuevas obras para piano. Xenakis escribió “Herma” y “Eonta”, ambas para Takahashi. Takahashi estrenó “Herma” en Tokyo en febrero de 1962 y “Eonta” en diciembre de 1964 en París, con la dirección de Pierre Boulez. Takahashi también estrenó una serie de obras de Toru Takemishu (“Piano Distance”- 1961; “Corona”- 1962; “Arc” -1963; y “Asterism” -1969), y llegó a escribir acerca de su relación con Takemitsu en un ensayo del año 1996: “The Life of the Composer”.</em></strong></span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><br />
<strong><em><span style="color: #660000;"></span></em></strong></span></div><div style="text-align: justify;"><span style="color: #660000; font-size: large;"><strong><em>Entre sus grabaciones como pianista están las obras completas de Arnold Schoenberg, Anton Webern y Alban Berg, música de Messiaen (solos, y también “Visions de la Amen”, con Peter Serkin), Xenakis, Cage, Rzewski, Na, Cardew, Takemitsu, el compositor indonesio Selamat A. Sjukur, Earle Brown, y Roger Reynolds; además, el Arte de la Fuga (BWV 1080) de Bach, y la Toccata en Mi menor; dos volúmenes de música para piano solo de Satie, una Sonata de Wilhelm Friedemann Bach, y “Marche et Reminiscences pour mon dernier vogage”, de Rossini. Y muy importantes como director son sus grabaciones de música de Xenakis, Maceda, Gubaidulina, Zorn y Varese. </em></strong></span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><br />
<strong><em><span style="color: #660000;"></span></em></strong></span></div><div style="text-align: justify;"><span style="color: #660000; font-size: large;"><strong><em>A su regreso a Japón en 1972, Yuji Takahasi ha participado en la organización y presentación con grupos afines de músicos –el grupo de compositores tranSonic (junto con Takemitsu y Yoji Yuasa), en la década de 1980, la Suigyu (Water Buffalo Band), escribiendo e interpretando canciones de protesta asiáticas y, en 1999, Ito.</em></strong></span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><br />
<strong><em><span style="color: #660000;"></span></em></strong></span></div><div style="text-align: justify;"><span style="color: #660000; font-size: large;"><strong><em>En los últimos años ha realizado un gran trabajo con las computadoras en la música; en 1989 se presentó en el Macintosh Festival en Tokyo, y en 1991 organizó el primer Festival Pacific Rim Computer y el Ikebukuo Cyber Café. Además ha participado en simposios y discusiones sobre su obra, tales como el 19th ISCM Summer Course for Young Composers en Polonia en 1999 con Louis Andriessen, el Festival de Tokyo de 1999, donde se presentó con, entre otros, el músico y compositor tradiconal coreano Byung-ki Hwang, y el Northeast Asia Festival en Osaka (2003), donde organizó un simposio llamado “Proposals from East Asia”, con el compositor chino Xiao-song Qu y el compositor coreano Hyo-shin Na. En 1997 fue compositor en residencia en el Pacific Music Festival en Sapporo, donde se interpretaron numerosas obras de su autoría, muchas de ellas por jóvenes músicos, y donde participó como pianista y como director. </em></strong></span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><br />
<strong><em><span style="color: #660000;"></span></em></strong></span></div><div style="text-align: justify;"><span style="color: #660000; font-size: large;"><strong><em>En su música sigue los procedimientos estocásticos como los practicados por Xenakis. Sus actividad musicales/políticas lo han conectado personal y musicalmente con compositores como Frederic Rzewski, Cornelius Cardew y Christian Wolff. Su trabajo aquí ha dado frutos en muchas piezas, como por ejemplo: “For You I Sing This Song”, escrita en 1976 (para el bicentenario norteamericano) por el gupo TASHI; “Kwangju”, de mayo de 1980, escrita para acompañar las diapositivas de Taeko Tomiyama, como un memorial para aquellos que murieron en el alzamiento de la ciudad coreana de Kwangju contra la dictadura de Chun Doo-whan. La pieza también existe en una versión para orquesta.</em></strong></span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><br />
<strong><em><span style="color: #660000;"></span></em></strong></span></div><div style="text-align: justify;"><iframe allowfullscreen="" frameborder="0" height="480" src="http://www.youtube.com/embed/JWVeOErkzIA" width="600"></iframe></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><br />
<strong><em><span style="color: #660000;"></span></em></strong></span></div><div style="text-align: justify;"><iframe allowfullscreen="" frameborder="0" height="480" src="http://www.youtube.com/embed/Ka1rXgLJiTo" width="600"></iframe></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><br />
<strong><em><span style="color: #660000;"></span></em></strong></span></div><div style="text-align: justify;"><span style="color: #660000; font-size: large;"><strong><em>Traducido de:</em></strong></span></div><div style="text-align: justify;"><br />
</div><div style="text-align: justify;"><span style="color: #660000; font-size: large;"><strong><em>Yuji Takahashi (Piano, Synthesizer) / en: Bach Cantatas Website</em></strong></span></div><div style="text-align: justify;"><span style="color: #660000; font-size: large;"><strong><em></em></strong></span></div><div style="text-align: justify;"><span style="color: #660000; font-size: large;"><strong><em>Para ver el art. original, </em></strong></span><a href="http://www.bach-cantatas.com/Bio/Takahashi-Yuji.htm"><span style="color: #660000; font-size: large;"><strong><em>Click Aquí</em></strong></span></a></div>Sara Bhttp://www.blogger.com/profile/17394015310016437875noreply@blogger.com4tag:blogger.com,1999:blog-8414950884106476103.post-57491922427017170822011-04-23T15:22:00.000-07:002011-04-23T15:26:37.100-07:00Wilhelm Furtwangler (4)<div style="text-align: justify;"></div><div style="text-align: justify;"><strong><span style="color: #274e13; font-family: "Trebuchet MS", sans-serif; font-size: large;">A pesar de su coraje, Furtwängler no actuó por puro altruismo. Casi todo lo que hizo fue con la intención de preservar la integridad de la música germana. Pero dado que Furtwängler se consideraba a sí mismo como el ejemplo más importante de este arte, su actividad sirvió para consolidar su estatus y gratificar su ego. Difícilmente Furtwängler podría compararse con Raoul Wallenberg, Oskar Schindler y otros héroes que no tuvieron nada que ganar y que actuaron puramente como una cuestión de conciencia, sacrificando en última instancia todo lo que tenían con el fin de oponerse al genocidio nazi. Enfocado exclusivamente en el arte, Furtwängler simplemente no se preocupaba él mismo por el más amplio contexto social. </span></strong></div><div style="text-align: justify;"><strong><span style="color: #274e13; font-family: "Trebuchet MS", sans-serif; font-size: large;"></span></strong></div><div style="text-align: justify;"><strong><br />
<span style="color: #274e13; font-family: "Trebuchet MS", sans-serif; font-size: large;"></span></strong></div><div style="text-align: justify;"><strong><span style="color: #274e13; font-family: "Trebuchet MS", sans-serif; font-size: large;">Este limitado enfoque produjo resultados mixtos. Ligado de manera inextricable a cada uno de los loables objetivos y logros de Furtwängler, hubo un inconveniente no deseado. A pesar de sus intenciones culturales válidas, sin saberlo, reforzó el esfuerzo de la guerra alemana.</span></strong></div><div style="text-align: justify;"><br />
<span style="color: #274e13; font-family: "Trebuchet MS", sans-serif; font-size: large;"></span></div><div style="text-align: justify;"><strong><span style="color: #274e13; font-family: "Trebuchet MS", sans-serif; font-size: large;">Por ejemplo, Furtwängler aceptó la vicepresidencia del sindicato, obligatorio, de los artistas, y se desempeñó en una comisión que aprobaba todos los programas de los conciertos públicos. Asumió estas posiciones de liderazgo para maximizar así su impacto en la preservación de la integridad cultural y asegurar la exposición para los compositores y artistas de calidad. Pero su constante visibilidad también sirvió para legitimar y darle credibilidad al régimen nazi, no solo ante los ojos de los observadores extranjeros, sino también para la ciudadanía: después de todo, ¿cómo podían los nazis ser de los más bárbaros y depravados si alguien como Furtwängler podía coexistir con ellos?</span></strong></div><div style="text-align: justify;"><br />
<span style="color: #274e13; font-family: "Trebuchet MS", sans-serif; font-size: large;"></span></div><div style="text-align: justify;"><strong><span style="color: #274e13; font-family: "Trebuchet MS", sans-serif; font-size: large;">Del mismo modo, después de la Guerra muchos aseguraron que los conciertos de Furtwängler sirvieron para reunir miembros de la Resistencia. Estos eventos lograron reunir a un grupo de líderes culturales para una Alemania de posguerra que se jactaría del humanismo por sobre el militarismo. Incluso fuera de Alemania, muchos inmigrantes fueron inspirados por Furtwängler como un símbolo de su disidencia. </span></strong></div><div style="text-align: justify;"><br />
<span style="color: #274e13; font-family: "Trebuchet MS", sans-serif; font-size: large;"></span></div><div style="text-align: justify;"><strong><span style="color: #274e13; font-family: "Trebuchet MS", sans-serif; font-size: large;">De esta manera, las actividades de Furtwängler en plena Guerra puede que hayan producido beneficios humanitarios duraderos. Pero sin embargo, a corto plazo, tuvieron el efecto contrario.</span></strong></div><div style="text-align: justify;"><br />
<span style="color: #274e13; font-family: "Trebuchet MS", sans-serif; font-size: large;"></span></div><div style="text-align: justify;"><strong><span style="color: #274e13; font-family: "Trebuchet MS", sans-serif; font-size: large;">Como Sam Shirakawa, biógrafo, lo señala con gran acierto, Furtwängler pudo haber ofrecido su arte en aras de los “verdaderos alemanes”, pero no tenía el control sobre su difusión. Por lo tanto, sus conciertos se transmitían para reforzar la moral de las tropas. Y lo que es peor, Hitler y sus más altos secuaces a menudo asistían a los conciertos de Furtwängler para regodearse en su bálsamo musical. Ese mismo bálsamo puede haber adormecido las frustraciones de los intelectuales y artistas y haberlas llevado hacia la indiferencia y desviado sus energías de la oposición activa a la guerra y el genocidio. </span></strong></div><div style="text-align: justify;"><br />
<span style="color: #274e13; font-family: "Trebuchet MS", sans-serif; font-size: large;"></span></div><div style="text-align: justify;"><strong><span style="color: #274e13; font-family: "Trebuchet MS", sans-serif; font-size: large;">Furtwängler sólo veía su música como una fuerza de redención moral. Una vez le dijo a Toscanini: “Los seres humanos son libres siempre que se interprete a Wagner y Beethoven, y si no son libres al principio, son liberados mientras escuchan estas obras”. Pero los corazones de los soldados nazis no se derritieron, y las almas de sus líderes probaron ser insensibles a la redención estética. Estos responsables de (o, en el mejor de los casos, indiferentes hacia) el exterminio de millones de inocentes, ¿tienen realmente el derecho de que sus conciencias sean liberadas por la gloria de la música?</span></strong></div><div style="text-align: justify;"><br />
<span style="color: #274e13; font-family: "Trebuchet MS", sans-serif; font-size: large;"></span></div><div style="text-align: justify;"><strong><span style="color: #274e13; font-family: "Trebuchet MS", sans-serif; font-size: large;">Ni tampoco el punto de vista personal de Furtwängler estuvo libre de la paradoja. De hecho, incluso su actitud hacia los judíos era inconsistente. Uno de los axiomas de la ingeniería social nazi era que los judíos eran incapaces de ser verdaderos alemanes espirituales, y por lo tanto eran menos que plenamente humanos y una contaminación social. En ninguna otra parte este absurdo de esta presunción era más evidente que en la música clásica, ya que muchos de los mejores artistas de Alemania era judíos. De hecho, el pianista Arthur Schnabel, judío, era aclamado universalmente como el exponente por excelencia de Mozart, Schubert y especialmente Beethoven, la quintaescencia de la música alemana. Y sin embargo, a pesar de que estaba idealmente equipado para rechazar el punto de vista nazi racista, Furtwängler a menudo hacía distinciones entre dos clases de judíos. </span></strong></div><div style="text-align: justify;"><br />
<span style="color: #274e13; font-family: "Trebuchet MS", sans-serif; font-size: large;"></span></div><div style="text-align: justify;"><strong><span style="color: #274e13; font-family: "Trebuchet MS", sans-serif; font-size: large;">Por un lado, apoyaba fervientemente a los judíos que habían llegado a la cima de sus carreras profesionales musicales, artísticas, científicas o académicas. Furtwängler se opuso con vehemencia a los esfuerzos nazis de expulsar a tales personas, ya que se habían convertido en una parte integral y contribuyentes significativos de la cultura alemana. La gran mayoría de los judíos a quienes Furtwängler ayudó eran profesionales (o sus familias o conocidos).</span></strong></div><div style="text-align: justify;"><br />
<span style="color: #274e13; font-family: "Trebuchet MS", sans-serif; font-size: large;"></span></div><div style="text-align: justify;"><strong><span style="color: #274e13; font-family: "Trebuchet MS", sans-serif; font-size: large;">Por otro lado, Furtwängler aparentemente consideraba que los judíos fuera de estos exaltados rangos eran potencialmente subversivos y, por lo tanto, prescindibles. Aprobaba ataques sobre la supuesta dominación judía de periódicos porque, desde su punto de vista, esto reemplazaba el desarrollo de una prensa verdaderamente “germana”. Del mismo modo, parecía permitir el boicot hacia comercios judíos, protestando solamente por la publicidad extranjera adversa y la amenaza de un desborde que pudiera agotar a las artes.</span></strong></div><div style="text-align: justify;"><br />
<span style="color: #274e13; font-family: "Trebuchet MS", sans-serif; font-size: large;"></span></div><div style="text-align: justify;"><strong><span style="color: #274e13; font-family: "Trebuchet MS", sans-serif; font-size: large;">Incluso en mayo de 1945, Furtwängler no parecía comprender plenamente las consecuencias del racismo nazi. Desde la perspectiva geográfica e histórica de su santuario en Suiza, tuvo tiempo suficiente para reflexionar sobre la década anterior. </span></strong></div><div style="text-align: justify;"><br />
<span style="color: #274e13; font-family: "Trebuchet MS", sans-serif; font-size: large;"></span></div><div style="text-align: justify;"><strong><span style="color: #274e13; font-family: "Trebuchet MS", sans-serif; font-size: large;">Sin embargo, su principal preocupación se convirtió en el temor de que a raíz de la derrota de las ahora públicas atrocidades se culparía al pueblo alemán entero, ignorando así su grandeza cultural y su nobleza interior. A pesar de todo lo que había presenciado, Furtwängler simplemente no podía aceptar que la cultura que alguna vez había producido a Goethe y a Beethoven ahora se había podrido en un lodazal de botas militares y crematorios. </span></strong></div><div style="text-align: justify;"><br />
<span style="color: #274e13; font-family: "Trebuchet MS", sans-serif; font-size: large;"></span></div><div style="text-align: justify;"><strong><span style="color: #274e13; font-family: "Trebuchet MS", sans-serif; font-size: large;">Fred Prieberg llama a esto una mitología de protección que se creó Furtwängler para protegerse a sí mismo de la responsabilidad en un mundo real en el que las civilizaciones caen, en el que los pueblos son responsables de sus líderes, y en el que el arte no puede ser tan convenientemente aislado de la política. La tragedia de Furtwängler fue que tuvo que creer esta ilusión de permanente mérito cultural alemán para poder justificar la obra de su vida. Concluye Prieberg: “Furtwängler se sacrificó ante su propia ficción”. </span></strong></div><div style="text-align: justify;"><br />
<span style="color: #274e13; font-family: "Trebuchet MS", sans-serif; font-size: large;"></span></div><div style="text-align: justify;"><strong><span style="color: #274e13; font-family: "Trebuchet MS", sans-serif; font-size: large;">En los últimos años, hemos sido agasajados con un patético desfile de artistas alemanes de avanzada edad alegando una inocente ignorancia acerca del Holocausto. ¿Furtwängler hubiera sido uno de ellos? Aparte de algunas pocas expresiones de vergüenza de posguerra, no evidencias de que Furtwängler haya tomado alguna vez una posición en contra de la terrible culminación de su casual tolerancia del antisemitismo. En efecto, parece inconcebible que un hombre que pasó tanto de su tiempo estudiando de cerca a los líderes políticos y las tendencias sociales haya sido genuinamente ignorante de esta piedra angular de la política y las actividades nazis. O, a sabiendas, ¿vio al mundo a través de anteojeras artísticas y simplemente no le importó?</span></strong></div><div style="text-align: justify;"><br />
<span style="color: #274e13; font-family: "Trebuchet MS", sans-serif; font-size: large;"></span></div><div style="text-align: justify;"><strong><span style="color: #274e13; font-family: "Trebuchet MS", sans-serif; font-size: large;">Las especulaciones sobre el estado mental de Furtwängler son confusas e inconcluyentes. Sin embargo, por suerte hay un índice mucho más confiable de su conciencia. Cuando escuchamos interpretaciones durante la guerra de Strauss, Böhm, von Karajan, Krauss, Mengelberg, y otros moralistas del Eje, escuchamos a directores totalmente en paz consigo mismos, felizmente ajenos a los horrores que los rodeaban, cómodamente ubicados en sus mundos insulares de satisfacción artística abstracta.</span></strong></div><div style="text-align: justify;"><br />
<span style="color: #274e13; font-family: "Trebuchet MS", sans-serif; font-size: large;"></span></div><div style="text-align: justify;"><strong><span style="color: #274e13; font-family: "Trebuchet MS", sans-serif; font-size: large;">Pero la producción de Furtwängler de esta época tiene una dimensión completamente diferente, llegando mucho más allá de los límites de la tradición clásica aceptada, distendida por estructuras brutalmente retorcidas, tempos indignantes, fraseos irregulares, balances bizarros y dinámicas violentas. Esta no es simplemente la expresión de un nazi de corazón frío. Sino que, clara e irrefutablemente denota a un hombre sensible y profundamente problematizado, atormentado por sus conflictos internos y las dudas de su alma dolida, siempre a punto de estallar con el tormento. </span></strong></div><div style="text-align: justify;"><br />
<span style="color: #274e13; font-family: "Trebuchet MS", sans-serif; font-size: large;"></span></div><div style="text-align: justify;"><strong><span style="color: #274e13; font-family: "Trebuchet MS", sans-serif; font-size: large;">El debate sobre las concepciones políticas de Furtwängler en tiempos de guerra puede continuar girando entre los académicos, los historiadores y los filósofos sociales, pero su arte le confiere la fundamental prueba de su humanidad. No hay espacios para las sutilezas o las dudas. Posiblemente nadie que sea sensible a la interpretación de la música pueda confundirlo.-</span></strong></div><div style="text-align: justify;"><br />
</div><div style="text-align: justify;"><strong><span style="color: #38761d; font-family: Arial; font-size: large;">Ver <a href="http://luxaeterna-musik.blogspot.com/2011/01/wilhelm-furtwangler-un-genio-forjado-en.html">Primera Parte</a></span></strong></div><div style="text-align: justify;"><strong><span style="color: #38761d; font-family: Arial; font-size: large;">Ver <a href="http://luxaeterna-musik.blogspot.com/2011/02/wilhelm-furtwangler-un-genio-forjado-en.html">Segunda Parte</a></span></strong></div><div style="text-align: justify;"><strong><span style="color: #38761d; font-family: Arial; font-size: large;">Ver <a href="http://luxaeterna-musik.blogspot.com/2011/03/wilhelm-furtwangler-3.html">Tercera Parte</a></span></strong></div><div style="text-align: justify;"><br />
</div><div style="text-align: justify;"><strong><span style="font-size: large;"><span style="color: #38761d; font-family: Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: small;"><em><u>Traducido de: </u></em></span></span></strong></div><span style="color: #38761d; font-family: Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: small;"><em><u></u></em></span><br />
<br />
<span style="color: #38761d; font-family: Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: small;"><em><u>Peter Gutmann: Wilhelm Furtwängler: Genius Forged in the Cauldron of War / en: Classical Notes</u></em></span><br />
<br />
<span style="color: #38761d; font-family: Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: small;"><em><u></u></em></span><br />
<span style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"><em><span style="color: #38761d;"><u><span style="font-size: small;">Para ver el art. original: <b><span style="color: black; font-size: 12pt; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;"><a href="http://www.classicalnotes.net/features/furtwangler.html" target="_blank"><span style="color: purple; mso-bidi-font-family: Arial;"><span style="color: blue;">Click Aquí</span></span></a></span></b></span></u></span></em></span><span style="color: black; font-size: 12pt; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;"></span>Sara Bhttp://www.blogger.com/profile/17394015310016437875noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-8414950884106476103.post-84180445537195841712011-03-16T16:03:00.000-07:002011-03-26T13:23:51.994-07:00Wilhelm Furtwängler (3)<div style="text-align: justify;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgjkJqxhhwXsxKOC8j1EJmHZAgZHLXwh8kDnIlVR7JSoVFeEeKVI5aJcr0K7sNlrmSnWRSMObOmiXEslje9ONkb_6sSn-Y_QPDJF5f-MULF81LufSqzaaI0ByV4PD2iB0GtL4YNeFiLvZKC/s1600/Furtwangler-Wilhelm-2.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; cssfloat: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" r6="true" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgjkJqxhhwXsxKOC8j1EJmHZAgZHLXwh8kDnIlVR7JSoVFeEeKVI5aJcr0K7sNlrmSnWRSMObOmiXEslje9ONkb_6sSn-Y_QPDJF5f-MULF81LufSqzaaI0ByV4PD2iB0GtL4YNeFiLvZKC/s1600/Furtwangler-Wilhelm-2.jpg" /></a></div><strong><span style="color: #20124d; font-family: Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: large;"><em>Esta rivalidad con Von Karajan, inventada, le llegó hasta el mismo centro de su ser. Furtwängler vivía y respiraba la música de una manera tan profunda que, por ejemplo, constantemente dirigía orquestas imaginarias mientras caminaba. Furtwängler se había dedicado toda su vida a perpetuar las tradiciones de la cultura alemana, en la que había estado sumergido desde su más tierna juventud y de la que se había convertido en su paladín más visible. La música alemana era la única razón de su existencia. De hecho, en 1938, después de la anexión de Austria, a pesar de que ya estaba abrumado por la cantidad de trabajo, incrementó sus obligaciones haciéndose cargo de toda la actividad musical de Viena, porque se sentía en la obligación de preservar la orgullosa tradición musical de esta ciudad y, en particular, la independencia y la excelencia de su famosa Orquesta Filarmónica, que ya se veía amenazada por el control estatal.</em></span></strong></div><div style="text-align: justify;"><strong><br />
<span style="color: #20124d; font-family: Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: large;"><em></em></span></strong></div><div style="text-align: justify;"><strong><span style="color: #20124d; font-family: Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: large;"><em>Los nazis necesitaban tanto a Furtwängler como él necesitaba a Alemania. Hitler admiraba profundamente su maestría. El Partido mismo sabía perfectamente que Furtwängler era el principal símbolo de la antigua gloria de la cultura alemana y que su pérdida sería el golpe de gracia para el prestigio nacional, lo cual convalidaría todas las críticas foráneas.</em></span></strong></div><div style="text-align: justify;"><strong><br />
<span style="color: #20124d; font-family: Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: large;"><em></em></span></strong></div><div style="text-align: justify;"><strong><span style="color: #20124d; font-family: Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: large;"><em>Por esta época Furtwängler aprovecha la consistente ventaja del respeto que los nazis se veían obligados a tributarle. Cuando se le presentaban contratos con cláusulas del estilo “solamente arios”, se negaba a firmarlos; e iba aún más allá, picoteando a los promotores al destacar a miembros judíos de la orquesta como solistas. En un momento, cuando se le ordenó reemplazar a su concertino judío, amenazó con cancelar todas sus presentaciones. Cuando se le impuso la prohibición de emplear a artistas judíos en futuros conciertos, Furtwängler exigió una reunión con el ministro de propaganda, Goebbels, para que vetara dicha orden. La Filarmónica de Berlín estaba a punto de ser “arianizada”, y se reunió en persona con Hitler para revertir este decreto. (Por supuesto, todas estas medidas después fueron revocadas, pero esto no le quita en absoluto el valor que tuvo en su tiempo).</em></span></strong></div><div style="text-align: justify;"><strong><br />
<span style="color: #20124d; font-family: Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: large;"><em></em></span></strong></div><div style="text-align: justify;"><strong><span style="color: #20124d; font-family: Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: large;"><em>A pesar de lo que le parecía al mundo exterior, Furtwängler no colaboraba. </em></span></strong></div><div style="text-align: justify;"><strong><br />
<span style="color: #20124d; font-family: Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: large;"><em></em></span></strong></div><div style="text-align: justify;"><strong><span style="color: #20124d; font-family: Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: large;"><em>Jamás hizo el saludo nazi, ni siquiera cuando el mismísimo Hitler se encontraba presente en algún concierto. En general se negaba a actuar en salones donde se hubieran desplegado esvásticas. Evitaba aparecer en funciones oficiales. No quiso dirigir orquestas en países ocupados. Nunca inició sus conciertos con el himno nazi. Y jamás presentó las obras patrióticas de temática socialista que inundaban otros programas de conciertos.</em></span></strong></div><div style="text-align: justify;"><strong><br />
<span style="color: #20124d; font-family: Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: large;"><em></em></span></strong></div><div style="text-align: justify;"><strong><span style="color: #20124d; font-family: Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: large;"><em>El hecho de que Furtwängler se saliera con la suya en semejante conducta “traidora”, da cuenta de la estima que le tenían el Partido y el pueblo.</em></span></strong></div><div style="text-align: justify;"><strong><br />
<span style="color: #20124d; font-family: Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: large;"><em></em></span></strong></div><div style="text-align: justify;"><strong><span style="color: #20124d; font-family: Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: large;"><em>La relación de Furtwängler con los nazis quedó claramente definida en 1934 cuando programó la nueva ópera de Paul Hindemith, “Mathis der Maler”. La esposa del compositor era judía, y por lo tanto su música, a pesar de que todavía no se había escuchado, había sido automáticamente condenada como degenerada. El libreto (también obra de Hindemith) posiblemente no ayudó en nada. El personaje principal era un pintor visionario atrapado en una guerra civil, buscando desesperadamente una forma de aplicar sus talentos para mejorar la humanidad. A pesar de la ambientación medieval de esta ópera, su tema central respecto a la obligación del artista de abrazar de forma constructiva los temas sociales era dolorosamente moderno, y los nazis con seguridad entendían los desafiantes paralelos con la historia del momento –tal vez la razón misma por la que Furtwängler decidió presentar una ópera que hablaba de forma tan directa de sus propias y persistentes preocupaciones.</em></span></strong></div><div style="text-align: justify;"><strong><br />
<span style="color: #20124d; font-family: Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: large;"><em></em></span></strong></div><div style="text-align: justify;"><strong><span style="color: #20124d; font-family: Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: large;"><em>Cuando Göring prohibió esta obra, Furtwängler la reemplazó con una suite orquestal de la época. Este concierto fue aclamado como un verdadero punto de convergencia para las frustraciones anti-nazis. Más tarde Furtwängler publicaba un extenso artículo en defensa de Hindemith, en el que insistía en que la ideología era irrelevante y que el único criterio estético válido era la calidad misma del arte. </em></span></strong></div><div style="text-align: justify;"><strong><br />
<span style="color: #20124d; font-family: Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: large;"><em></em></span></strong></div><div style="text-align: justify;"><strong><span style="color: #20124d; font-family: Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: large;"><em>La prensa estatal, liderada por Goebbels, lo atacó, insistiendo con el mismo vigor en que solamente los ardientes nazis podían ser verdaderos artistas.</em></span></strong></div><div style="text-align: justify;"><strong><br />
<span style="color: #20124d; font-family: Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: large;"><em></em></span></strong></div><div style="text-align: justify;"><strong><span style="color: #20124d; font-family: Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: large;"><em>Abrumado y enfermo por la represiva ideología de este régimen nazi, Furtwängler resignó todas sus posiciones (excepto, por supuesto, el de “Staatsrat” vitalicio), y se dedicó a la composición, dirigiendo su mirada nostalgiosa hacia el extranjero. Y aquí fue cuando apareció la oportuna oferta de la Filarmónica de Nueva York.</em></span></strong></div><div style="text-align: justify;"><strong><br />
<span style="color: #20124d; font-family: Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: large;"><em></em></span></strong></div><div style="text-align: justify;"><strong><span style="color: #20124d; font-family: Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: large;"><em>Durante los siguientes meses, Furtwängler se sintió destrozado, privado de los medios para promover la música alemana (de la que él mismo se sentía su guardián). Pero el gobierno también estaba bastante molesto: había poca asistencia a los conciertos sustitutos, los suscriptores exigían que les devolvieran el dinero, la orquesta estaba sumergida en el déficit, y la prensa extranjera aprovechaba este incidente para denunciar la opresión de un régimen que, al parecer, tenía que silenciar a su artista más destacado.</em></span></strong></div><div style="text-align: justify;"><strong><br />
<span style="color: #20124d; font-family: Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: large;"><em></em></span></strong></div><div style="text-align: justify;"><strong><span style="color: #20124d; font-family: Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: large;"><em>Finalmente todo se resolvió cuando Furtwängler accedió a reconocer públicamente la preeminencia de las políticas artísticas de Hitler (difícilmente podía negarse), a cambio de que se le permitiera trabajar por cuenta propia y que nunca tuviera que aceptar una postura política o actuar en alguna función oficial. Como era de esperar, la prensa estatal informó al respecto como una plena capitulación por parte de Furtwängler, y jamás mencionó el resto del acuerdo.</em></span></strong></div><div style="text-align: justify;"><strong><br />
<span style="color: #20124d; font-family: Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: large;"><em></em></span></strong></div><div style="text-align: justify;"><strong><span style="color: #20124d; font-family: Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: large;"><em>Pero Furtwängler no se limitó a retirarse dentro de sí mismo o en el santuario del arte. Sino que, según varios testimonios, desplegó un enorme coraje moral, poniendo en constante peligro su vida y su reputación. Durante los siguientes diez años pasó gran parte de su tiempo interviniendo con funcionarios del Partido en tareas casi imposibles para proteger y rescatar a potenciales víctimas que buscaban su ayuda, incluyendo a profesionales extranjeros y enemigos. Si bien las pruebas a menudo son anecdóticas, el archivero Fred Prieberg sostiene que sólo su investigación ha documentado más de ochenta personas en riesgo que fueron salvadas gracias a los esfuerzos de Furtwängler.</em></span></strong></div><div style="text-align: justify;"><strong><br />
<span style="color: #20124d; font-family: Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: large;"><em></em></span></strong></div><div style="text-align: justify;"><strong><span style="color: #20124d; font-family: Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: large;"><em>Mientras la pasividad externa de Furtwängler (aplastado por las noticias distorsionadas nazis) se interpretaba en el exterior como “colaboracionismo”, ahora sabemos que su silencioso heroísmo salvó muchas más vidas que el despotrique abrasivo o la emigración simbólica. Como lo señala acertadamente Paul Minchin, presidente de la Sociedad Wilhelm Furtwängler: “Se necesita mucho más coraje para oponerse a un régimen totalitario desde adentro”. Está claro que Furtwängler tuvo al menos mucho más coraje que los autoproclamados defensores de la humanidad que lo tacharon de cobarde pero que lanzaron todas sus granadas verbales desde el puerto seguro del mundo libre.</em></span></strong></div><div style="text-align: justify;"><strong><br />
<span style="color: #20124d; font-family: Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: large;"><em></em></span></strong></div><div style="text-align: justify;"><strong><span style="color: #20124d; font-family: Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: large;"><em>¿Entonces Furtwängler era un santo desamparado? No del todo. Lamentablemente hay un costado no tan loable de sus actividades durante la guerra.</em></span></strong></div><div style="text-align: justify;"><strong><br />
<span style="color: #20124d; font-family: Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: large;"><em></em></span></strong></div><div style="text-align: justify;"><iframe allowfullscreen="" frameborder="0" height="390" src="http://www.youtube.com/embed/5jdPtO8LMWs?rel=0" title="YouTube video player" width="480"></iframe></div><div style="text-align: justify;"><strong><br />
<span style="color: #20124d; font-family: Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: large;"><em></em></span></strong></div><div style="text-align: justify;"><iframe allowfullscreen="" frameborder="0" height="390" src="http://www.youtube.com/embed/3uFJjHiG4-o?rel=0" title="YouTube video player" width="480"></iframe></div><div style="text-align: justify;"><strong><br />
<span style="color: #20124d; font-family: Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: large;"><em></em></span></strong></div><div style="text-align: justify;"><br />
<strong><span style="color: #20124d; font-family: Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: large;"><em>Ver <a href="http://luxaeterna-musik.blogspot.com/2011/01/wilhelm-furtwangler-un-genio-forjado-en.html">Primera Parte</a></em></span></strong><br />
<strong><em><span style="color: #20124d; font-family: Arial; font-size: large;">Ver <a href="http://luxaeterna-musik.blogspot.com/2011/02/wilhelm-furtwangler-un-genio-forjado-en.html">Segunda Parte</a></span></em></strong><br />
<br />
<strong><span style="color: #20124d; font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"><u>Traducido de:</u></span></strong></div><div style="text-align: justify;"><strong><br />
<span style="color: #20124d; font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"><u></u></span></strong></div><div style="text-align: justify;"><strong><span style="color: #20124d; font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"><u>Peter Gutmann: Wilhelm Furtwängler: Genius Forged in the Cauldron of War / en: Classical Notes</u></span></strong></div><div style="text-align: justify;"></div><div style="text-align: justify;"><strong><span style="color: #20124d; font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"><u>Para ver el art. original: </u></span></strong><a href="http://www.classicalnotes.net/features/furtwangler.html"><strong><span style="color: blue; font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;">Click Aquí</span></strong></a></div><div style="text-align: justify;"><strong><br />
<span style="color: #20124d; font-family: Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: large;"><em></em></span></strong></div><div style="text-align: justify;"><strong><br />
<span style="color: #20124d; font-family: Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: large;"><em></em></span></strong></div>Sara Bhttp://www.blogger.com/profile/17394015310016437875noreply@blogger.com1tag:blogger.com,1999:blog-8414950884106476103.post-45432644665191337712011-02-21T17:46:00.000-08:002011-03-21T07:52:14.267-07:00Wilhelm Furtwängler: un genio forjado en la caldera de la guerra (2)<div style="text-align: justify;"></div><div style="text-align: justify;"><span style="color: #660000; font-family: Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: large;"><strong>La prolífica escena de la música clásica alemana pronto iba a caer en el vacío. Solamente entre los directores, se fueron Bruno Walter, Otto Klemperer y Erich Kleiber (los principales rivales de Furtängler). Algunos se fueron por una cuestión de conciencia, pero otros no tuvieron más remedio: como judíos, las nuevas leyes raciales les prohibían presentarse, enseñar y, en última instancia, vivir. </strong></span></div><div style="text-align: justify;"><span style="color: #660000; font-family: Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: large;"><strong></strong></span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"><br />
<strong><span style="color: #660000; font-size: large;"></span></strong></span></div><div style="text-align: justify;"><span style="color: #660000; font-family: Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: large;"><strong>Poco tiempo después del ascenso de Hitler, Furtängler era el único director importante que quedaba. Y queda claro que no tuvo rencores hacia la horda de emigrantes, ya que ingenuamente los invitó, a varios de ellos, a que regresaran y se presentaran con él en futuras temporadas, y pareció sinceramente dolido cuando lo rechazaron. Casi todos los antiguos colegas de Furtängler le rogaron que tomara una decisión y que se uniera a ellos; cuando se negó a irse, lo trataron de “traidor a la humanidad”, y rechazaron de planto todo posible contacto futuro. </strong></span></div><div style="text-align: justify;"><br />
</div><div style="text-align: justify;"><span style="color: #660000; font-family: Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: large;"><strong>El hecho crucial que iba a atormentar a Furtängler por todo el resto de su vida fue por qué se quedó cuando todos los otros grandes artistas se fueron.</strong></span></div><div style="text-align: justify;"><br />
</div><div style="text-align: justify;"><span style="color: #660000; font-family: Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: large;"><strong>La explicación común dice que Furtängler carecía de fortaleza moral. Pero como tan a menudo surge con las cuestiones éticas, la historia verdadera es mucho más compleja. En todo caso, lo cierto es exactamente lo contrario: Furtängler se quedó fundamentalmente por sus convicciones, sinceras aunque ingenuas. </strong></span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"><br />
<strong><span style="color: #660000; font-size: large;"></span></strong></span></div><div style="text-align: justify;"><span style="color: #660000; font-family: Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: large;"><strong>Desde lo más profundo de sus raíces culturales e intelectuales, Furtängler consideraba a Hitler y al Nazismo simplemente como una fase pasajera dentro de la política alemana. De hecho, muchos observadores de aquel momento encontraban difícil de tomar en serio a un petizo, morocho y de ojos marrones que vociferaba por la supremacía de los arios altos y rubios. </strong></span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"><br />
<strong><span style="color: #660000; font-size: large;"></span></strong></span></div><div style="text-align: justify;"><span style="color: #660000; font-family: Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: large;"><strong>Ya desde el principio Furtängler veía dos Alemanias: una permanente, cultural, de la que él era un orgulloso miembro, y otra, irrelevante, política, que era un estorbo temporal. Para Furtängler no había una cosa tal como una “Alemania nazi”, sino más bien una Alemania devastada por los nazis. Furtängler creía realmente que manteniendo sus convicciones artísticas tendría éxito en la resistencia contra Hitler y podría así mantener la eterna pureza de la gran cultura alemana. Todas sus actividades durante aquellos años estaban decididas a lograr ese objetivo.</strong></span></div><div style="text-align: justify;"><br />
</div><div style="text-align: justify;"><span style="color: #660000; font-family: Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: large;"><strong>Furtängler creía, en lo más profundo de su alma, que la música era una fuerza de bien moral, un camino para salir del caos, que ayudaría a la causa de la humanidad. En 1943 escribía: “El mensaje que Beethoven le dejó a la Humanidad en sus obras… me parece que nunca jamás ha sido más necesario que hoy en día”. Más tarde, en declaraciones al Chicago Tribune, dijo que “Hubiera sido mucho más fácil emigrar, pero tenía que haber un centro espiritual de integridad para todos los alemanes reales y buenos que habían tenido que quedarse. Sentí que una verdadera gran obra musical era una contradicción más fuerte y más esencial respecto a Buchenwald y Auschwitz que las palabras podían serlo”.</strong></span></div><div style="text-align: justify;"><br />
</div><div style="text-align: justify;"><span style="color: #660000; font-family: Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: large;"><strong>Richard Wolff, el primer violinista de la Filarmónica de Berlín (cuya esposa judía salió indemne de la guerra gracias a la protección de Furtängler), afirmaba: “Furtängler podría haber disfrutado de una vida segura y confortable en el extranjero durante los terribles años del régimen nazi, pero sintió que su responsabilidad era quedarse y ayudar a educar a la joven generación alemana y mantener vivos los valores espirituales de Alemania en su hora más oscura”. </strong></span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"><br />
<strong><span style="color: #660000; font-size: large;"></span></strong></span></div><div style="text-align: justify;"><span style="color: #660000; font-family: Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: large;"><strong>Pero todos estos nobles pensamientos podrían desestimarse como una fácil racionalización de un títere cobarde, y de hecho hubo muchas más razones prácticas por las que Furtängler se quedó. </strong></span></div><div style="text-align: justify;"><span style="color: #660000; font-family: Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: large;"><strong>Se dice que los nazis amenazaron con encarcelar a su madre. Acosaron y finalmente expulsaron a su secretario personal judío. Conociendo la relación de Furtängler con la Filarmónica de Berlín, dieron a entender que disolvería el grupo y que lo reclutaría en favor de una orquesta más leal. </strong></span></div><div style="text-align: justify;"><br />
</div><div style="text-align: justify;"><span style="color: #660000; font-family: Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: large;"><strong>Por sobre todas las cosas, los nazis explotaron el temor de Furtängler de que su arte no fuera entendido fuera de Alemania: cuando a Furtängler le ofrecieron dirigir en importantes posiciones en el exterior, el gobierno estuvo de acuerdo, pero en sujeción a una nueva ley de emigración que le impediría para siempre regresar a Alemania (una condición que sabían que Furtängler jamás aceptaría). Por lo tanto, Furtängler se encontraba a sí mismo efectivamente encarcelado en su tierra natal.</strong></span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"><br />
<strong><span style="color: #660000; font-size: large;"></span></strong></span></div><div style="text-align: justify;"><span style="color: #660000; font-family: Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: large;"><strong>Y los nazis intentaron mantenerlo así envenenando la imagen de Furtängler en el exterior. </strong></span></div><div style="text-align: justify;"><br />
</div><div style="text-align: justify;"><span style="color: #660000; font-family: Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: large;"><strong>Por ejemplo, cuando Furtängler se negó a unirse al partido Nazi, fue nombrado “Staatsrat” (Consejero de Estado) de por vida, un título puramente honorario que legalmente no podía rechazar y al que los comunicados nazis frecuentemente apelaban para marcarlo con un rango fuera de su elección. </strong></span></div><div style="text-align: justify;"><br />
</div><div style="text-align: justify;"><span style="color: #660000; font-family: Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: large;"><strong>Cuando en un concierto se negó a saludar a Hitler, el astuto Furer saltó al escenario y le estrechó la mano calurosamente, un momento capturado por fotógrafos puesto en circulación alrededor de todo el mundo como una supuesta evidencia de capitulación. </strong></span></div><div style="text-align: justify;"><br />
</div><div style="text-align: justify;"><span style="color: #660000; font-family: Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: large;"><strong>Y cuando se enfrentaban al silencio público de Furtängler, los nazis acostumbraban a generar noticias falsas proclamando su apoyo, amplificadas por citas prefabricadas en alabanza de las políticas nazis y su dirigencia. </strong></span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"><br />
<strong><span style="color: #660000; font-size: large;"></span></strong></span></div><div style="text-align: justify;"><span style="color: #660000; font-family: Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: large;"><strong>La perversa eficiencia de la maquinaria de propaganda nazi quedó demostrada en 1935, cuando a Furtängler se le ofreció la conducción de la Filarmónica de Nueva York, tras el retiro de Toscanini. </strong></span></div><div style="text-align: justify;"><br />
</div><div style="text-align: justify;"><span style="color: #660000; font-family: Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: large;"><strong>Su candidatura venía con una garantía de éxito aparentemente blindada (la insistencia del mismo Maestro, reconocido por un público americano que lo adoraba como el director más grande del mundo, en que solamente Furtängler era digno de sucederle). El momento de la oferta era propicio, ya que Furtängler estaba molesto con el régimen Nazi y esta vez estaba profundamente tentado. Pero mientras el supuesto heredero saboreaba sus opciones, el Primer Ministro Göring anunció que la rehabilitación de Furtängler estaba completa y que podía reasumir sus tareas en la Ópera Estatal de Berlín. </strong></span></div><div style="text-align: justify;"><br />
</div><div style="text-align: justify;"><span style="color: #660000; font-family: Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: large;"><strong>Con eso, el daño ya estaba hecho: a pesar de los intentos de Furtängler de clarificar su posición, tanto la prensa de Nueva York como los suscriptores de la Filarmónica ahora ya no querían saber nada con traer a un nazi oficialmente reconocido a sus tierras. Furtängler trató de retirarse con altura, con un telegrama “posponiendo” sus apariciones en los Estados Unidos “hasta que el público se dé cuenta de que la música y la política no tienen nada que ver una con la otra”. Pero este mensaje difícilmente aplacaría a una América aislacionista y alarmada por los informes de los atropellos nazis. </strong></span></div><div style="text-align: justify;"><br />
</div><div style="text-align: justify;"><span style="color: #660000; font-family: Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: large;"><strong>Como una medida final de reaseguro, los nazis utilizaron el arma más terrible y efectiva de todas.</strong></span></div><div style="text-align: justify;"><br />
</div><div style="text-align: justify;"><span style="color: #660000; font-family: Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: large;"><strong>Herbert von Karajan era un brillante y ambicioso director austríaco que tenía todo lo que Furtängler no: era apuesto, enérgico, carismático, joven y totalmente complaciente y sin principios. Durante la guerra, los nazis los manipularon a los dos, uno contra otro, con una brillantez diabólica, negándole a Von Karajan el elogio supremo con el que la prensa controlada por el Estado mantenía empapado a Furtängler mientras este hombre mayor vivía en un perpetuo temor de que su rival lo reemplazara, llegando tan lejos incluso como para llamarlo “Das Wunder Karajan”, un cruel eco del anterior apodo de Furtängler.</strong></span></div><div style="text-align: justify;"><br />
</div><div style="text-align: justify;"><strong><span style="color: #660000; font-family: Arial; font-size: large;">Continuará...</span></strong><br />
<br />
<strong><span style="color: #660000; font-family: Arial; font-size: large;">Ver <a href="http://luxaeterna-musik.blogspot.com/2011/01/wilhelm-furtwangler-un-genio-forjado-en.html">Primera Parte</a></span></strong><br />
<strong><span style="color: #660000; font-family: Arial; font-size: large;">Ver </span></strong><br />
<strong><span style="color: #660000; font-family: Arial; font-size: large;">Ver <a href="http://luxaeterna-musik.blogspot.com/2011/03/wilhelm-furtwangler-3.html">Tercera Parte</a></span></strong></div><div style="text-align: justify;"><br />
</div><div style="text-align: justify;"><span style="color: #660000; font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"><strong><u>Traducido de:</u></strong></span></div><div style="text-align: justify;"><u><br />
</u></div><div style="text-align: justify;"><span style="color: #660000; font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"><strong><u>Peter Gutmann: Wilhelm Furtwängler: Genius Forged in the Cauldron of War / en: Classical Notes</u></strong></span></div><div style="text-align: justify;"><span style="color: #660000; font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"><strong><u></u></strong></span></div><div style="text-align: justify;"><span style="color: #660000; font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"><strong><u>Para ver el art. original: </u></strong></span><a href="http://www.classicalnotes.net/features/furtwangler.html"><span style="color: blue; font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"><strong>Click Aquí</strong></span></a></div><div style="text-align: justify;"><span style="color: #660000; font-family: Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: large;"><strong></strong></span></div>Sara Bhttp://www.blogger.com/profile/17394015310016437875noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-8414950884106476103.post-60214390413308799202011-01-31T18:08:00.000-08:002011-03-21T07:53:50.719-07:00Wilhelm Furtwängler: Un Genio Forjado en la Caldera de la Guerra (1)<div style="text-align: justify;"><strong style="clear: left; cssfloat: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgK8WLV82BcUY1aRlh1xM7NvCH8sF3TkjiX0y1IBvPpT5uiHwxhZ2XuFZzwup31o67hl27V-ekqptMrQbIbNTW5kwrwrBjQW7TpmR9DjS10-x7AuKij2DQurrirF5c5AvXJDFOYQe7N_bF8/s1600/furtw.bmp" /></strong><br />
<span style="color: #0c343d; font-family: Times, "Times New Roman", serif; font-size: large;"><em><strong>Berlín, 7 de octubre de 1944. Un día típico a fines del Tercer Reich. Los soldados mueren. Los civiles sufren. Los judíos son asesinados. Nada especial. (*)<br />
<br />
En el Beethovensaal, un concierto está a punto de comenzar. Pero el teatro está vacío, libre de su habitual audiencia tachonada por la élite nazi en busca de un breve respiro cultural dentro de las tensiones de la guerra. La Orquesta Filarmónica de Berlín está en el escenario, esperando su señal. El director Wilhelm Furtwängler está en el podio. Los vagos serpenteos de su batuta invocan la primera nota sombría de la Novena Sinfonía de Bruckner. Un ingeniero de la Radio de Berlín enciende su magnetófono. Acaba de empezar la más extraordinaria grabación orquestal del siglo. <br />
<br />
Los eventos musicales realmente trascendentes son muy raros. Su aparición es difícil de prever. A menudo surgen en lugares improbables y en tiempos casuales. Y así fue que en Berlín, en una sombría tarde de otoño, en plena época de guerra, un solitario técnico nazi fue testigo de una de las representaciones más apasionadas jamás grabadas. <br />
<br />
Al igual que todos los grandes logros artísticos, la intensidad y la convicción de la obra de Furtwängler en tiempos de guerra se destilaron a partir de la durísima experiencia. En nuestra era de superestrellas clásicas mimadas y de sociedad, parece difícil de concebir a un famoso director genuinamente desgarrado por la angustia. Y sin embargo Furtwängler soportó tan extremo tormento y dolor que fue capaz de identificarse plenamente con el profundo sufrimiento al que los más grandes compositores arrancaron sus más sentidas y perdurables obras maestras. Bajo una presión diseñada como para aplastar a cualquier artista sensible, transmutó su angustia en una visión de entendimiento y poder sin precedentes. </strong></em></span></div><div style="text-align: justify;"><strong><span style="color: #0c343d; font-family: Times, "Times New Roman", serif; font-size: large;"><em>La saga de cómo el incomparable arte de Furtwängler surgió y se desarrolló dentro del horroroso abismo de la Alemania nazi nos obliga a enfrentar la terrible colisión del arte, la sociedad y la moral. <br />
<br />
ANTES DE LA GUERRA</em></span></strong></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEier1fMW_5tB2_4ns9ZdnT6O2d8YAzyGtJXh6sivB2Rs0na5nWed-wIMOIDInP-ntzOxzBUVlgsKUmX1sjNOR-n8JQ6FVurKrjA_iGKdnPZulq40GW8wmzuMAeUW9y9eRbZDxhoMuzE7XZY/s1600/dua.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; cssfloat: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" r6="true" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEier1fMW_5tB2_4ns9ZdnT6O2d8YAzyGtJXh6sivB2Rs0na5nWed-wIMOIDInP-ntzOxzBUVlgsKUmX1sjNOR-n8JQ6FVurKrjA_iGKdnPZulq40GW8wmzuMAeUW9y9eRbZDxhoMuzE7XZY/s1600/dua.jpg" /></a></div><div style="text-align: justify;"><br />
</div><div style="text-align: justify;"><strong><span style="color: #0c343d; font-family: Times, "Times New Roman", serif; font-size: large;"><em>Los dos primeros tercios de la vida de Furtwängler dan pocas señales acerca de lo que vendría. Nació en Berlín, en 1866, en un entorno envidiablemente confortable. Su padre era un famoso arqueólogo, y su madre una talentosa pintora. Educado en su hogar, el jovencito fue nutrido en la cultura germana por tutores y amigos de la familia, entre los que se contaban filósofos y artistas.<br />
<br />
El talento musical de Furtwängler salió a la luz muy pronto. Su amor más profundo era Beethoven. A los 12 años de edad Furtwängler, según se dice, ya había memorizado la mayoría de las obras del maestro, y podía tocarlas en el piano. Pero por sobre todas las cosas, Furtwängler aspiraba a ser compositor, y a los 10 años de edad ya había escrito tríos, cuartetos y seis sonatas para piano. <br />
<br />
Tras la muerte de su padre, sin embargo, se volvió hacia la dirección, primero para apoyar a su familia, pero también con la esperanza de fomentar presentaciones de sus propias obras. Este gesto fue característico, y no fue sino la primera de las muchísimas veces en que Furtwängler iba a templar sus ideales con el sentido práctico. </em></span></strong><br />
<div style="text-align: justify;"><strong><span style="color: #0c343d; font-family: Times, "Times New Roman", serif; font-size: large;"><em>Furtwängler siguió la ruta usual de un viajante musical, desempeñándose como asistente y eventualmente como director en los puestos cada vez más prestigiosos dentro de la música alemana. Sus mentores incluyeron a Felix Mottl (un cercano colaborador de Wagner que había dirigido los estrenos mundiales de varias de sus óperas), Hans Pfitzner (uno de los compositores más importantes de Alemania), y especialmente Artur Nikish, el más grande director de orquesta de la época, conocido por cautivar a los músicos y a las audiencias con su impulsivo fervor, sus inflecciones profundamente personales y su inigualable “sonido” orquestal.</em></span></strong></div><div style="text-align: justify;"><strong><span style="color: #0c343d; font-family: Times, "Times New Roman", serif; font-size: large;"><em>El ascenso de Furtwängler fue meteórico, conquistando Breslau, Zurich, Munich, Estrasburto, Lübeck, Mannheim y Frankfurt. La prensa lo había catalogado como “Das Wunder Furtwängler” (“Wunder” significa asombroso, increíble). En 1922 sucedió a Nikish tanto al frente de la Filarmónica de Berlín, la orquesta más prestigiosa en Alemania, como en la venerable Gewandhaus de Leipzig, cuya inigualable tradición secular de excelencia había comenzado con Mendelssohn. En 1928 Furtwängler ocupó además el primer lugar en Viena, la capital musical de Europa. En 1930 se convirtió en el Director Musical del Festival de Bayreuth, establecido por Wagner y considerado como la cumbre de la cultura germana. <br />
<br />
El único revés para Furtwängler tuvo lugar en Estados Unidos, al frente de la Filarmónico de Nueva York, donde deslumbró al público durante tres temporadas pero luego fue desplazado por el furioso celo de Toscanini, quien, cruelmente, explotó la solemnidad de Furtwängler, su torpeza social y su negativa a postrarse ante los patrocinadores de la sociedad que manejaban “los hilos”. Pero no importa, ajeno a la tormenta política que se desataba, en 1932 Furtwängler se estableció en el pináculo del éxito artístico, y su futuro, al menos en Europa, parecía no tener límites. <br />
<br />
La carrera discográfica de Furtwängler empezó en 1926. Durante los siguientes diez años, grabó para el sello Polydor principalmente obras austríacas y alemanas, desde Bach hasta Wagner, pero también algunas inusuales obras de Rossini y de Johann Strauss. La serie completa está disponible en Koch 3-7059-2 y 3-7073-2 K2 (dos CDs cada uno), y se destaca en “Symposium 1046”. Si bien no muestran mucho de esa perspicacia visionaria de sus interpretaciones posteriores, cada una de las grabaciones manifiesta el conjunto unificado de una gran orquesta bajo la dirección de un líder sólidamente versado en la cultura musical alemana. Así, el Bach es fuerte y comprometido, el Mozart es pesado y severo, el Weber místico y extático, el Wagner oscuro y melancólico, y el Beethoven noble y sólido.</em></span></strong></div><div style="text-align: justify;"><strong><span style="color: #0c343d; font-family: Times, "Times New Roman", serif; font-size: large;"><em>Las primeras grabaciones de Furtwängler muestran claramente a un artista en la cima de su mundo profesional, seguro de sí mismo, un ejemplar sólido de la rica tradición artística alemana. Como lo dijo muy bien el “Grove´s Dictionary of Music” en aquella época, en una de sus entradas: “El control y el balance son características prominentes de su dirección; sus interpretaciones, aunque llenas de vitalidad, no son impulsivas, y su estilo personal en el atril de director es por lo general contenido”.</em></span></strong></div><div style="text-align: justify;"><br />
<strong><span style="color: #0c343d; font-family: Times, "Times New Roman", serif; font-size: large;"><em>Y entonces llegó Hitler.</em></span></strong></div><div style="text-align: justify;"><br />
<br />
<strong><span style="color: #0c343d; font-family: Times, "Times New Roman", serif; font-size: large;"><em>Ver </em></span></strong><a href="http://luxaeterna-musik.blogspot.com/2011/02/wilhelm-furtwangler-un-genio-forjado-en.html"><strong><span style="color: blue; font-family: Times, "Times New Roman", serif; font-size: large;"><em>Segunda Parte</em></span></strong></a><br />
<span style="font-family: Times, "Times New Roman", serif; font-size: large;"><strong><em>Ver </em></strong></span><a href="http://luxaeterna-musik.blogspot.com/2011/03/wilhelm-furtwangler-3.html"><span style="color: blue; font-family: Times, "Times New Roman", serif; font-size: large;"><strong><em>Tercera Parte</em></strong></span></a><br />
<br />
<strong><span style="color: #0c343d; font-family: Times, "Times New Roman", serif;"><u>Traducido de:<br />
<br />
Peter Gutmann: Wilhelm Furtwängler: Genius Forged in the Cauldron of War / en: Classical Notes<br />
Para ver el art. original: </u></span></strong><a href="http://www.classicalnotes.net/features/furtwangler.html"><strong><span style="color: blue; font-family: Times, "Times New Roman", serif;">Click Aquí</span></strong></a></div></div>Sara Bhttp://www.blogger.com/profile/17394015310016437875noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-8414950884106476103.post-47209322404515874142010-10-29T17:32:00.000-07:002010-11-18T15:38:23.945-08:00La Música en Tiempos de Guerra (2)<div style="text-align: justify;"><span style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"></span></div><div style="text-align: justify;"><strong><span style="color: #660000; font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;">Haydn: Missa in tempore belli (1796)</span></strong></div><div style="text-align: justify;"><strong><br />
<span style="color: #660000; font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"></span></strong></div><div style="text-align: justify;"><strong><span style="color: #660000; font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;">Más precisa en las intenciones y en el efecto fue la “Missa in tempore belli” (Misa en tiempos de guerra), de Haydn, escrita en 1796, mientras Napoleón avanzaba sobre Viena, donde más tarde iba a presentarse. A pesar de que está escrita en Do mayor, una clave normalmente “despreocupada”, y del irrefrenable optimismo de Haydn, las secciones de apertura y cierre están sobrecargadas de fanfarrias de trompetas militaristas inusuales (y, al mismo tiempo, sacrílegas) y de redobles de timbales. (Haydn ya había utilizado una instrumentación parecida en su anterior Sinfonía No. 100 en Sol, pero en este caso se buscaba un simple efecto decorativo). En la Misa, si bien los acentos de la percusión y los metales están aislados, inyectan un tinte de ansiedad y desesperación en la relajante oración final por la paz. </span></strong></div><div style="text-align: justify;"><strong><br />
<span style="color: #660000; font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"></span></strong></div><div style="text-align: justify;"><strong><span style="color: #660000; font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;">Uno de los sellos distintivos de la buena música es su capacidad de hablarle a las generaciones futuras, y la “Missa in tempore belli” lo hizo con mucha elocuencia y contundencia el 19 de enero de 1973, cuando resaltó el “Concierto por la Paz”, dirigido por Leonard Bernstein, en la “National Catedral” de Washington, en protesta por la guerra de Vietnam, y en el concierto oficial en el “Kennedy Center” en celebración del segundo periodo de Richard Nixon (esa misma noche).</span></strong></div><div style="text-align: justify;"><strong><br />
<span style="color: #660000; font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"></span></strong></div><div style="text-align: justify;"><iframe class="youtube-player" frameborder="0" height="345" src="http://www.youtube.com/embed/N_zgSZY3iRE?rel=0" title="YouTube video player" type="text/html" width="560"></iframe></div><div style="text-align: justify;"><strong><br />
<span style="color: #660000; font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"></span></strong></div><div style="text-align: justify;"><strong><span style="color: #660000; font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;">Beethoven: Missa Solemnis (1822)</span></strong></div><div style="text-align: justify;"><strong><br />
<span style="color: #660000; font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"></span></strong></div><div style="text-align: justify;"><strong><span style="color: #660000; font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;">Beethoven utilizó un recurso similar en la conclusión, devastadoramente efectiva, de su “Missa Solemnis” (1822). A la sección final de su partitura Beethoven la llamó “Oración por la paz interior y exterior”. En un largo viaje espiritual, una melodía en 6/8, delicadamente apasionada, señala el camino hacia su final satisfactorio; pero es entonces cuando arrecia la percusión y se introducen las fanfarrias, mientras que los solistas primero y luego todo el coro, en tonos entrecortados, aterrorizados, convierten la oración por la paz en una súplica desesperada. Justo cuando los temores se calman, y la fluida música parece dirigirse nuevamente hacia la esperada conclusión triunfante, la orquesta toda interrumpe con una irritada fuga, coronada por los acordes estridentes de los metales chillones y los estruendosos de la percusión. La calma regresa, solo para caer dos veces más en completo silencio, para revelar los timbales que, amenazantes, todavía suenan en la distancia. Por fin, viene la cadencia final, pero es breve y sumisa, un intento en absoluto convincente de disipar las persistentes dudas o de resolver una estructura maciza y tensa. </span></strong></div><div style="text-align: justify;"><strong><br />
<span style="color: #660000; font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"></span></strong></div><div style="text-align: justify;"><strong><span style="color: #660000; font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;">Es, como mucho, una agitada expresión de fe, una cuestión problemática, y no una afirmación entusiasta o una reconfortante meditación espiritual. Beethoven termina su obra más ambiciosa y, posiblemente, la más grande, con una ingeniosa advertencia acerca de que una mente preocupada por los pensamientos sobre la guerra no puede estar verdaderamente cómoda o feliz. </span></strong></div><div style="text-align: justify;"><strong><br />
<span style="color: #660000; font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"></span></strong></div><div style="text-align: justify;"><iframe class="youtube-player" frameborder="0" height="345" src="http://www.youtube.com/embed/m8a-_q1gIR8?rel=0" title="YouTube video player" type="text/html" width="560"></iframe></div><div style="text-align: justify;"><strong><br />
<span style="color: #660000; font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"></span></strong></div><div style="text-align: justify;"><strong><span style="color: #660000; font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;">Britten: War Requiem (1962)</span></strong></div><div style="text-align: justify;"><strong><br />
<span style="color: #660000; font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"></span></strong></div><div style="text-align: justify;"><strong><span style="color: #660000; font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;">Las audiencias de Beethoven pueden haber tenido que inferir sus intenciones, pero Benjamin Britten no dejó lugar a dudas en su inquietante “War Requiem” (1962). </span></strong></div><div style="text-align: justify;"><strong><br />
<span style="color: #660000; font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"></span></strong></div><div style="text-align: justify;"><strong><span style="color: #660000; font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;">En su primera gran obra, para desafiar seriamente al sagrado ritual, Britten entremezcla la benigna autoridad de la liturgia tradicional del duelo con la poesía de Wilfred Owen, un pacifista británico que había muerto en batalla a los 25 años de edad, dejando un legado de perspicaces poemas. </span></strong></div><div style="text-align: justify;"><strong><br />
<span style="color: #660000; font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"></span></strong></div><div style="text-align: justify;"><strong><span style="color: #660000; font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;">La sombría realidad de las observaciones exquisitamente sensibles pero inefablemente tristes, de desilusión, pena y vacío (cantadas en su estreno por solistas británicos y alemanes), hace que los lugares comunes litúrgicos del coro, aprendidos de memoria, suenen huecos. El sublime final combina la usual oración por la paz y el descanso eternos con un presentimiento profético de Owen acerca de su propia e inútil muerte, con un tinte de pesar porque la vanidad y la arrogancia del mundo no van a cambiar en lo más mínimo. Britten prologó su partitura con el temor de Owen acerca de que “Todo lo que puede hacer un poeta es advertir”. Aunque Owen murió poco antes del armisticio que le puso fin a la Primera Guerra Mundial, sus palabras parecen escalofriantemente acertadas en la parálisis diplomática de nuestros tiempos.</span></strong></div><div style="text-align: justify;"><strong><br />
<span style="color: #660000; font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"></span></strong></div><div style="text-align: justify;"><iframe class="youtube-player" frameborder="0" height="349" src="http://www.youtube.com/embed/hhkbphH8_Ic?rel=0" title="YouTube video player" type="text/html" width="425"></iframe></div><div style="text-align: justify;"><strong><br />
<span style="color: #660000; font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"></span></strong></div><div style="text-align: justify;"><strong><span style="color: #660000; font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;">Beethoven y Britten imaginaron la guerra con fuerza, pero de forma indirecta. </span></strong></div><div style="text-align: justify;"><strong><br />
<span style="color: #660000; font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"></span></strong></div><div style="text-align: justify;"><strong><br />
<span style="color: #660000; font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"></span></strong></div><div style="text-align: justify;"><strong><span style="color: #660000; font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;">Shostakovich: Sinfonía No.7 (1941)</span></strong></div><div style="text-align: justify;"><strong><br />
<span style="color: #660000; font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"></span></strong></div><div style="text-align: justify;"><strong><span style="color: #660000; font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;">Dmitri Shostakovich escribió la mayor parte de su Sinfonía No.7 (1941) en Leningrado, durante los dos primeros meses de ocupación alemana. Más tarde, el compositor afirmaría que la intención de la obra era como un ataque al abandono de Stalin a la ciudad (“Stalin la destruyó, y Hitler simplemente terminó el trabajo”), pero en realidad durante la guerra había proclamado un planteamiento más directo.</span></strong></div><div style="text-align: justify;"><strong><br />
<span style="color: #660000; font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"></span></strong></div><div style="text-align: justify;"><strong><span style="color: #660000; font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;">El primer movimiento representa un ataque; en su infame episodio central, un ambiente sereno se desvanece con una ruidosa y molesta marcha que se infiltra constantemente a través de la orquesta entera, con una intensidad creciente, en un bolero sin gracia y cada vez más violento.</span></strong></div><div style="text-align: justify;"><strong><br />
<span style="color: #660000; font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"></span></strong></div><div style="text-align: justify;"><iframe class="youtube-player" frameborder="0" height="349" src="http://www.youtube.com/embed/mtjAmaG7jjA?rel=0" title="YouTube video player" type="text/html" width="425"></iframe></div><div style="text-align: justify;"><strong><br />
<span style="color: #660000; font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"></span></strong></div><div style="text-align: justify;"><strong><span style="color: #660000; font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;">A pesar de que fue criticado varias veces como demasiado extenso para sus débiles materiales (el crítico inglés Ernest Newman se refirió a esta obra como “demasiados grados de longitud y perogrulladas”) (1), su persistencia insípida, chillona, insinúa perfectamente la dolorosa opresión de la guerra. Después de que la marcha se hunde en una entumecida pena, los movimientos restantes evocan sueños agridulces de tiempos mejores, una elegía nostálgica por la inocencia perdida y un poderoso clímax de victoria final. </span></strong></div><div style="text-align: justify;"><strong><br />
<span style="color: #660000; font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"></span></strong></div><div style="text-align: justify;"><strong><span style="color: #660000; font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;">Aclamada como un oportuno símbolo de la resistencia, el sufrimiento y las esperanzas del pueblo ruso, la “Sinfonía Leningrado” dio varias presentaciones, tanto en Rusia como en el exterior. Al menos en un sentido, su representación de la batalla se tomó literalmente, cuando Toscanini y Stokowski se pelearon públicamente por el estreno en los Estados Unidos, después de que la NBC editara la partitura completa en microfilm. </span></strong></div><div style="text-align: justify;"><strong><br />
<span style="color: #660000; font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"></span></strong></div><div style="text-align: justify;"><strong><span style="color: #660000; font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;">Si bien la estima de la sinfonía cayó en picada después de la victoria Aliada, su desgarrador retrato de una sociedad aturdida por la guerra sigue siendo una advertencia relevante para nuestros ansiosos tiempos.</span></strong></div><div style="text-align: justify;"><strong><br />
<span style="color: #660000; font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"></span></strong></div><div style="text-align: justify;"><strong><span style="color: #660000; font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;">Ya sea de forma sutil o directa, cada una de estas obras ofrece un claro mensaje en contra de la guerra, como muchas otras. Pero nuestra querida tradición democrática depende de una variedad de opiniones, y así, para que este estudio no pareciera injusto, intenté alcanzar un cierto balance con algunas obras a favor de la guerra. Encontré canciones que sirvieron a un propósito inmediato, de reunir a las tropas y a los civiles (el “Marine Corps Hymn”, “Over there” de Cohan), obras que honraron a los héroes que se levantaron en defensa de sus patrias (“Lincoln portrait”, de Copland, “Alexander Nevsky” de Prokofiev), dramas épicos y romances puestos en una perspectiva histórica (“Les Troyens”, de Berlioz, “I Lombarda alla Prima Crociata”, de Verdi), y bandas de sonido que acompañaron a documentales de cine y televisión (“Victory at Sea”, de Richard Rodger). En una búsqueda más profunda, están los “Ballets Rojos” chinos, los oratorios nazis y otras porquerías olvidables tocadas por comités sin rostro o escritas bajo coacción para glorificar a los regímenes fascistas. Pero como música seria, perdurable, con una perspectiva en favor de la guerra, no encontré ninguna. </span></strong></div><div style="text-align: justify;"><strong><br />
<span style="color: #660000; font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"></span></strong></div><div style="text-align: justify;"><strong><span style="color: #660000; font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;">Y creo que se por qué.</span></strong></div><div style="text-align: justify;"><strong><br />
<span style="color: #660000; font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"></span></strong></div><div style="text-align: justify;"><iframe class="youtube-player" frameborder="0" height="349" src="http://www.youtube.com/embed/zXpUcRVzV1s?rel=0" title="YouTube video player" type="text/html" width="425"></iframe></div><div style="text-align: justify;"><strong><br />
<span style="color: #660000; font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"></span></strong></div><div style="text-align: justify;"><strong><span style="color: #660000; font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;">Nota </span></strong></div><div style="text-align: justify;"><br />
<span style="color: #660000; font-family: Arial;"><strong>(1) En el art. original, hay un juego de palabras. Dice: "... so many degrees of longitude and platitude". No hace falta que lo explique, no?</strong></span><br />
<br />
<strong><span style="color: #660000; font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;">Para ver la primera parte de este artículo: <a href="http://luxaeterna-musik.blogspot.com/2010/10/la-musica-en-tiempos-de-guerra.html">La Música en Tiempos de Guerra (1)</a></span></strong><br />
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<br />
<strong><span style="color: #660000; font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;">Traducido de.</span></strong></div><div style="text-align: justify;"><strong><span style="color: #660000; font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;">Peter Gutmann: Music In Time of War: ... or how I had to stop listening in order to love the Bomb. </span></strong></div><div style="text-align: justify;"><strong><span style="color: #660000; font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;">Para ver el art. original: </span></strong><a href="http://www.classicalnotes.net/columns/war.html"><strong><span style="color: #073763; font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;">Classical Notes</span></strong></a></div><div style="text-align: justify;"><strong><span style="color: #660000; font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;">(naturalmente, los videos no están en el artículo original, sino que son un agregado mío).</span></strong><br />
<br />
</div>Sara Bhttp://www.blogger.com/profile/17394015310016437875noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-8414950884106476103.post-68906693563408537502010-10-05T17:11:00.000-07:002010-11-01T16:43:54.873-07:00La Música en Tiempos de Guerra<div style="text-align: justify;"><span style="color: #20124d;"></span></div><div style="text-align: justify;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgfINv-4HQgny0kdMgMs6W0gk0i66yCxUy-LNzy2nBTsDYSfJTJWmXW8RuorojWwHnV8czq6Wwd_JOZInwzXCscuFdfY30sduYCHJNuekZ_lN9tHqhQk0PzEfTPc3VSmBHA4lv-oLC64U5j/s1600/napoleon-horse.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; cssfloat: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="320" px="true" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgfINv-4HQgny0kdMgMs6W0gk0i66yCxUy-LNzy2nBTsDYSfJTJWmXW8RuorojWwHnV8czq6Wwd_JOZInwzXCscuFdfY30sduYCHJNuekZ_lN9tHqhQk0PzEfTPc3VSmBHA4lv-oLC64U5j/s320/napoleon-horse.jpg" width="273" /></a></div><strong><span style="color: black; font-family: Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: large;">Music in time of war / Peter Gutmann</span></strong></div><div style="text-align: justify;"><strong><br />
<span style="color: black; font-family: Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: large;"></span></strong></div><div style="text-align: justify;"><em><strong><span style="color: black; font-family: Times, "Times New Roman", serif;">Principios de Marzo de 2003. – "Yo siempre espero ver mis columnas publicadas, pero realmente creí que los editores iban a rechazar esta. Me imaginé que las tensiones habían disminuido y que su importancia ya había pasado. Pero, ¡ay! Mi fecha límite llegó, y todavía estamos abrumados por los pensamientos sobre la guerra. De hecho, a pesar de los grandes titulares a diario, las constantes actualizaciones de las noticias y los alertas de seguridad, me siento en mi oficina del centro de Washington en pleno Código Naranja, apenas a cuatro cuadras de la Casa Blanca, en medio de las patrullas, los helicópteros, la vigilancia y la sirenas, y es muy difícil pensar en otra cosa.</span></strong></em></div><div style="text-align: justify;"><em><strong><span style="color: black; font-family: Times, "Times New Roman", serif;"></span></strong></em></div><span style="color: black; font-family: Times, "Times New Roman", serif;"><em></em></span><br />
<div style="text-align: justify;"><strong><br />
<span style="color: black; font-family: Times, "Times New Roman", serif;"></span></strong></div><span style="color: black; font-family: Times, "Times New Roman", serif;"></span><br />
<div style="text-align: justify;"><em><strong><span style="color: black; font-family: Times, "Times New Roman", serif;">En tiempos tan difíciles, la pureza enrarecida de las bellas artes parece insignificante, una indulgencia egoísta e inútil, un intento vano de ocultarnos de las terribles visiones y de los temores debilitantes. Soy incapaz de evadir la penetrante obsesión que nos consume, y tengo que dejarles a los expertos las cuestiones más relevantes y de mayor peso acerca de las raíces y las soluciones de nuestra actual crisis, de las que mi conocimiento es derivativo y mis opiniones, en gran medida, sin importancia. Pero puedo ofrecer algunas reflexiones, lamentablemente oportunas, acerca de la música y la guerra". -Peter Gutmann</span></strong></em></div><div style="text-align: justify;"><strong><br />
<span style="color: black; font-family: Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: large;"></span></strong></div><div style="text-align: justify;"><strong><span style="color: black; font-family: Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: large;">La música siempre ha desempeñado un rol integral en la guerra, en sus preparativos y sus consecuencias. Desde la organización de las formaciones, hasta el lanzamiento de cargas de la caballería, los sonidos de los toques de trompeta, los tambores y las bandas marciales han marcado las rutinas, coordinado las maniobras, resaltado ceremonias, celebrado victorias y lamentado pérdidas. </span></strong></div><div style="text-align: justify;"><strong><br />
<span style="color: black; font-family: Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: large;"></span></strong></div><div style="text-align: justify;"><strong><span style="color: black; font-family: Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: large;">Pero cuando se trata de la guerra en la música, las dos cosas raramente se mezclan. En comparación con su predominio en el teatro, la pintura y el cine, es muy poca la música que realmente representa o se refiere a la guerra en sí misma. Aún así, dadas sus acciones en el comercio, los compositores naturalmente han sido atraídos al sonido puro de la guerra. Después de todo, la explosiva potencia de las municiones debe haber llenado de un enorme estremecimiento visceral en la era prehistórica, antes de los conciertos de rock, de los “home teathres”, de los amplificadores de megavatios y de los “subwoofers”.</span></strong></div><div style="text-align: justify;"><strong><br />
<span style="color: black; font-family: Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: large;"></span></strong></div><div style="text-align: justify;"><strong><span style="color: black; font-family: Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: large;">Curiosamente, mientras lo reverenciamos como una de las mentes musicales más brillantes de todos los tiempos, Beethoven produjo una de las pocas representaciones literales de la guerra en su obra “La victoria de Wellington” (o “La Batalla de Vittoria”), de 1813.</span></strong></div><div style="text-align: justify;"><strong><br />
<span style="color: black; font-family: Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: large;"></span></strong></div><div style="text-align: justify;"><strong><span style="color: black; font-family: Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: large;">Al principio, Beethoven reverenciaba tanto a Napoleón, como un libertador populista, que le ofreció la dedicatoria de su notable Tercera Sinfonía, pero después la escribió simplemente “a la memoria de un gran hombre”, cuando Bonaparte se autoproclamó emperador. </span></strong></div><div style="text-align: justify;"><strong><br />
<span style="color: black; font-family: Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: large;"></span></strong></div><div style="text-align: justify;"><strong><span style="color: black; font-family: Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: large;">Si bien Beethoven puede haber estado sinceramente conmocionado por la derrota de Napoleón, sus motivaciones también eran mercenarias.</span></strong></div><div style="text-align: justify;"><strong><br />
<span style="color: black; font-family: Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: large;"></span></strong></div><div style="text-align: justify;"><strong><span style="color: black; font-family: Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: large;"><object height="480" width="600"><param name="movie" value="http://www.youtube.com/v/TUZNAZ3LHnw?fs=1&hl=es_ES&rel=0&color1=0x3a3a3a&color2=0x999999&border=1"></param><param name="allowFullScreen" value="true"></param><param name="allowscriptaccess" value="always"></param><embed src="http://www.youtube.com/v/TUZNAZ3LHnw?fs=1&hl=es_ES&rel=0&color1=0x3a3a3a&color2=0x999999&border=1" type="application/x-shockwave-flash" allowscriptaccess="always" allowfullscreen="true" width="600" height="480"></embed></object></span></strong></div><div style="text-align: justify;"><strong><br />
<span style="color: black; font-family: Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: large;"></span></strong></div><div style="text-align: justify;"><strong><span style="color: black; font-family: Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: large;"><object height="480" width="600"><param name="movie" value="http://www.youtube.com/v/gTU-7TtPLi0?fs=1&hl=es_ES&rel=0&color1=0x3a3a3a&color2=0x999999&border=1"></param><param name="allowFullScreen" value="true"></param><param name="allowscriptaccess" value="always"></param><embed src="http://www.youtube.com/v/gTU-7TtPLi0?fs=1&hl=es_ES&rel=0&color1=0x3a3a3a&color2=0x999999&border=1" type="application/x-shockwave-flash" allowscriptaccess="always" allowfullscreen="true" width="600" height="480"></embed></object></span></strong></div><div style="text-align: justify;"><strong><br />
<span style="color: black; font-family: Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: large;"></span></strong></div><div style="text-align: justify;"><strong><br />
<span style="color: black; font-family: Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: large;"></span></strong></div><div style="text-align: justify;"><strong><span style="color: black; font-family: Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: large;">“La victoria de Wellington” fue escrita para el Panarmónico, una orquesta mecánica que cubría su crudeza con una enorme batería de percusión. Este artefacto había sido inventado por su amigo Johann Maelzel, que se granjeó la estima del compositor, cada vez más sordo, gracias a otro de sus inventos, la trompetilla. </span></strong></div><div style="text-align: justify;"><strong><br />
<span style="color: black; font-family: Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: large;"></span></strong></div><div style="text-align: justify;"><strong><span style="color: black; font-family: Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: large;">Si bien no era más que un pastiche oportunista y falto de inspiración, de himnos nacionales y marchas, la enorme popularidad de “La victoria de Wellington” impulsó la fama de Beethoven y sus considerables ingresos reforzaron sus tenues finanzas. </span></strong></div><div style="text-align: justify;"><strong><br />
<span style="color: black; font-family: Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: large;"></span></strong></div><div style="text-align: justify;"><strong><span style="color: black; font-family: Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: large;">Cuando Beethoven presentó en un gira esta obra, en una versión para orquesta en vivo, su orquestación especificaba los compases precisos para cada uno de los 188 disparos de cañones y las 25 salvas de mosquetes, dispuestos de forma espacial para sugerir los ejércitos opositores. </span></strong></div><div style="text-align: justify;"><strong><br />
<span style="color: black; font-family: Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: large;"></span></strong></div><div style="text-align: justify;"><strong><span style="color: black; font-family: Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: large;">Su grabación más famosa, la de Antal Dorati y la Sinfónica de Londres, para el sello “Mercury Living Presence”, tuvo una espectacular alta fidelidad, haciendo gala de una auténtica artillería tomada del Museo West Point, mientras que un corte del LP presentó además pruebas de audio y grabaciones de campo reales de los disparos y las explosiones. “La victoria de Wellington” claramente le allanó el camino a la “Obertura 1812” de Tchaikovsky, otro estilizado choque de antífonas en celebración de la derrota de Napoleón cuyos ligeros méritos musicales están efectivamente eclipsados por la distracción visual y sonora del despliegue de fuegos de artificios, cañones y artillería, presente en casi todas las modernas presentaciones y grabaciones.</span></strong></div><div style="text-align: justify;"><strong><br />
<span style="color: black; font-family: Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: large;"></span></strong></div><div style="text-align: justify;"><strong><span style="color: black; font-family: Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: large;"><object height="480" width="600"><param name="movie" value="http://www.youtube.com/v/qW4C2h3lPac?fs=1&hl=es_ES&rel=0&color1=0x3a3a3a&color2=0x999999&border=1"></param><param name="allowFullScreen" value="true"></param><param name="allowscriptaccess" value="always"></param><embed src="http://www.youtube.com/v/qW4C2h3lPac?fs=1&hl=es_ES&rel=0&color1=0x3a3a3a&color2=0x999999&border=1" type="application/x-shockwave-flash" allowscriptaccess="always" allowfullscreen="true" width="600" height="480"></embed></object></span></strong></div><div style="text-align: justify;"><strong><br />
<span style="color: black; font-family: Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: large;"></span></strong></div><div style="text-align: justify;"><span style="color: black;"><br />
<span style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"></span></span><br />
<span style="color: black; font-family: Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: large;"></span></div><div style="text-align: justify;"><strong><span style="color: black; font-family: Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: large;">Más común es el tratamiento musical de la guerra a nivel simbólico. Uno de los más antiguos se encuentra en la obra “Madrigali guerrieri ed amorosi” (“Madrigales de guerra y amor”), de Monteverdi (1638). </span></strong><br />
<span style="color: black;"><br />
<span style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"></span></span><br />
<strong><span style="color: black; font-family: Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: large;">Pero sin embargo, las piezas de Monteverdi sobre la “guerra” no representan o no se refieren a la guerra en sí misma, sino que funciona más bien como una metáfora de los sentimientos del poeta, de la angustia y la traición en el amor. De acuerdo con la inusual pasión de los textos, la música introdujo el entonces innovador estilo “agitado”, que trascendió el antiguo método puramente contrapuntístico con recursos dramáticos de escalas rápidas, ritmos punteados, repeticiones enfáticas y repentinos cambios de dinámica. Su contraste con el tono fluido y sumiso de los típicos madrigales evoca la conmoción de los pensamientos marciales.</span></strong></div><div style="text-align: justify;"><strong><br />
<span style="color: black; font-family: Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: large;"></span></strong></div><div style="text-align: justify;"><strong><span style="color: black; font-family: Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: large;"> </span></strong><br />
<strong><span style="font-family: Arial; font-size: large;"><em>Para ver la segunda parte de este artículo: </em><a href="http://luxaeterna-musik.blogspot.com/2010/10/la-musica-en-tiempos-de-guerra-2.html"><em>La Música en Tiempos de Guerra (2)</em></a></span></strong></div><div style="text-align: justify;"><strong><br />
<span style="color: #20124d; font-family: Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: large;"></span></strong></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"><br />
<span style="color: #20124d;"></span></span></div><div style="text-align: justify;"><strong><span style="color: black; font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"><em>Traducido de: </em></span></strong></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"><br />
<span style="color: black;"></span></span></div><div style="text-align: justify;"><strong><span style="color: black; font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"><em>Peter Gutmann: Music In Time of War: ... or how I had to stop listening in order to love the Bomb. </em></span></strong></div><div style="text-align: justify;"><strong><span style="color: black; font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"><em>Para ver el art. original: </em></span></strong><a href="http://www.classicalnotes.net/columns/war.html"><strong><span style="color: blue; font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"><em>Classical Notes</em></span></strong></a><strong><span style="color: blue; font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"><em> </em></span></strong></div><div style="text-align: justify;"><strong><em><span style="color: black; font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;">(naturalmente, los videos no están en el artículo original, sino que son un agregado mío).</span></em></strong></div><div style="text-align: justify;"><strong><span style="color: #20124d; font-family: Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: large;"> </span></strong></div><div style="text-align: justify;"><strong><br />
<span style="color: #20124d; font-family: Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: large;"></span></strong></div><div style="text-align: justify;"><strong><br />
<span style="color: #20124d; font-family: "Trebuchet MS", sans-serif; font-size: large;"></span></strong></div>Sara Bhttp://www.blogger.com/profile/17394015310016437875noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-8414950884106476103.post-17933508255523745042010-08-10T15:52:00.000-07:002010-10-12T17:03:48.561-07:00Shin-ichiro Nakano (clavecín)<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgNgjpJIj-vlhyLPKYEejvyUSdke8EpAWNEeXNzQJ_MnRyEFoyH0BZV2LsRaStVe2VB33CRyZMKaCtjXs1t4q4LG681PPEHLBsq-z_az7p2DqahxO-VJBHFP4VY5V4nZalKJ9pYEV8pgJU/s1600/images.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; cssfloat: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><strong><span style="color: #20124d; font-family: Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: large;"><em><img border="0" height="200" mx="true" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgNgjpJIj-vlhyLPKYEejvyUSdke8EpAWNEeXNzQJ_MnRyEFoyH0BZV2LsRaStVe2VB33CRyZMKaCtjXs1t4q4LG681PPEHLBsq-z_az7p2DqahxO-VJBHFP4VY5V4nZalKJ9pYEV8pgJU/s200/images.jpg" width="154" /></em></span></strong></a></div><div style="text-align: justify;"><strong><span style="color: #20124d; font-family: Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: large;">El clavecinista japonés Sin-ichiro [Shin´ichiro, Shinichiro] Nakano, se graduó en el departamento de interpretación musical de la Universidad de Toho Gakuen, en Tokio (con especialización en instrumentos barrocos). Su gran desafío fue cambiar el método de afinación de acuerdo con los diferentes periodos, estilos y áreas de cada una de las piezas musicales que tocó en el Four-Night-Serial Recital en 1990. Esto lo llevó a ganar en 1991 es Osaka Culture Golden Award y varios otros premios igualmente brillantes.</span></strong></div><div style="text-align: justify;"><strong><br />
<span style="color: #20124d; font-family: Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: large;"></span></strong></div><div style="text-align: justify;"><strong><br />
<span style="color: #20124d; font-family: Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: large;"></span></strong></div><div style="text-align: justify;"><strong><span style="color: #20124d; font-family: Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: large;">En julio de 1991, Shin-ichiro Nakano tocó en el ciclo Couperin del Festival de Música Barroca de Versalles, Francia, donde fue elegido como uno de los nueve mejores cimbalistas del mundo, junto con los más altos cimbalistas europeos, como Kenneth Gilbert y Bob van Asperen. </span></strong></div><div style="text-align: justify;"><strong><br />
<span style="color: #20124d; font-family: Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: large;"></span></strong></div><div style="text-align: justify;"><strong><span style="color: #20124d; font-family: Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: large;">En 1991 se presentó en Londres, primero como solista y después formando parte de un dúo con Simon Standage (violín). En junio de 1992 lo invitaron a tocar en el Festival de Música Barroca de Berkeley, en California, Estados Unidos, como el solista más joven. En 1993 hizo su debut en el “Wigmore Hall”, Londres, y allí fue evaluado con precisión: él tiene una personalidad poco común para ser un músico japonés. En 1994, en Tokio, dio un recital de tres noches (“Three Night-Serial Recital for the Harpsichord Story”), donde demostró una exquisita expresión musical y gran habilidad en el manejo de ese programa.</span></strong></div><div style="text-align: justify;"><strong><br />
<span style="color: #20124d; font-family: Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: large;"></span></strong></div><div style="text-align: justify;"><strong><span style="color: #20124d; font-family: Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: large;">A partir de allí, Shin-ichiro Nakano ha estado presentándose de forma muy activa en los principales salones en Japón, dando conciertos como solista, tocando en conjuntos, y también en colaboración con otros muchos artistas distinguidos. </span></strong></div><div style="text-align: justify;"><strong><br />
<span style="color: #20124d; font-family: Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: large;"></span></strong></div><div style="text-align: justify;"><strong><span style="color: #20124d; font-family: Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: large;">Su repertorio abarca casi toda la música de clavicémbalo del Barroco, y cuando da sus recitales como solista lo hace en un estilo muy noble y elegante, con la presencia de un clavecinista “superestrella”. </span></strong></div><div style="text-align: justify;"><strong><br />
<span style="color: #20124d; font-family: Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: large;"></span></strong></div><div style="text-align: justify;"><strong><span style="color: #20124d; font-family: Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: large;">Actualmente es el clavecinista solista del Instituto Telemann de Japón, y dirige el Collegium Musicum Telemann.</span></strong></div><div style="text-align: justify;"><strong><br />
<span style="color: #20124d; font-family: Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: large;"></span></strong></div><div style="text-align: justify;"><strong><span style="color: #20124d; font-family: Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: large;">Premios</span></strong></div><div style="text-align: justify;"><strong><br />
<span style="color: #20124d; font-family: Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: large;"></span></strong></div><div style="text-align: justify;"><strong><span style="color: #20124d; font-family: Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: large;">Shin-ichiro Nakano ha recibido numerosísimos galardones, incluyendo:</span></strong></div><div style="text-align: justify;"><strong><br />
<span style="color: #20124d; font-family: Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: large;"></span></strong></div><div style="text-align: justify;"><strong><span style="color: #20124d; font-family: Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: large;">- Osaka Culture Festival Gold Award (1991)</span></strong></div><div style="text-align: justify;"><strong><br />
<span style="color: #20124d; font-family: Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: large;"></span></strong></div><div style="text-align: justify;"><strong><span style="color: #20124d; font-family: Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: large;">- Muramatsu Award (1992)</span></strong></div><div style="text-align: justify;"><strong><br />
<span style="color: #20124d; font-family: Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: large;"></span></strong></div><div style="text-align: justify;"><strong><span style="color: #20124d; font-family: Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: large;">- Kansai Artists Award - Silver Award (1992)</span></strong></div><div style="text-align: justify;"><strong><br />
<span style="color: #20124d; font-family: Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: large;"></span></strong></div><div style="text-align: justify;"><strong><span style="color: #20124d; font-family: Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: large;">- National Arts Festival New Artist Award (1996)</span></strong></div><div style="text-align: justify;"><strong><br />
<span style="color: #20124d; font-family: Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: large;"></span></strong></div><div style="text-align: justify;"><strong><span style="color: #20124d; font-family: Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: large;">- National Arts Festival Grand Prize (2004)</span></strong></div><div style="text-align: justify;"><strong><br />
<span style="color: #20124d; font-family: Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: large;"></span></strong></div><div style="text-align: justify;"><strong><span style="color: #20124d; font-family: Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: large;">En los periódicos más importantes del Japón ha obtenido muy buenas críticas (de reputados críticos, por supuesto), como por ejemplo: </span></strong></div><div style="text-align: justify;"><strong><br />
<span style="color: #20124d; font-family: Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: large;"></span></strong></div><div style="text-align: justify;"><strong><span style="color: #20124d; font-family: Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: large;">“Su interpretación es muy flexible y libre, con una improvisación exquisita”.</span></strong></div><div style="text-align: justify;"><strong><br />
<span style="color: #20124d; font-family: Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: large;"></span></strong></div><div style="text-align: justify;"><strong><span style="color: #20124d; font-family: Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: large;">“Cuando toca, el tiempo de los ´momentos musicales´ pasa de forma bastante natural. El mismo joven músico no parece importarle demasiado, pero sin dudas es un clavecinista acabado, de quien Japón está verdaderamente orgulloso”.</span></strong></div><div style="text-align: justify;"><strong><br />
<span style="color: #20124d; font-family: Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: large;"></span></strong></div><div style="text-align: justify;"><strong><span style="color: #20124d; font-family: Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: large;"><object height="405" width="500"><param name="movie" value="http://www.youtube.com/v/lToWw8sTamI&hl=es_ES&fs=1?rel=0&color1=0x234900&color2=0x4e9e00&border=1"></param><param name="allowFullScreen" value="true"></param><param name="allowscriptaccess" value="always"></param><embed src="http://www.youtube.com/v/lToWw8sTamI&hl=es_ES&fs=1?rel=0&color1=0x234900&color2=0x4e9e00&border=1" type="application/x-shockwave-flash" allowscriptaccess="always" allowfullscreen="true" width="500" height="405"></embed></object></span></strong></div><div style="text-align: justify;"><strong><br />
<span style="color: #20124d; font-family: Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: large;"></span></strong></div><div style="text-align: justify;"><strong><span style="color: #20124d; font-family: Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: large;"><object height="405" width="500"><param name="movie" value="http://www.youtube.com/v/pckR88_RS8g&hl=es_ES&fs=1?rel=0&color1=0x234900&color2=0x4e9e00&border=1"></param><param name="allowFullScreen" value="true"></param><param name="allowscriptaccess" value="always"></param><embed src="http://www.youtube.com/v/pckR88_RS8g&hl=es_ES&fs=1?rel=0&color1=0x234900&color2=0x4e9e00&border=1" type="application/x-shockwave-flash" allowscriptaccess="always" allowfullscreen="true" width="500" height="405"></embed></object></span></strong></div><div style="text-align: justify;"><span style="color: #20124d;"><br />
</span><br />
<span style="color: #20124d; font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"></span></div><div style="text-align: justify;"><strong><span style="color: #20124d; font-family: Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: large;">Visite el sitio web: </span><a href="http://homepage3.nifty.com/cembalo/e/e_home.htm"><span style="color: #20124d; font-family: Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: large;">Notebook for Shin´ichiro Nakano</span></a></strong></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"><br />
<span style="color: #20124d;"></span></span></div>Sara Bhttp://www.blogger.com/profile/17394015310016437875noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-8414950884106476103.post-73714634036059160862010-07-14T14:49:00.000-07:002010-10-12T17:03:06.027-07:00De por qué hay que mantener a las mujeres lo más lejos posible del coro de la Iglesia (año 1900)<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEimfLIx523pOYDO83FkdUXShWfDsH7WarRDiTFy5mVvxQMLINYtt5haw-lVSl0ZXUclVEg20EyQqee-ZxsBUY8JDk1-wOPGT14pUY0ZSZ9CvQ0A50TdCB6LThyphenhyphenEfjd9XXBzUUlA0EV_zt43/s1600/3062501081_ed26d89060_o.jpg"><span style="color: #274e13; font-size: large;"></span></a><br />
<div><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjiAKkfrmAKMWFK6YSGe-qQSn9p5TcdUPVYQcpUGIp8Lzok_sIPyYDQhXbdBQnGZYg6SDC_LicgHiiBef9bVMCDnukt1iwQe7hzOySwxUocg2iu7yvMObB6eXO0PbvnksV3O4DjDyd3OkfT/s1600/28-diciembre-08blog.jpg"><span style="color: #274e13; font-size: large;"><img alt="" border="0" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5493893959938373346" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjiAKkfrmAKMWFK6YSGe-qQSn9p5TcdUPVYQcpUGIp8Lzok_sIPyYDQhXbdBQnGZYg6SDC_LicgHiiBef9bVMCDnukt1iwQe7hzOySwxUocg2iu7yvMObB6eXO0PbvnksV3O4DjDyd3OkfT/s400/28-diciembre-08blog.jpg" style="cursor: hand; float: left; height: 285px; margin: 0px 10px 10px 0px; width: 400px;" /></span></a><br />
<div align="justify"><span style="font-family: trebuchet ms;"><strong><em><br />
<span style="color: #274e13; font-size: large;">Dado que el mandamiento del Apóstol Pablo, respecto a que las mujeres mantuvieran el silencio en la Iglesia, nunca fue aplicable en serio (ni en serio ni de mentiras), en lo que respecta al canto congregacional, y como por supuesto en las comunidades religiosas de mujeres son ellas las que tienen que interpretar el canto litúrgico, entonces queda clarito que la participación de las damas en los coros eclesiásticos no está prohibida.<br />
<br />
Pero no, es mejor mantenerlas lo más lejos posible de la Iglesia. Ya vamos a ver por qué (¡hijas del demonio! ¡hoguera ya!)<br />
<br />
Primero, unas palabritas tomadas del “Motu proprio” emitido por el Papa Pío X (creo que año 1903, no estoy segura, pero por ahí es):<br />
<br />
“Con la excepción de las melodías propias del celebrante en el altar y de sus ministros, que siempre deben ser cantadas en Canto Gregoriano y sin el acompañamiento del órgano, todo el resto del canto litúrgico pertenece al coro de los levitas; por lo tanto, los cantores en la iglesia, aún cuando sean laicos, realmente están tomando el lugar del coro eclesiástico”. “Del mismo principio se desprende que los cantores en la iglesia tienen un verdadero oficio litúrgico y que, por lo tanto, las mujeres, siendo incapaces de ejercer tal oficio, no pueden ser admitidas como parte del coro o de la capilla musical. Entonces, siempre que se desee emplear las voces agudas de los sopranos y contraltos, estas partes pueden ser tomadas por niños, de acuerdo con la más antigua usanza de la Iglesia”.<br />
<br />
Momentito que todavía no termino.<br />
<br />
Recalco este punto: no es que los coros de damas y caballeros estén prohibidos, no. Pero es mejor emplear niños, en lugar de damas, porque así se evita toda “ocasión de pecado” (ok, me estoy acordando del despelote de los curas pederastas, pero no es lo mismo, porque las mujeres, cochinas, co-chinas, son-somos propiciadoras del pecado y la perversión, y encima, indecorosas).<br />
<br />
Finalmente, lo peor de todo es utilizar mujeres como solistas (siempre hablando del coro de una Iglesia), porque los solos en la Iglesia sólo son admisibles bajo circunstancias extremas (sigue hablando el “Motu proprio”). Y ni se les ocurra emplear a algún no-católico, ni en el coro ni como organista, porque estos desgraciados por naturaleza no entienden ni sienten ni una palabra de lo que cantan.<br />
<br />
P.D.: Como estoy traduciendo un par de artículos, no voy a decir para dónde porque me voy derechito al infierno, no digo ni una palabra sobre de dónde saqué el texto del Motu Proprio. En Google busquen "Motu Proprio, Piux X" y sanseacabó. Ahora, tenía que ponerle un poco de onda a esto, se me está secando el cerebro primero con las traducciones, y después con el canto gregoriano. ¡¡¡¡¡Madre mía que me he vuelto solterona y aburrida!!!! Y ahora, dos preciosos ejemplos musicales, en serio, bellísimos, ambos de la Mississippi Mass Choir.<br />
<br />
<br />
<br />
<object height="525" width="660"><param name="movie" value="http://www.youtube.com/v/iCR1K-nOPls&hl=en_US&fs=1?rel=0&color1=0x402061&color2=0x9461ca&border=1"><param name="allowFullScreen" value="true"><param name="allowscriptaccess" value="always"><embed src="http://www.youtube.com/v/iCR1K-nOPls&hl=en_US&fs=1?rel=0&color1=0x402061&color2=0x9461ca&border=1" type="application/x-shockwave-flash" allowscriptaccess="always" allowfullscreen="true" width="660" height="525"></embed></object><br />
<br />
<br />
<br />
<object height="525" width="660"><param name="movie" value="http://www.youtube.com/v/7AztFvoxv9I&hl=en_US&fs=1?rel=0&color1=0x402061&color2=0x9461ca&border=1"><param name="allowFullScreen" value="true"><param name="allowscriptaccess" value="always"><embed src="http://www.youtube.com/v/7AztFvoxv9I&hl=en_US&fs=1?rel=0&color1=0x402061&color2=0x9461ca&border=1" type="application/x-shockwave-flash" allowscriptaccess="always" allowfullscreen="true" width="660" height="525"></embed></object></span></em></strong></span></div></div>Sara Bhttp://www.blogger.com/profile/17394015310016437875noreply@blogger.com3tag:blogger.com,1999:blog-8414950884106476103.post-56189863864130175122010-07-09T14:51:00.000-07:002010-10-06T15:48:06.874-07:00Asperges<div align="justify"><strong><span style="color: #660000; font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;">Del latín "aspergere", salpicar, bañar.<br />
<br />
El Asperges es el rito de salpicar a la congregación con agua bendita antes de la Misa principal del Domingo, llamado así por las palabras entonadas al comienzo de la ceremonia, tomadas del Salmo 1, durante todo el año excepto en la temporada pascual, cuando se entona el “Vidi aquam”, del Salmo 117. Precede a toda otra ceremonia que tenga lugar antes de la Misa, como por ejemplo la bendición de ramos o de velas.<br />
<br />
Es efectuado por el sacerdote celebrante, que usa vestimentas del color litúrgico del día. Se omite cuando el Santísimo Sacramento está expuesto, aunque varios rubricadores sostienen que solamente habría que omitir el salpicado del altar, no de la congregación.<br />
<br />
Después de entonar la antífona, el sacerdote recita el Salmo “Miserere” o “Confitemini”, según la temporada, salpicando con agua bendita primero el frente y la plataforma del altar, luego a sí mismo, después a los ministros y al coro, y finalmente a la congregación, caminando (usualmente) por toda la parte principal de la Iglesia (no es necesario que vaya más allá de la puerta del santuario o del coro).<br />
<br />
Esta ceremonia está en uso por lo menos desde el siglo X, y surgió a partir de la costumbre de la antigüedad cristiana de bendecir el agua para los fieles los domingos. El objetivo es preparar a la congregación para la celebración de la Misa, moviéndole a los sentimientos de penitencia y reverencia sugeridos por las palabras del quincuagésimo Salmo, o marcarles el sentido de que están por asistir al sacrificio de nuestra redención, como se entiende en el Salmo usado en la Pascua.<br />
<br />
El Salmo 50 completo (Miserere) es el siguiente:<br />
<br />
1 in finem psalmus David<br />
2 cum venit ad eum Nathan propheta quando intravit ad Bethsabee<br />
3 miserere mei Deus secundum magnam; misericordiam tuam et; secundum multitudinem miserationum tuarum dele iniquitatem meam<br />
4 amplius lava me ab iniquitate mea et a peccato meo munda me<br />
5 quoniam iniquitatem meam ego cognosco et peccatum meum contra me est semper<br />
6 tibi soli peccavi et malum coram te feci ut iustificeris in sermonibus tuis et vincas cum iudicaris 7 ecce enim in iniquitatibus conceptus sum et in peccatis concepit me mater mea<br />
8 ecce enim veritatem dilexisti incerta et occulta sapientiae tuae manifestasti mihi<br />
9 asparges me hysopo et mundabor lavabis me et super nivem dealbabor<br />
10 auditui meo dabis gaudium et laetitiam exultabunt ossa humiliata<br />
11 averte faciem tuam a peccatis meis et omnes iniquitates meas dele<br />
12 cor mundum crea in me Deus et spiritum rectum innova in visceribus meis<br />
13 ne proicias me a facie tua et spiritum sanctum tuum ne auferas a me<br />
14 redde mihi laetitiam salutaris tui et spiritu principali confirma me<br />
15 docebo iniquos vias tuas et impii ad te convertentur<br />
16 libera me de sanguinibus Deus Deus salutis meae exultabit lingua mea iustitiam tuam<br />
17 Domine labia mea aperies et os meum adnuntiabit laudem tuam<br />
18 quoniam si voluisses sacrificium dedissem utique holocaustis non delectaberis<br />
19 sacrificium Deo spiritus contribulatus cor contritum et humiliatum Deus non spernet<br />
20 benigne fac Domine in bona voluntate tua Sion et aedificentur muri Hierusalem<br />
21 tunc acceptabis sacrificium iustitiae oblationes et holocausta tunc inponent super altare tuum vitulos<br />
<br />
<object height="525" width="660"><param name="movie" value="http://www.youtube.com/v/EUjlC5OpLv0&hl=en_US&fs=1?rel=0&color1=0x5d1719&color2=0xcd311b&border=1"><param name="allowFullScreen" value="true"><param name="allowscriptaccess" value="always"><embed src="http://www.youtube.com/v/EUjlC5OpLv0&hl=en_US&fs=1?rel=0&color1=0x5d1719&color2=0xcd311b&border=1" type="application/x-shockwave-flash" allowscriptaccess="always" allowfullscreen="true" width="660" height="525"></embed></object><br />
<br />
Giovanni Vianini,Schola Gregoriana Mediolanensis,Basilica di San Marco Milano, Italia (ya es un amigo de la casa)<br />
<br />
<object height="525" width="660"><param name="movie" value="http://www.youtube.com/v/ZwuCSvXtPvw&hl=en_US&fs=1?rel=0&color1=0x5d1719&color2=0xcd311b&border=1"><param name="allowFullScreen" value="true"><param name="allowscriptaccess" value="always"><embed src="http://www.youtube.com/v/ZwuCSvXtPvw&hl=en_US&fs=1?rel=0&color1=0x5d1719&color2=0xcd311b&border=1" type="application/x-shockwave-flash" allowscriptaccess="always" allowfullscreen="true" width="660" height="525"></embed></object></span><em><span style="color: #660000; font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;">Fuentes:<br />
<br />
New Advent. Catholic Encyclopedia.</span></em></strong><a href="http://www.newadvent.org/cathen/01793a.htm"><strong><span style="color: #660000; font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"><em>http://www.newadvent.org/cathen/01793a.htm</em></span></strong></a><strong><em><br />
<br />
<span style="color: #660000; font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;">Latin Vulgate Bible. DRBO.org (Douay-Rheims Bible)</span></em></strong><a href="http://www.drbo.org/index.htm"><strong><span style="color: #660000; font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"><em>http://www.drbo.org/index.htm</em></span></strong></a><strong><br />
</strong></div>Sara Bhttp://www.blogger.com/profile/17394015310016437875noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-8414950884106476103.post-41998183981218070662010-06-14T16:54:00.000-07:002010-09-14T16:23:37.103-07:00Veni Sancte Spiritus Et Emitte Coelitus<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi5XnESdYdfZBu7HcNNCHabr89_Rj2vf5YcRGvziKgSOt4nVqize354JPevTMYd27zxRWlQ-rsvZbDlv-9RqhoRQ-u9g8X7-FyzzkOfLAcMAZmOCUWV2IofZAADmjNOGjkYzpeeQfEreuIO/s1600/Fr%2520breathing%2520HSp.jpg"><span style="color: #20124d;"><img alt="" border="0" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5482796614684419394" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi5XnESdYdfZBu7HcNNCHabr89_Rj2vf5YcRGvziKgSOt4nVqize354JPevTMYd27zxRWlQ-rsvZbDlv-9RqhoRQ-u9g8X7-FyzzkOfLAcMAZmOCUWV2IofZAADmjNOGjkYzpeeQfEreuIO/s400/Fr%2520breathing%2520HSp.jpg" style="cursor: hand; display: block; height: 160px; margin: 0px auto 10px; text-align: center; width: 400px;" /></span></a><br />
<div align="justify"><span style="color: #20124d; font-family: trebuchet ms;"><strong><em>Se trata de la famosa “Golden Sequence” , la secuencia del Pentecostés. Se canta en la Misa de Pentecostés y hasta el sábado siguiente inclusive. Está compuesta por diez estrofas de un estilo así:<br />
<br />
Veni, Sancte Spiritus<br />
Et emitte coelitus<br />
Lucis tuae radium<br />
<br />
Algunos himnólogos enlazan dos estrofas de este tipo en una sola, sin dudas para completar el esquema rítmico de la tercera línea, como en el caso del “Lauda Sion” y el “Stabat Mater”.<br />
<br />
Un rasgo muy particular del “Veni Sancte Spiritus” es la persistencia de la misma clausura en “ium” para todas las estrofas, a lo largo de todo el himno, algo emulado en la traducción del Dr. Neale (que está en el “Baltimore Manual of Prayers”). Esta versión del himnologista anglicano es apenas menos popular que la del Hermano Caswall, que se encuentra tanto en himnarios protestantes como en católicos y en la “Raccolta” (Philadelphia, 1881).<br />
<br />
Dean Trench y otros siguen a Durandus atribuyéndole la autoría de la secuencia a Roberto II, quien reinó en Francia entre los años 997 y 1031.<br />
Con el Cardenal Bona, Duffield se la atribuye a Hermann Contractus (Herimanus Augiensis, Hermann von Reichenau).<br />
<br />
En realidad, se ha encontrado esta secuencia en manuscritos del siglo XI, y del XII, pero escrita por una mano posterior, y la conclusión que se deduce es que data de un poco después de mediados del siglo XII. Esto hace más probable la adjudicación a Stephen Langton (q.v.), hecha por un escritor que, según el Cardenal Pitra, era un cisterciense inglés que habría vivido aproximadamente en año 1210.<br />
<br />
La más probable es la adscripción a Inocencio III, hecha por Ekkehard V en su “Vita S. Notkeri” (alrededor del 1220).<br />
<br />
Ekkehard, un monje de Saint Gall, dice que su abad, Ulrich, fue enviado a Roma por Frederick II. Se reunió con el Papa, y hablaron sobre diversos temas; allí presenció la Misa del Espíritu Santo, celebrada ante el Santo Padre. La secuencia de la Misa fue “Sancti Spiritus absit nobis gratia”. Sobre este punto, Ekkehard señala (cosa que descubrió y aprendió posiblemente del mismo abad Ulrich a su regreso a Saint Gall) que el Papa mismo “había compuesto una secuencia para el Espíritu Santo, a saber, Veni Sancte Spiritus”.</em></strong></span></div><span style="color: #20124d;"><br />
</span><br />
<span style="color: #20124d;"></span><span style="font-family: trebuchet ms;"><strong><em><span style="font-size: 130%;"></span><span style="font-size: 100%;"><span style="color: #20124d;">Fuente:<br />
Veni Sancte Spiritus Et Emitte Coelitus / New Advent. The Catholic Encyclopedia.</span><a href="http://www.newadvent.org/cathen/15342a.htm"><span style="color: #20124d;">http://www.newadvent.org/cathen/15342a.htm</span></a></span></em></strong><span style="color: #20124d;"> </span></span><br />
<div align="justify"><span style="color: #20124d;"><br />
</span><br />
<span style="color: #20124d;"><span style="font-size: 100%;">La secuencia más antigua cedió gradualmente ante su rival, que había sido asignada casi universalmente a uno o más días dentro de la octava. El Misal revisado de 1570 finalmente la asignó al domingo de Pentecostés y la Octava. La revisión (1634) bajo Urbano VIII la dejó sin cambios.<br />
<br />
Con un excelente estilo gracias a los escritores medievales, la “Golden Sequence” se ha ganado la estima universal. Las razones son expuestas por Clichtoveus, quien, en su “Elucidatorium”, la considera “por encima de toda alabanza, por su maravillosa dulzura, la claridad de su estilo, una agradable brevedad combinada con la riqueza de pensamiento (cada línea es una oración), y, finalmente, la gracia y la elegancia constructiva desplegadas en la hábil y precisa yuxtaposición de pensamientos contrastantes”.</span><br />
<br />
<object height="525" width="660"><param name="movie" value="http://www.youtube.com/v/HxgSIkajskE&hl=es_ES&fs=1&rel=0&color1=0xe1600f&color2=0xfebd01&border=1"><param name="allowFullScreen" value="true"><param name="allowscriptaccess" value="always"> <embed src="http://www.youtube.com/v/HxgSIkajskE&hl=es_ES&fs=1&rel=0&color1=0xe1600f&color2=0xfebd01&border=1" type="application/x-shockwave-flash" allowscriptaccess="always" allowfullscreen="true" width="660" height="525"></embed></object><br />
<br />
<br />
<object height="525" width="660"><param name="movie" value="http://www.youtube.com/v/2nFvX1iZQ-A&hl=es_ES&fs=1&rel=0&color1=0xe1600f&color2=0xfebd01&border=1"><param name="allowFullScreen" value="true"><param name="allowscriptaccess" value="always"> <embed src="http://www.youtube.com/v/2nFvX1iZQ-A&hl=es_ES&fs=1&rel=0&color1=0xe1600f&color2=0xfebd01&border=1" type="application/x-shockwave-flash" allowscriptaccess="always" allowfullscreen="true" width="660" height="525"></embed></object><br />
</span></div><div align="justify"><span style="color: #20124d;"></span></div><div align="justify"><span style="color: #20124d;">La preciosa imagen de cabecera es del siguiente blog: Vultus Christi</span></div><div align="justify"><a href="http://vultus.stblogs.org/2008/05/my-favourite-prayers-to-the-ho.html"><span style="color: #20124d;">http://vultus.stblogs.org/2008/05/my-favourite-prayers-to-the-ho.html</span></a></div>Sara Bhttp://www.blogger.com/profile/17394015310016437875noreply@blogger.com1tag:blogger.com,1999:blog-8414950884106476103.post-89500342260608481582010-04-19T12:07:00.000-07:002010-09-14T16:23:56.363-07:00La Antífona en la Liturgia Griega<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhvoWKJMiwUT0egCmw0gTgu8OAQ48Pj-VtnnaUjfYIMURANIXQZpN-Ncxpkyaaf_GRR836oOSrZUZ3AXN74efREv4sr2HjbIFCIu_Bpzrav1xrlXuQ5CwzxiqkEvo4hVUAV9-Fi94U0Fpxk/s1600/0.jpg"><span style="color: #990000;"><img alt="" border="0" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5461930738705555346" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhvoWKJMiwUT0egCmw0gTgu8OAQ48Pj-VtnnaUjfYIMURANIXQZpN-Ncxpkyaaf_GRR836oOSrZUZ3AXN74efREv4sr2HjbIFCIu_Bpzrav1xrlXuQ5CwzxiqkEvo4hVUAV9-Fi94U0Fpxk/s400/0.jpg" style="cursor: hand; display: block; height: 300px; margin: 0px auto 10px; text-align: center; width: 400px;" /></span></a><br />
<div><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhhnqYkfG8tXliF1zxHn2RKaR64qe-uPYXE8XYWRTcbRWiQ-4jO8i_VfzAzaJdlDOp7sHQGT-UzMtMRsaHkBIezWYqp4KkqDkValvD5OViGGPHg6YDtR-MPwjdkN1dwiq4zxlieLfP453Ih/s1600/0.jpg"><span style="color: #990000;"></span></a><br />
<span style="color: #990000;"><br />
</span><br />
<div align="justify"><strong><em><span style="color: #990000; font-family: arial;">La liturgia griega también incluye a las antífonas, no solamente en el Oficio, sino también en la Misa, en las Vísperas y en todas las Horas Canónicas. Incluso tienen su lugar ya definido en casi todas las funciones litúrgicas.<br />
<br />
La esencia de la salmodia antifonal reside en la alternancia establecida entre los solistas y el coro en la interpretación de un salmo.<br />
<br />
Aproximadamente en el siglo IV, el canto alternado, que hasta ese momento se había utilizado solamente en reuniones laicas, entró en el ámbito de culto. Esto no quiere decir que el canto antifonal de los salmos haya sido una novedad en el siglo IV, porque ya se acostumbraba en las Sinagogas, y la Iglesia no hubiera esperado tanto tiempo para asimilar una práctica tan propiciatoria del orden adecuado de la oración pública.<br />
<br />
La verdadera novedad consistía en la introducción de una melodía más ornamentada en la salmodia antifonal.<br />
<br />
El solista cantaba el texto de un salmo y, a intervalos establecidos, la gente lo interrumpía con un estribillo.<br />
<br />
Las Constituciones Apostólicas nos hablan de una costumbre en uso en la época de Eusebio de Cesarea. No era ya un estribillo intercalado, ajeno al texto del salmo, o ligado a cada verso, sino más bien un final muy corto, a veces una simple sílaba, que la gente cantaba, ahogando las voces de los solistas y terminando la palabra o frase que éstos habían dejado inconclusa.<br />
<br />
Este último sistema parece haberse generalizado en Siria, y ya había sido utilizado por los judíos en épocas anteriores.<br />
<br />
El estribillo, una especie de exclamación ajena al contexto, repitiéndose a intervalos establecidos, consistía en una palabra, o dos, o tres, aunque también a veces en un verso completo o troparium.<br />
<br />
La Iglesia adoptó para sí este método. San Atanasio, hablando respecto al lugar del Aleluya en los salmos, lo llama “estribillo” o “respuesta”. El Aleluya, de hecho, es el estribillo interjectivo de ocurrencia más frecuente.<br />
<br />
Tertuliano también lo menciona, y a partir de su época esta exclamación tiene su lugar en el canto eclesiástico. En las liturgias egipcia y siria del siglo IV su rol es preponderante.<br />
Ya habíamos dicho que la fórmula utilizada como estribillo variaba en longitud, pero, en general, la tendencia se inclinaba hacia la brevedad. Un “Canon de las Antífonas”, publicado por el Cardenal Pitra, incluye algunas fórmulas breves y concisas, entre las que se repite con frecuencia el Aleluya. Otras, por regla general, se toman del primer verso de sus respectivos salmos, mientras que otras, similares, se interponen entre los versos de los cánticos de las Sagradas Escrituras.<br />
<br />
Estos finales pueden compararse con los de las letanías romanas: “Miserere nobis”, “Exaudi nos, Domine”, “Te rogamus, audi nos”.<br />
<br />
A pesar de que los estribillos más largos tomaban el lugar de la exclamación, no superaban, como mucho, una frase de unas quince palabras: San Atanasio nos dice que esta costumbre se debía al deseo de permitirle a la gente participar en la liturgia, ahorrándole la necesidad de aprender salmos enteros de oído, que, de hecho, la gran mayoría hubiera sido incapaz de hacer.<br />
<br />
Se puede citar una gran cantidad de textos solamente en el mundo griego, y todos muestran que el lector o cantante (cantor) recitaba el salmo entero, pero que la respuesta de la multitud irrumpía en la recitación a intervalos regulares.<br />
<br />
San Juan Crisóstomo, San Gregorio de Nisa y Calímaco, todos dan fe de esta costumbre.<br />
San Basilio, en su carta a los fieles de Neo-Cesarea, escribe lo siguiente: “Dejándole a uno la tarea de entonar la melodía, los otros le responden”. La misma costumbre prevalecía en Constantinopla, en 536, para el canto del Trisagio.<br />
<br />
Un caso distintivo es el himno de San Metodio en su “Banquete de las diez Vírgenes”, compuesto en antes del año 311. Cada estrofa alfabética cantada por la dama de honor, Tecla, es seguida por un estribillo uniforme, interpretado por el coro de vírgenes completo.<br />
<br />
Conclusión: Este sistema antifonal se caracteriza por la interposición de un estribillo, o de una simple exclamación. Este sistema no alteró el método habitual, simplemente se limitó a añadirle un nuevo elemento accesorio. La estructura de la antífona consiste, pues, en estrofas himnódicas, intercaladas con versículos de las Escrituras, mientras que la respuesta se toma del salmo mismo. Por otra parte, en el psalmus responsorius todos los presentes entonan el estribillo, mientras que en el caso de la antífona, las estrofas himnódicas son interpretadas alternativamente por el coro. La costumbre de llamarla salmodia antifonal alternada posiblemente se debe a ello.<br />
<br />
Los escritores de himnos encontraban en estas estrofas un material inagotable para la elaboración, de manera que, poco a poco, los versos de los salmos dieron lugar a las estrofas adicionales. Existen ejemplos de salmos o grupos de salmos reducidos de esta forma a tres o cuatro versos, y, a veces, incluso a un solo verso.<br />
<br />
Música: la primera antífona, de la Liturgia de San Juan Crisóstomo, cantada por Nikolaos Sarlakis.<br />
<br />
<br />
<br />
<object height="525" width="660"><param name="movie" value="http://www.youtube.com/v/hqQeXjTzYJI&hl=en_US&fs=1&rel=0&color1=0x5d1719&color2=0xcd311b&border=1"><param name="allowFullScreen" value="true"><param name="allowscriptaccess" value="always"> <embed src="http://www.youtube.com/v/hqQeXjTzYJI&hl=en_US&fs=1&rel=0&color1=0x5d1719&color2=0xcd311b&border=1" type="application/x-shockwave-flash" allowscriptaccess="always" allowfullscreen="true" width="660" height="525"></embed></object></span></em></strong></div><span style="color: #990000;"><br />
</span><br />
<div align="justify"><span style="color: #990000;"><br />
</span></div><span style="color: #990000;"><br />
</span><br />
<div align="justify"><strong><em><span style="color: #990000; font-family: arial;"></span></em></strong></div><div align="justify"><strong><em><span style="color: #990000; font-family: arial;">Fuente consultada: Antiphon (in greek liturgy) / The Catholic Encyclopedia </span></em></strong></div><div align="justify"><a href="http://www.newadvent.org/cathen/01576a.htm"><strong><em><span style="color: #990000; font-family: arial;">http://www.newadvent.org/cathen/01576a.htm</span></em></strong></a></div></div>Sara Bhttp://www.blogger.com/profile/17394015310016437875noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-8414950884106476103.post-63803201776407010072010-04-03T16:44:00.000-07:002010-09-14T16:24:33.735-07:00El Laúd<span style="clear: left; color: #351c75; cssfloat: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img alt="" border="0" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5456069403689446994" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgi0dBdifDYFQyDO8rYcN21NocWrqUrzl1fNe4QRN88xOyezQ8ktOMhajGSG6yLAdkjQ-ZyUvF4dXjyMMRWa7PRuMFeWkDRcOdt7itCcfePOLoMZsouUlicrmRcPcMSJQlnWDKrsO2IjiFy/s400/ticiano.jpg" style="display: block; height: 315px; margin: 0px auto 10px; text-align: center; width: 400px;" /></span><strong><span style="font-family: Trebuchet MS;"></span></strong><br />
<div align="justify"><span style="font-family: trebuchet ms;"><strong><br />
<span style="color: #351c75;"></span></strong></span></div><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjO5lCfq00ppWuo1u7E0uQ7qBjwZvU41TSlFMn-Loyss88MIZwAojv9OkF94WTSohlnSbaNgRu8UvJbpV3MrBByoKhvKl0tBCLCtAgvF4IeVayeH0Y5S_ze3JNa7jJvbw5Lhj7SYAWV1R3k/s1600/ticiano.jpg"><span style="color: #351c75;"></span></a><br />
<div align="justify"><span style="font-family: trebuchet ms;"><span style="font-size: 85%;"><em><span style="font-size: 100%;"><span style="color: #351c75;"><strong>Venus y el tañedor del Laúd (ca. 1565–1570)<br />
Tiziano (Venecia, ca.1488-1576)<br />
Óleo sobre tela (165.1 x 209.6 cm)<br />
Munsey Fund, 1936 (36.29)</strong><br />
</span></span><strong><span style="color: #351c75; font-size: 100%;">Esta obra es la última de una serie de cuatro famosas pinturas de Tiziano. Las dos primeras del grupo, que representan a Venus y a un organista (Museo del Prado, Madrid, y Gemäldegalerie, Berlín), datan aproximadamente de los años 1548 – 1555.<br />
<br />
“Venus y el tañedor del laúd” es una obra posterior (1565- 1570 aprox.). De esta composición, una versión un poco anterior está en el Fitzwilliam Museum, Cambridge. El tema de todas estas pinturas, según se considera, se relaciona con las ideas neoplatónicas acerca de la cuestión de si la belleza se aprehende mejor a través de la vista o del sonido, pero quizás también representa la forma en que la música inspira el amor. Entre 1718 y 1931 esta pintura estuvo en propiedad de los condes de Leicester, Holkham Hall, Norfolk.</span></strong></em><strong><br />
</strong></span><br />
<span style="color: #351c75;"><strong>El término “laúd” se utiliza para describir una familia de instrumentos de cuerda: está formada por una caja de resonancia, de fondo curvado,; en el centro lleva abierto un rosetón, frecuentemente con un fino calado; lleva un cuello corto y ancho, sobre el que van tensadas las cuerdas (que al principio fueron seis, pero después se agregaron muchas más), colocadas de forma paralela a la caja armónica. Dentro de esta definición entrarían, por ejemplo, las mandolinas, las guitarras, y los instrumentos de arco (como violines y violonchelos).<br />
<br />
En general se considera que el laúd nació en la Mesopotamia, alrededor de dos mil años antes de Cristo; de allí, se expandió por Europa y Asia. Representaciones visuales en el arte antiguo muestran laúdes de cuello largo, con un cuerpo ricamente ornamentado, hecho de calabazas ahuecadas o caparazones de tortugas, y recubierto por una piel. El cuello se une al cuerpo mediante costuras practicadas en zonas perforadas en la piel.<br />
<br />
Hay laúdes de cuello corto, construidos en madera, tallados de forma que el cuerpo se va afinando hacia el cuello, y con una cejilla; estos instrumentos se originaron posiblemente en una fecha más tardía, en el sur de Asia e Irán, difundiéndose después hacia China y Japón.<br />
<br />
El instrumento europeo conocido como laúd, apareció en el siglo XIII: su nombre viene del instrumento árabe “al´ud”, que se traduce como “madera”. El al´ud fue introducido en Europa a través de España, en la época de las Cruzadas.<br />
<br />
Los laúdes medievales por lo general se hacían vibrar por medio de un plectro, pero después (siglo XV) se prefirió puntearlos con los dedos directamente, con lo que se obtenía un sonido más dulce y una técnica más flexible y sencilla.<br />
Los laúdes fueron muy populares durante el Renacimiento. Un solo músico podía proporcionar la melodía, los acordes, e incluso el contrapunto. Acompañando a un cantante, el lautista podía tocar acordes o líneas vocales adicionales; por ejemplo, los madrigales italianos a menudo eran interpretados por un solista, y el resto de las líneas vocales se transcribían para el laúd. El joven músico de la pintura “Venus y tañedor del laúd”, de Tiziano, probablemente está cantando un madrigal, acompañándose solo con un laúd.<br />
<br />
Volviendo al laúd: este instrumento decayó muy rápidamente, hacia fines del siglo XVII, hasta desaparecer por completo en el siglo XVIII, reemplazado por el clavicordio, la guitarra y el violín.<br />
<br />
La música para laúd en su mayor parte está formada por tabulaturas, transcripciones de composiciones vocales. Ya habíamos dicho que su época de oro fue el Renacimiento (siglo XVI). Pero igual existen algunas composiciones originales (bajo el mismo nombre de “tabulatura”).<br />
<br />
En Italia se destaca Francesco da Milano (1497-1543) , llamado “El divino Francesco” o “Francesco del Laúd”.<br />
<br />
En España también el laúd fue muy considerado: allí se le conocía con el nombre de “vihuela de mano”.<br />
<br />
Don Luis de Milán (aproximadamente 1500 – 1560) es autor de Fantasías, Pavanas y Tientos.<br />
<br />
El laúd en la historia de la música (brevemente):<br />
<br />
1. los compositores y músicos de la época utilizaron el laúd como instrumento de estudio (igual que el caso del piano en el siglo XIX).<br />
<br />
Palestrina solía ensayar algunos pasajes de sus Misas tocando el laúd; y, posiblemente, en algún momento, se haya inspirado en este instrumento de cuerda para algún acorde nuevo, tal vez.<br />
<br />
2. En las primeras formaciones orquestales el laúd aparece de forma cada vez más activa, justificada por su ductilidad: se prestaba como apoyo del conjunto, con precisión rítmica y sonoridad (en las notas graves punteadas); y cumpliendo una función armónica, de relleno, lograba polifonías y acordes complejos, reforzando así la sonoridad general. Las notas más agudas eran claras, brillantes, ágiles, cristalinas.<br />
<br />
3. La familia del laúd incluyó, por ejemplo, al más pequeño, más agudo, ágil y brillante (el laúd soprano), hasta ejemplares inmensos, con bastantes cuerdas y sonoridades muy graves (como el guitarrón y el archilaúd).</strong> </span></span></div><span style="color: #351c75;"><br />
</span><br />
<span style="color: #351c75;"><br />
</span><br />
<strong><span style="color: #351c75;"><em>Para ilustrar este artículo, escuchemos a Vivaldi(1678-1741)<br />
<br />
Concierto en Re menor, RV 540, para viola d´amore y laúd (archilaúd).<br />
<br />
Il Giardino Armonico<br />
Enrico Onofri, Viola d'amore<br />
Luca Pianca, Archilaúd</em><br />
<br />
<br />
<object height="525" width="660"><param name="movie" value="http://www.youtube.com/v/zmTu1uZJtqw&hl=es_ES&fs=1&rel=0&color1=0x5d1719&color2=0xcd311b&border=1"><param name="allowFullScreen" value="true"><param name="allowscriptaccess" value="always"> <embed src="http://www.youtube.com/v/zmTu1uZJtqw&hl=es_ES&fs=1&rel=0&color1=0x5d1719&color2=0xcd311b&border=1" type="application/x-shockwave-flash" allowscriptaccess="always" allowfullscreen="true" width="660" height="525"></embed></object><br />
<br />
<br />
<object height="525" width="660"><param name="movie" value="http://www.youtube.com/v/cG_bQZ5P-Dc&hl=es_ES&fs=1&rel=0&color1=0x5d1719&color2=0xcd311b&border=1"><param name="allowFullScreen" value="true"><param name="allowscriptaccess" value="always"> <embed src="http://www.youtube.com/v/cG_bQZ5P-Dc&hl=es_ES&fs=1&rel=0&color1=0x5d1719&color2=0xcd311b&border=1" type="application/x-shockwave-flash" allowscriptaccess="always" allowfullscreen="true" width="660" height="525"></embed></object><br />
<br />
<br />
<object height="525" width="660"><param name="movie" value="http://www.youtube.com/v/bmwgmKkq4t0&hl=es_ES&fs=1&rel=0&color1=0x5d1719&color2=0xcd311b&border=1"><param name="allowFullScreen" value="true"><param name="allowscriptaccess" value="always"> <embed src="http://www.youtube.com/v/bmwgmKkq4t0&hl=es_ES&fs=1&rel=0&color1=0x5d1719&color2=0xcd311b&border=1" type="application/x-shockwave-flash" allowscriptaccess="always" allowfullscreen="true" width="660" height="525"></embed></object><br />
</span><span style="color: #351c75;"><em>Fuente Consultada:<br />
<br />
Heilbrunn Timeline of Art History. The Metropolitan Museum of Art.<br />
http://www.metmuseum.org/toah/hd/tita/hd_tita.htm</em></span></strong>Sara Bhttp://www.blogger.com/profile/17394015310016437875noreply@blogger.com3tag:blogger.com,1999:blog-8414950884106476103.post-58632607469290476382010-03-08T12:46:00.000-08:002010-10-06T15:49:08.460-07:00Concerto Köln (ensamble instrumental)<div align="justify"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj1NvNp15lMwLYnhx26e3AO6zYLaO_bjz9CN4VQ723YxuT4TE7TqRwisaQYWraHymOpCknTvPEvvUrs6_tjIVYylyyYGhcnsN-oLOxes2pHy7yUDdh4j6KEvQwqDSY807o7aaew6AD5-3Yq/s1600-h/somnis-orient.jpg"><span style="color: #0c343d; font-family: times new roman; font-size: large;"><strong><em><img alt="" border="0" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5446370263207979794" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj1NvNp15lMwLYnhx26e3AO6zYLaO_bjz9CN4VQ723YxuT4TE7TqRwisaQYWraHymOpCknTvPEvvUrs6_tjIVYylyyYGhcnsN-oLOxes2pHy7yUDdh4j6KEvQwqDSY807o7aaew6AD5-3Yq/s400/somnis-orient.jpg" style="cursor: hand; display: block; height: 207px; margin: 0px auto 10px; text-align: center; width: 414px;" /></em></strong></span></a><span style="font-family: times new roman;"><strong><em><br />
</em></strong></span><strong><span style="color: #0c343d; font-family: times new roman; font-size: large;">Concerto Köln fue fundado en 1985 (Köln, Alemania) por graduados de varias escuelas de música europeas. Sus jóvenes miembros se especializan en la interpretación con instrumentos de época, y se reunieron con el objetivo de redescubrir la música orquestal y operística de los siglos XVII y XVIII, sobre la base de la práctica de la performance histórica.<br />
<br />
El grupo está organizado a lo largo de líneas de cierta forma inusuales, porque por ejemplo no recibe financiación del estado y es un organismo autárquico. Dependiendo de las obras interpretadas y las fuerzas participantes, también funciona sin un director, en consonancia con su deseo de crear un ensamble con sentido íntimo, al estilo de una orquesta de cámara. El director artístico del grupo es su líder, Werner Ehrhardt, pero por supuesto esto implica que otros miembros del ensamble no puedan asumir funciones específicas: el objetivo principal es aprovechar al máximo las ideas artísticas de cada uno de los músicos. Los miembros organizan, además, sus propios seminarios y, al mismo tiempo, buscan seguir carreras independientes como músicos de cámara.<br />
<br />
Concerto Köln se ha presentado en varias capitales musicales y en conocidísimos festivales musicales, siempre con un gran éxito. Este grupo está particularmente interesado en revivir obras poco conocidas o raramente ejecutadas, y para ello unió fuerzas con la Deutschlandfunk (una radio alemana) en 1992 para fundar el “Festtage Alte Musik Köln” (Festival de Colonia de Música Antigua). El primer festival fue dedicado a un contemporáneo de Mozart: Joseph Martin Graus. Las conferencias, los conciertos y la exhibición paralela se encontraron con un gran apoyo y la aclamación general. El festival de 1993 se centró en compositores españoles clásicos, en las personas de Arriaga, Soler, Pons, Moreno y Boccherini.<br />
<br />
Desde 1994, el festival se ha llevado a cabo en asociación con la sucesora de la Deutschlandfunk, la Deutschlandradio. Ese año, el foco principal estuvo en Gaetano Brunetti y el “Retorno a un gran compositor de la Corte”, mientras que el festival de 1995 se dedicó a Pietro Antonio Locatelli. En 1996, otra vez un compositor injustamente olvidado (Antonio Rosetti) fue el centro de atención. En 1995, Concerto Köln fue galardonado con el “Critics´ Prize for Music”, por su contribución al revival de la música antigua.<br />
<br />
Concerto Köln ha fomado parte en muchos festivales importantes, y ha tocado en toda Europa (Francia, Alemania, Grecia, Argelia, Suiza, Austria, Inglaterra, Holanda, Italia, España, Portugal, Bélgica), América Latina y el Sur de Asia (Pakistán, India, Bangladesh, Sri Lanka).<br />
Además colaboró con varios solistas de renombre, como Andreas Staier (pianoforte) 1, Rainer Kussmaul (violín), Anner Bylsma (violonchelo), Saskia Kwast (arpa), y directores como René Jacobs, Philippe Herreweghe, Frans Brüggen, Gustav Leonhardt, Volver Renike, Gerd Albrecht y Gerhard Schmidt-Gaden.<br />
<br />
Concerto Köln grabó para diferentes discográficas, como Harmonia Mundi France, Capriccio, Sony, Fnac. Sus primeras grabaciones con el sello Teldec (concerti grossi, de P. A. Locatelli, sinfonías de Rosetti, y conciertos para teclado de Mozart, Salieri y Stepán, con Andreas Staier como solista) fueron aclamadas por la prensa musical.<br />
<br />
Johann Sebastian Bach (1685-1750): Misa en Si menor, BWV 232 (dos fragmentos, nada más)<br />
<br />
Concerto Köln.<br />
Sybilla Rubens (soprano).<br />
Britta Schwarz (mezzosoprano).<br />
Hans Mammel (tenor).<br />
Klaus Mertens (bajo).<br />
Dir: Pierre Cao.<br />
<br />
</span><em><span style="color: #0c343d; font-family: times new roman; font-size: large;"><object height="525" width="660"><param name="movie" value="http://www.youtube.com/v/oOZ2fU-gmh4&hl=es_ES&fs=1&rel=0&color1=0x5d1719&color2=0xcd311b&border=1"><param name="allowFullScreen" value="true"><param name="allowscriptaccess" value="always"><embed src="http://www.youtube.com/v/oOZ2fU-gmh4&hl=es_ES&fs=1&rel=0&color1=0x5d1719&color2=0xcd311b&border=1" type="application/x-shockwave-flash" allowscriptaccess="always" allowfullscreen="true" width="660" height="525"></embed></object><br />
<br />
<br />
<br />
<object height="525" width="660"><param name="movie" value="http://www.youtube.com/v/H9PjbFFG3cQ&hl=es_ES&fs=1&rel=0&color1=0x5d1719&color2=0xcd311b&border=1"><param name="allowFullScreen" value="true"><param name="allowscriptaccess" value="always"><embed src="http://www.youtube.com/v/H9PjbFFG3cQ&hl=es_ES&fs=1&rel=0&color1=0x5d1719&color2=0xcd311b&border=1" type="application/x-shockwave-flash" allowscriptaccess="always" allowfullscreen="true" width="660" height="525"></embed></object><br />
<br />
Nota:</span></em></strong></div><div align="justify"><span style="color: #0c343d; font-family: times new roman; font-size: large;"><strong><em></em></strong></span></div><div align="justify"><span style="color: #0c343d; font-family: times new roman; font-size: large;"><strong><em>1. La palabra "pianoforte" se usa frecuentemente para distinguir a los pianos del siglo XVIII de los posteriores.</em></strong></span></div><div align="justify"><strong><em><span style="color: #0c343d; font-family: times new roman; font-size: large;"></span></em></strong></div><div align="justify"><strong><em><span style="color: #0c343d; font-family: times new roman; font-size: large;"></span></em></strong></div><div align="justify"><span style="color: #0c343d; font-family: times new roman; font-size: large;"><strong><em></em></strong></span></div><div align="justify"><span style="font-family: times new roman;"><strong><em><span style="color: #0c343d; font-size: large;">Para visitar la página de Concerto Köln: http://www.concerto-koeln.de/portrait_ensemble.php?main=portrait&sub=ensemble&lang=esp </span></em></strong></span></div>Sara Bhttp://www.blogger.com/profile/17394015310016437875noreply@blogger.com1tag:blogger.com,1999:blog-8414950884106476103.post-14692379306505245712010-02-08T16:52:00.000-08:002010-09-14T16:25:19.251-07:00Barockorchester Capriccio Basel (BOCB)<div align="justify"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi_5dEDK4FB9oQSgpTraVY_-JJ0jFpujFWkJqzVD1Q2iHbhGk_jJKDiuMNYybMAYWRU_Z0XTYScA8QnM1-Cr8OEiUNHjZ0Fpc6RULsMac3hfvq1hhYGXFW69iYEMWSEhCs5yslGfsWt_IOf/s1600-h/hallo1.jpg"><strong><em><span style="color: #274e13; font-family: trebuchet ms;"><img alt="" border="0" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5436040923782547506" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi_5dEDK4FB9oQSgpTraVY_-JJ0jFpujFWkJqzVD1Q2iHbhGk_jJKDiuMNYybMAYWRU_Z0XTYScA8QnM1-Cr8OEiUNHjZ0Fpc6RULsMac3hfvq1hhYGXFW69iYEMWSEhCs5yslGfsWt_IOf/s400/hallo1.jpg" style="cursor: hand; display: block; height: 277px; margin: 0px auto 10px; text-align: center; width: 400px;" /></span></em></strong></a><strong><em><span style="font-family: trebuchet ms;"><br />
</span></em></strong><span style="color: #274e13;"><strong><em><span style="font-family: trebuchet ms;">Fundada en 1999, en Basilea, Suiza.</span></em></strong><br />
<br />
<br />
<strong><em><span style="font-family: trebuchet ms;">Su repertorio abarca obras del Barroco, el Clasicismo y el Romanticismo temprano. En la interpretación, tocando instrumentos originales, esta orquesta ha desarrollado un sonido pleno de matices, muy colorido, en un estilo personal configurado a partir de la dinámica, el drama y la fantasía.</span></em></strong><br />
<br />
<br />
<strong><em><span style="font-family: trebuchet ms;">La BOCB dedica gran parte del tiempo a la ejecución de grandes obras corales. Algunas de sus obras más conocidas son: “Marienvesper”, de Monteverdi; las Pasiones de Bach, los oratorios de Georg Friedrich Handel, las Estaciones de Haydn, o “Elías”, de Feliz Mendelssohn (todas obras que han presentado, con muchísimo éxito, junto con otros coros).</span></em></strong><br />
<br />
<br />
<strong><em><span style="font-family: trebuchet ms;">La BOCB organiza sus propias series de conciertos en Basilea y Zürich, donde se presentan como invitados importantes directores y solistas. Además de estrellas como Andreas Scholl, Andrew Parrott y Monica Huggett, la BOCB presenta una nueva generación de artistas, desarrolla inusuales conceptos y experimenta con nuevas formas de concierto (incluyendo danzas y coreografías).</span></em></strong><br />
<br />
<br />
<strong><em><span style="font-family: trebuchet ms;">Giras internacionales han llevado su música a Hungría, Estados Unidos, el Philharmonic Concert Hall Berlin, y al Glocke Bremen, por ejemplo.</span></em></strong><br />
<br />
<br />
<strong><em><span style="font-family: trebuchet ms;">En junio del año 2000 obtuvo el primer premio en el VALIANTforum Competition para orquestas jóvenes.</span></em></strong><br />
<br />
<strong><em><span style="font-family: trebuchet ms;"></span></em></strong><br />
<br />
<strong><em><span style="font-family: trebuchet ms;">Para visitar su sitio web: </span></em></strong></span><a href="http://www.capricciobasel.ch/d/orchester.htm"><strong><em><span style="color: #274e13; font-family: trebuchet ms;">http://www.capricciobasel.ch/d/orchester.htm</span></em></strong></a><br />
<br />
<br />
<strong><em><span style="color: #274e13; font-family: trebuchet ms;">Richard Mudge: Seis Conciertos en Siete Partes<br />
<br />
No. I: Para trompeta en Re, cuatro violines, un violín tenor, y un violonchelo, con un bajo continuo para clavicordio<br />
<br />
Trompeta: Henry Moderlak<br />
Concertistas: Éva Borhi, Péter Barczi, Ilze Grudule<br />
<br />
Barockorchester Capriccio Basel, dir. Dominik Kiefer<br />
<br />
1. Vivace<br />
<br />
<object height="525" width="660"><param name="movie" value="http://www.youtube.com/v/I9jB90_xohs&hl=es_ES&fs=1&rel=0&color1=0x006699&color2=0x54abd6&border=1"><param name="allowFullScreen" value="true"><param name="allowscriptaccess" value="always"><embed src="http://www.youtube.com/v/I9jB90_xohs&hl=es_ES&fs=1&rel=0&color1=0x006699&color2=0x54abd6&border=1" type="application/x-shockwave-flash" allowscriptaccess="always" allowfullscreen="true" width="660" height="525"></embed></object><br />
<br />
2. Allegro<br />
<br />
<object height="525" width="660"><param name="movie" value="http://www.youtube.com/v/1amTbnH-Nxo&hl=es_ES&fs=1&rel=0&color1=0x006699&color2=0x54abd6&border=1"><param name="allowFullScreen" value="true"><param name="allowscriptaccess" value="always"><embed src="http://www.youtube.com/v/1amTbnH-Nxo&hl=es_ES&fs=1&rel=0&color1=0x006699&color2=0x54abd6&border=1" type="application/x-shockwave-flash" allowscriptaccess="always" allowfullscreen="true" width="660" height="525"></embed></object><br />
<br />
3. Larghetto Andante<br />
<br />
<object height="525" width="660"><param name="movie" value="http://www.youtube.com/v/oOO0fqj_WPg&hl=es_ES&fs=1&rel=0&color1=0x006699&color2=0x54abd6&border=1"><param name="allowFullScreen" value="true"><param name="allowscriptaccess" value="always"><embed src="http://www.youtube.com/v/oOO0fqj_WPg&hl=es_ES&fs=1&rel=0&color1=0x006699&color2=0x54abd6&border=1" type="application/x-shockwave-flash" allowscriptaccess="always" allowfullscreen="true" width="660" height="525"></embed></object></span></em></strong></div>Sara Bhttp://www.blogger.com/profile/17394015310016437875noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-8414950884106476103.post-41129173254311583862010-01-14T16:49:00.000-08:002010-09-14T16:25:43.339-07:00El Clavicordio de Oro de Michele Todini (1616-1690)<span style="color: #0b5394;"></span><strong></strong><br />
<div align="justify"><span style="color: #0b5394;"><br />
</span></div><span style="color: #0b5394;"></span><br />
<div align="justify"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjk2-LebiuLf_22iVf1rVSSQAfsUymMs_9tnizXAZkyblPzX1TRneY5aJjnppPtMN5z3tPys8zOZBJtEbUOgNF1w5y5q2-mkTNAIGRqnRcTF-V7dZfiHUd9XcalTFPOPV-NRxeE53E8w2sC/s1600-h/untitled.bmp"><strong><span style="color: #0b5394; font-family: georgia;"><img alt="" border="0" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5426767303373695506" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjk2-LebiuLf_22iVf1rVSSQAfsUymMs_9tnizXAZkyblPzX1TRneY5aJjnppPtMN5z3tPys8zOZBJtEbUOgNF1w5y5q2-mkTNAIGRqnRcTF-V7dZfiHUd9XcalTFPOPV-NRxeE53E8w2sC/s400/untitled.bmp" style="cursor: hand; display: block; height: 150px; margin: 0px auto 10px; text-align: center; width: 400px;" /></span></strong></a><strong><span style="font-family: georgia;"><br />
</span></strong><br />
<div align="justify"><strong><span style="color: #0b5394; font-family: georgia;">Michele Todini, un fabricante de instrumentos e inventor italiano, nació en Roma, y alrededor de 1636 se trasladó a Roma, donde estuvo a cargo de los instrumentos de la Congregazione di Santa Cecilia. Tocaba el trombón y el órgano con el “Musici del Campidoglio”, que entonces era su decano (o músico mayor), pero también tocaba profesionalmente varios instrumentos de arco. Diseñador y fabricante de varios tipos de instrumentos musicales, es muy conocido por su construcción de los complejos mecanismos que desplegó en su “Galleria Armonica e Matematica” en Roma, uno de los primeros museos de instrumentos musicales. Una de estas máquinas era el instrumento conocido como actualmente como el “Golden Harpsichord” del Museo Metropolitano, un enorme instrumento, con un intrincado esculpido, flanqueado opr figuras casi de tamaño real de Polifemo y Galatea, todo en madera dorada.<br />
<br />
Según el “Dichiaratione Galleria della Armonica” (Roma, 1676), un libro de su autoría que describe la Galería y su contenido, Todini comenzó a trabajar en el museo en 1650. La Galería presentaba cuatro máquinas diseñadas por Todini. Dos elaborados relojes encastrados en esculturas conformaban la exhibición “matemática”. Una de las dos atracciones “armónicas”, la “Gran Máquina”, era una colección de siete instrumentos (clavicordio, varias espinetas, órgano, violín y lira viola) que podían ser controlados en cualquier combinación posible a partir de un solo teclado. Este artilugio está representado, de forma bastante imaginativa, en las siguientes obras:<br />
<br />
“Phonurgia nova”, de Atanasius Kircher (Kempten, 1673)<br />
“Gabinetto armomico” (no. XXXIII), de Filippo Buonanni (Roma, 1722)<br />
<br />
A la otra gran atracción “armónica” de la Galería, Todini la llamaba “La macchina di Polifemo e Galatea”. En el capítulo 3 de su “Dichiaratione”, describe así a este instrumento:<br />
<br />
“En la segunda sala [de la Galleria] está representada la historia de Polifemo con una serie de estatuas recubiertas de oro, y entre otros está Galatea, que se muestra atravesando el mar llevada por dos delfines arreados por un Cupido sentado en un una concha marina, con ninfas del mar como cortejo, y asistidos por grandes tritones de tamaño natural, que llevan un clavicordio, cuyo estuche es rico en esculturas que representan, en bajorrelieve cubierto de oro, el triunfo de la mencionada Galatea con una procesión marina que le ofrece en tributo diversos frutos de mar. Polifemo está sentado en la ladera de una montaña, donde vive, como lo cuenta la historia, en el acto de tocar una sordelina o museta para complacer a Galatea; y dentro de esta montaña se encuentra el dispositivo para tocar los tonos de la sordelina, que suena con un teclado colocado debajo del ya mencionado clavicordio. Las estatuas están hechas por hombres respetables, como también lo son los otros materiales, que se utilizaron para representar ya sea el mar, la montaña o el aire. Esta máquina ocupa el espacio desde el piso hasta la parte superior del techo; las dificultades de su creación fueron muchas, y serán descritas al final, a fin de no alterar la brevedad de esta narración”.<br />
<br />
El relato de Todini describe al dorado instrumento de Metropolitano de forma muy precisa, salvo una importante excepción: la figura de Galatea a la derecha del instrumento. A la derecha del clavicordio está la estatua de Galatea, sin apoyo. La posición de sus brazos puede indicar que en algún momento estuvo adosada a un instrumento del estilo del laúd, que ya no está. Esta figura de Galatea tal vez no sea original, ya que no concuerda ni con la descripción de Todini (arriba) ni con una descripción similar en un registro de pagos del año 1672 a su tallista Jacob Reiff. Incluso, la Galatea original puede haber estado sentada (y no de pie) justo a la derecha del clavicordio, reflejándose su imagen en el friso del clavicordio.<br />
<br />
Un pequeño modelo en arcilla de la disposición actual del clavicordio y las estatuas, descubierto en Roma en 1949 por Emmanuel Wintemitz, posiblemente fue hecho entre 1676 y 1825; en este periodo podría haberse instalado la nueva Galatea.<br />
<br />
La otra estatua, de pie y sin apoyo, a la izquierda del clavicordio, es Polifemo, el cíclope devorador de hombres cuya obsesión con la ninfa Galatea está descrita en el Libro 13 de las “Metamorfosis”, de Ovidio, y que más tarde sería representada por la obra de Handel: “Acis y Galatea” (1719).<br />
<br />
Polifemo, a quien Ovidio representa tocando una flauta de pan para atraer a Galatea, aquí está sentado en una roca tocando una sordelina (debajo del brazo derecho de Polifemo), una gaita del siglo XVII, italiana, con teclado, con un fuelle del estilo del acordeón, tocada por músicos aficionados. La sordelina de Todini está representada con un cuarto tubo (un drone contrabajo, un sonido de larga duración), una innovación técnica reciente que, en combinación con su sistema de teclado, le daba al instrumento muchas de las cualidades de un órgano portátil. Para simular el sonido de la sordelina, Todini había ideado un mecanismo, concebido por primera vez durante la plaga de 1656, para que encajara debajo del teclado del clavicordio. Este artefacto controlaba los tubos ocultos en la roca de Polifemjo. Lamentablemente, ninguno de los mecanismos, ni los tubos, han sobrevivido, y todavía se discute si los tubos podían entrar en el pequeño espacio provisto por la roca de Polifemo. Sin embargo, nuevas investigaciones revelan que los tubos pueden haber estado ocultos detrás de los tres paisajes marinos perdidos que colgaban detrás del instrumento, y que habían sido pintados por el distinguido paisajista Gaspard Dughet.<br />
<br />
El clavicordio de estilo italiano de Todini, con cuerdas en octavas dobles, es típico, salvo por su extensión inusual: 2.46 m. Descansa en un estuche recubierto por un frizo exquisitamente tallado que representa a Galatea en su procesión sobre las olas en un carro tirado por delfines, rodeados por criaturas marinas de toda clase, alejándose de Polifemo. Algunas de las criaturas tocan cuernos, y una figura a la izquierda toca el laúd. El estuche parece ser llevado hacia la izquierda por tres tritones con cola de pescado, y dos ninfas marinas, en medio de los tritones, miran hacia la derecha, mientras vadean a través de olas esculpidas en una plataforma sostenida por patas de león. En el extremo derecho de la plataforma acuosa hay un gran cascarón vacío llevado por dos delfines conducidos por un angelote (putto).<br />
<br />
Según Laurence Libin, curador investigador, no hay ningún otro ejemplo tan sorprendente como esta construcción, en el arte del trabajo de la madera, en el Barroco romano.<br />
<br />
La “Macchina di Polifemo e Galatea”, imaginada por primera vez en 1657, costó casi una década terminarla. La máquina completa, incluyendo el dorado y las esculturas, obras de Basilio Onofir y Jacobo Reiff (respectivamente), no estuvo terminada sino hasta 1665; la exhibición se completó recién en 1672.<br />
<br />
La extravagante Galleria Armonica, que Todini esperaba fuera una fuente de importantes ingresos, en cambio lo llevó al desastre financiero, pero sin embargo se convirtió en una parada muy popular para los visitantes de Roma. La Galleria formaba parte del “Grand Tour”, y muchos viajeros del siglo XVIII nos dejaron sus impresiones. Tal vez el relato más famoso sea el de Charles Burney, citado en “The Present State of Music in France and Italy” (Londres, 1773, pp. 392-393). Tras la muerte de Todini, la Galleria estuvo en manos de la familia Verospi de Roma, por los siguientes ciento seis años.<br />
<br />
Aparentemente la colección fue desarmada en 1796, el Clavicordio de Oro pasó por varios propietarios, hasta que, como parte de la Colección de Instrumentos Musicales Crosby Brown, fue donado al Museo Metropolitano en 1889. Ninguno de los otros esplendores de la Galleria Armonica ha sobrevivido.</span></strong><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj8owpiG-C9mCBOYu7e1lPk8oL879wZmcjd1mHwGvsial-hpikafewBErISidj1M9QDVLiyiPj4JN22UAnBplCzgJEffy04fgUkbDLxIgGsRLxeIJStECjuWTVWFhd8GnApuEDx74s-j1hu/s1600-h/polifemo.bmp"><strong><span style="color: #0b5394; font-family: georgia;"><img alt="" border="0" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5426767662405714594" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj8owpiG-C9mCBOYu7e1lPk8oL879wZmcjd1mHwGvsial-hpikafewBErISidj1M9QDVLiyiPj4JN22UAnBplCzgJEffy04fgUkbDLxIgGsRLxeIJStECjuWTVWFhd8GnApuEDx74s-j1hu/s400/polifemo.bmp" style="cursor: hand; float: right; height: 400px; margin: 0px 0px 10px 10px; width: 261px;" /></span></strong></a><span style="font-family: georgia;"><br />
</span><strong><span style="color: #0b5394; font-family: georgia;">Imagen: Representación de Polifemo y Galatea, "Mythological Room", en la Villa Imperial en Boscotrecase, última década del siglo I a. C. (paisaje en un muro).<br />
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</span></strong></div><div align="justify"><span style="color: #0b5394; font-family: georgia;"><strong></strong></span></div><div align="justify"><span style="color: #0b5394; font-family: georgia;"><strong></strong></span></div><div align="justify"><span style="color: #0b5394; font-family: georgia;"><strong></strong></span></div><div align="justify"><span style="color: #0b5394; font-family: georgia;"><strong></strong></span></div><div align="justify"><span style="color: #0b5394; font-family: georgia;"><strong></strong></span></div><div align="justify"><span style="color: #0b5394; font-family: georgia;"><strong></strong></span></div><div align="justify"><span style="color: #0b5394; font-family: georgia;"><strong></strong></span></div><div align="justify"><strong><span style="color: #0b5394; font-family: georgia;">Naturalmente, no tengo ningún ejemplo musical del clavicordio para ilustrar, precisamente, este artículo, pero igual, escuchemos algunas piezas en este exquisito instrumento:<br />
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<object height="525" width="660"><param name="movie" value="http://www.youtube.com/v/ZiU8xQGr1yU&hl=en_US&fs=1&rel=0&color1=0x234900&color2=0x4e9e00&border=1"><param name="allowFullScreen" value="true"><param name="allowscriptaccess" value="always"> <embed src="http://www.youtube.com/v/ZiU8xQGr1yU&hl=en_US&fs=1&rel=0&color1=0x234900&color2=0x4e9e00&border=1" type="application/x-shockwave-flash" allowscriptaccess="always" allowfullscreen="true" width="660" height="525"></embed></object><br />
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<object height="525" width="660"><param name="movie" value="http://www.youtube.com/v/8yhd-dpC_7o&hl=en_US&fs=1&rel=0&color1=0x234900&color2=0x4e9e00&border=1"><param name="allowFullScreen" value="true"><param name="allowscriptaccess" value="always"> <embed src="http://www.youtube.com/v/8yhd-dpC_7o&hl=en_US&fs=1&rel=0&color1=0x234900&color2=0x4e9e00&border=1" type="application/x-shockwave-flash" allowscriptaccess="always" allowfullscreen="true" width="660" height="525"></embed></object><br />
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</span><em><span style="color: #0b5394; font-family: georgia;">Fuente: The Golden Harpsichord of Michele Todini (1616–1690). By: Wendy Power (Independent Scholar)<br />
En: Heilbrunn Timeline of Art History,<br />
The Metropolitan Museum of Art:<br />
http://www.metmuseum.org/toah/hd/todi/hd_todi.htm#slideshow2</span></em></strong></div></div>Sara Bhttp://www.blogger.com/profile/17394015310016437875noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-8414950884106476103.post-39990234516245719472010-01-03T17:46:00.000-08:002010-09-14T16:26:11.410-07:00Concierto de Año Nuevo 2010<div style="text-align: justify;"><span style="color: black;"><br />
</span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi0yYrNHUiJ1YP-9dIZafO1atEMDpoRNgvWA8jth1HMcVkIr5oxD5EHy1cWtmShiKcDcDcG5F_9c1yI3GwBqqvpfYADMqrxX_PVHRaH3pX9mD3mGInwJNg68sh_jfUn-EyFo5_RZpmKalW5/s1600-h/pretre09_190_terry48.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; cssfloat: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><span style="color: black; font-family: Times, "Times New Roman", serif; font-size: large;"><em><strong><img border="0" ps="true" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi0yYrNHUiJ1YP-9dIZafO1atEMDpoRNgvWA8jth1HMcVkIr5oxD5EHy1cWtmShiKcDcDcG5F_9c1yI3GwBqqvpfYADMqrxX_PVHRaH3pX9mD3mGInwJNg68sh_jfUn-EyFo5_RZpmKalW5/s320/pretre09_190_terry48.jpg" /></strong></em></span></a></div><div style="text-align: justify;"><span style="color: black; font-family: Times, "Times New Roman", serif; font-size: large;"><em><strong>El Concierto de Año Nuevo, de la Orquesta Filarmónica de Viena, 2010, fue dirigido por segunda vez por el francés Georges Prêtre. La decisión fue tomada "en reconocimiento de nuestros muchos años de colaboración y la amplia experiencia de Prêtre dentro de este género". El éxito del debut de este director en el Concierto de Año Nuevo 2008 "fue para el director, la orquesta y el público, muy gratificante" (en palabras de Clemens Hellsberg, de la Orquesta Filarmónica de Viena).</strong></em></span></div><div style="text-align: justify;"><br />
<span style="color: black; font-family: Times, "Times New Roman", serif; font-size: large;"><em><strong></strong></em></span></div><div style="text-align: justify;"><br />
<span style="color: black; font-family: Times, "Times New Roman", serif; font-size: large;"><em><strong></strong></em></span></div><div style="text-align: justify;"><span style="color: black; font-family: Times, "Times New Roman", serif; font-size: large;"><em><strong>Georges Prêtre ha dirigido regularmente en Viena durante los últimos 47 años, y su obra con la Filarmónica de Viena ha abarcado el mismo periodo. Más recientemente, ha presentado siete conciertos con la orquesta en Viena, Milán, Vaduz, Baden-Baden y Linz. Por sus logros artísticos, Georges Prêtre ha sido galardonado varias veces en su patria de origen y también en Austria. Por ejemplo, en el año 2004 fue nombrado Comandante de la Legión Extranjera Francesa, y ese mismo año recibió la Medalla de Austria Para las Ciencias y las Artes, Primera Clase. Recientemente, recibió de manos del presidente francés el más alto honor dentro de la Legión Extranjera: "Grand Officier de la Légion d´Honneur".</strong></em></span></div><div style="text-align: justify;"><br />
<span style="color: black; font-family: Times, "Times New Roman", serif; font-size: large;"><em><strong></strong></em></span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjn7bFEoqjwr5AuWmj919zgC6Q8EKgIyHR0myiMhxT0bP3siENwohrf72SObJOw-q2ABa1VP2wXIQM12IQq0eZqQ84gGWhhJKoPeYi4IkRC3-vVsZMEMjWNKvd3Wf5qRLUgS330J1eosIZo/s1600-h/njk190_v2.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; cssfloat: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><span style="color: black; font-family: Times, "Times New Roman", serif; font-size: large;"><em><strong><img border="0" ps="true" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjn7bFEoqjwr5AuWmj919zgC6Q8EKgIyHR0myiMhxT0bP3siENwohrf72SObJOw-q2ABa1VP2wXIQM12IQq0eZqQ84gGWhhJKoPeYi4IkRC3-vVsZMEMjWNKvd3Wf5qRLUgS330J1eosIZo/s320/njk190_v2.jpg" /></strong></em></span></a></div><div style="text-align: justify;"><span style="color: black; font-family: Times, "Times New Roman", serif; font-size: large;"><em><strong>El Concierto de Año Nuevo, transmitido a más de 70 países, es en términos de cobertura internacional el más grande evento de la música clásica en el mundo. La tradición de los conciertos de año nuevo comenzó durante la Segunda Guerra Mundial, y la Filarmónica de Viena los presenta no sólo como un representación de la cultura musical vienesa al más alto nivel, sino también para enviarle al mundo un saludo de Año Nuevo en el espíritu de la esperanza, la amistad y la paz.</strong></em></span></div><div style="text-align: justify;"><br />
<span style="color: black; font-family: Times, "Times New Roman", serif; font-size: large;"><em><strong></strong></em></span></div><div style="text-align: justify;"><br />
<span style="color: black; font-family: Times, "Times New Roman", serif; font-size: large;"><em><strong></strong></em></span></div><div style="text-align: justify;"><span style="color: black; font-family: Times, "Times New Roman", serif; font-size: large;"><em><strong><object height="405" width="660"><param name="movie" value="http://www.youtube.com/v/hUH-zMfnFXk&hl=es_ES&fs=1&rel=0&color1=0xe1600f&color2=0xfebd01&border=1"></param><param name="allowFullScreen" value="true"></param><param name="allowscriptaccess" value="always"></param><embed src="http://www.youtube.com/v/hUH-zMfnFXk&hl=es_ES&fs=1&rel=0&color1=0xe1600f&color2=0xfebd01&border=1" type="application/x-shockwave-flash" allowscriptaccess="always" allowfullscreen="true" width="660" height="405"></embed></object></strong></em></span></div><div style="text-align: justify;"><br />
<span style="color: black; font-family: Times, "Times New Roman", serif; font-size: large;"><em><strong></strong></em></span></div><div style="text-align: justify;"><br />
<span style="color: black; font-family: Times, "Times New Roman", serif; font-size: large;"><em><strong></strong></em></span></div><div style="text-align: justify;"><span style="color: black; font-family: Times, "Times New Roman", serif; font-size: large;"><em><strong><object height="525" width="660"><param name="movie" value="http://www.youtube.com/v/NlFBWo-Cbz8&hl=es_ES&fs=1&rel=0&color1=0xe1600f&color2=0xfebd01&border=1"></param><param name="allowFullScreen" value="true"></param><param name="allowscriptaccess" value="always"></param><embed src="http://www.youtube.com/v/NlFBWo-Cbz8&hl=es_ES&fs=1&rel=0&color1=0xe1600f&color2=0xfebd01&border=1" type="application/x-shockwave-flash" allowscriptaccess="always" allowfullscreen="true" width="660" height="525"></embed></object></strong></em></span></div><div style="text-align: justify;"><br />
<span style="color: black; font-family: Times, "Times New Roman", serif; font-size: large;"><em><strong></strong></em></span></div><div style="text-align: justify;"><br />
<span style="color: black; font-family: Times, "Times New Roman", serif; font-size: large;"><em><strong></strong></em></span></div><div style="text-align: justify;"><span style="color: black; font-family: Times, "Times New Roman", serif; font-size: large;"><em><strong>Para visitar: </strong></em></span><a href="http://www.wienerphilharmoniker.at/"><span style="color: black; font-family: Times, "Times New Roman", serif; font-size: large;"><em><strong>Wiener Philharmoniker</strong></em></span></a></div><div style="text-align: justify;"><span style="color: black;"><br />
</span></div><div style="text-align: justify;"><span style="color: black;"><strong><span style="font-size: large;">Nota bene: Tuve que cambiar mi saludo de año nuevo, porque no me gustó lo que escribí. Hay muchas cosas que detesto de mi "mundo", la maldad de la gente, la falta de respeto, la agresión permanente por simple gusto, la falta de interés de mi país hacia la situación que nos está agobiando a todos... Pero no tengo que bajar yo de nivel, diciendo groserías en la web, porque así me pongo a la altura de los que critico. Dicho esto, les deseo a todos un hermoso año 2010, deseo de corazón que, ojalá, los únicos problemas que tengamos sean los chusmeríos baratos de los pueblos, o que del mundial Sudáfrica nos echen a patadas (gracias al genio de Maradona). <em>No más guerra, no más violencia, no más delincuencia, no más hambre en el mundo. Y que en el planeta entero haya un atisbo de compasión por el dolor de los demás.</em></span></strong> </span></div><div style="text-align: justify;"><span style="color: black;"><br />
</span></div><div style="text-align: justify;"><br />
<span style="color: black; font-family: Times, "Times New Roman", serif; font-size: large;"><em><strong></strong></em></span></div>Sara Bhttp://www.blogger.com/profile/17394015310016437875noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-8414950884106476103.post-88136179966635089912009-12-04T15:59:00.000-08:002010-09-14T16:26:28.035-07:00Franz Berwald (Estocolmo, 23 de julio de 1796 – 3 de abril de 1868<div align="justify"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEher9B7sy0MZIvBgv_9VN67b_lxDrD3BWhiITsS2z-PDGnkPJXGwSIb2KViVPwgFidjK-pT3-R0veVNek0m2tFKqVbFOD0k2yvdr9wT3LmZRnUM56HTrva25LAi0uqn-Ivuor9Tbgz3PnCK/s1600-h/Franz_Berwald_Painting.jpg"><strong><span style="color: #741b47; font-family: times new roman; font-size: 130%;"><em><img alt="" border="0" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5411535905507799042" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEher9B7sy0MZIvBgv_9VN67b_lxDrD3BWhiITsS2z-PDGnkPJXGwSIb2KViVPwgFidjK-pT3-R0veVNek0m2tFKqVbFOD0k2yvdr9wT3LmZRnUM56HTrva25LAi0uqn-Ivuor9Tbgz3PnCK/s400/Franz_Berwald_Painting.jpg" style="cursor: hand; float: right; height: 400px; margin: 0px 0px 10px 10px; width: 298px;" /></em></span></strong></a><strong><span style="font-family: times new roman; font-size: 130%;"><em><br />
</em></span></strong><br />
<div align="justify"><span style="color: #741b47; font-family: times new roman; font-size: 130%;"><em></em></span></div><div align="justify"><strong><span style="color: #741b47; font-family: times new roman; font-size: 130%;"><em></em></span></strong></div><div align="justify"><strong><span style="color: #741b47; font-family: times new roman; font-size: 130%;"><em>Franz Adolf Berwald es un compositor muy poco conocido. Posiblemente haya sido el mejor compositor escandinavo de su época, pero durante su vida se lo ignoró completamente y recién se lo descubrió a principios del siglo XX (la Fundación Berwald se creó en Suecia en el año 1909). Apenas aparece en los diccionarios y recién en los últimos tiempos se lo está comprendiendo de la forma adecuada. Escribió sinfonías, conciertos, música de cámara, óperas y operetas.<br />
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Durante mucho tiempo vivió en Berlín y Viena, por lo que se vinculó de forma decidida con el sinfonismo romántico alemán y mostró claras influencias de Beethoven, Schubert y Mendelssohn. </em></span></strong></div><div align="justify"><strong><span style="color: #741b47; font-family: times new roman; font-size: 130%;"><em></em></span></strong></div><div align="justify"><strong><span style="color: #741b47; font-family: times new roman; font-size: 130%;"><em>De todos modos su arte es sumamente personal, sin tendencias nacionalistas demasiado marcadas. Tampoco hay que considerarlo como el epígono del clasicismo vienés.<br />
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Pertenecía a una familia de origen alemán. A pesar de que no sabía nada de composición y armonía, Berwald comenzó a escribir muy pronto. En 1829 viaja Berlín para estudiar, y de paso abre un instituto ortopédico. Allí entabla amistad con Mendelssohn. Pero recién en 1841, cuando llega a Viena, empieza a saborear las mieles del éxito.<br />
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Compuso y llegó a estrenar una ópera llamada “Estrella de Soria”, que desde entonces conserva el honor de ser su mejor obra lírica. A Estocolmo volvió en 1849, y obtuvo el cargo de profesor en el Conservatorio. A pesar de todo, como había dicho al principio, fue completamente ignorado y murió en la más absoluta de las miserias.<br />
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Estrella de Soria, ópera en tres actos. Finale.<br />
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<object height="405" width="500"><param name="movie" value="http://www.youtube.com/v/VsEPxorNUPw&hl=en_US&fs=1&rel=0&color1=0x402061&color2=0x9461ca&border=1"><param name="allowFullScreen" value="true"><param name="allowscriptaccess" value="always"><embed src="http://www.youtube.com/v/VsEPxorNUPw&hl=en_US&fs=1&rel=0&color1=0x402061&color2=0x9461ca&border=1" type="application/x-shockwave-flash" allowscriptaccess="always" allowfullscreen="true" width="500" height="405"></embed></object><br />
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Su producción es escasa en cantidad, pero sin embargo se puede encontrar su genio creador en, por ejemplo, su música de cámara (tríos, cuartetos de cuerdas, dos quintetos con piano, etc.), en sus poemas sinfónicos (todos compuestos antes que los de Liszt, que, dicho sea de paso, estaba sumamente impresionado por las dotes de este músico sueco) y, sobre todo, en sus cuatro sinfonías.<br />
<br />
Giacomo Manzoni escribe: “En su producción Berwald toma los movimientos de Beethoven y, en parte, de Schubert, su casi coetáneo: no por eso es un epígono”.<br />
<br />
La parte más personal de su obra está en las sinfonías. La segunda, “Sérieuse”, compuesta en 1842, tiene un sorprendente rigor de estructura y una riqueza de ideas melódicas tal que algunos autores se animan a hablar de Berwald como del “Schubert sueco”.<br />
<br />
La cuarta sinfonía, la “Singuliére”, compuesta en 1845, es aún más sorprendente: el primer movimiento nos recuerda a Berlioz y, con la audacia de su construcción, no se queda atrás ante los primeros movimientos sinfónicos de los más celebrados músicos románticos. En esta sinfonía, por otra parte, se escuchan anticipos brahmsianos, sobre todo en el último movimiento. Es notable la influencia de Johannes Brahms en la obra de Franz Berwald, en especial durante el apogeo de su producción artística.<br />
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<object height="405" width="500"><param name="movie" value="http://www.youtube.com/v/tEfia6J-otY&hl=en_US&fs=1&rel=0&color1=0x402061&color2=0x9461ca&border=1"><param name="allowFullScreen" value="true"><param name="allowscriptaccess" value="always"><embed src="http://www.youtube.com/v/tEfia6J-otY&hl=en_US&fs=1&rel=0&color1=0x402061&color2=0x9461ca&border=1" type="application/x-shockwave-flash" allowscriptaccess="always" allowfullscreen="true" width="500" height="405"></embed></object><br />
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Otra obra que llama poderosamente la atención es su “Cuarteto no. 1 en Sol menor”, compuesto en 1818 en Estocolmo, donde también se presenta una influencia extraordinaria: la de Schubert (a pesar de que no podía conocerlo; Estocolmo en aquella época estaba completamente al margen de toda actividad musical que no fuese de reflejos, y además los mayores artífices del Romanticismo, desde Mendelssohn hasta Schumann, pasando por Liszt y Chopin, todavía estaban en la infancia, literalmente hablando, eran niños).<br />
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Otras obras exquisitas son el “Cuarteto no. 2 en Mi bemol mayor” (1849) y el “Cuarteto no. 3 en La menor”, del mismo año.<br />
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<object height="405" width="500"><param name="movie" value="http://www.youtube.com/v/GAe7Wz0iJuI&hl=en_US&fs=1&rel=0&color1=0x402061&color2=0x9461ca&border=1"><param name="allowFullScreen" value="true"><param name="allowscriptaccess" value="always"><embed src="http://www.youtube.com/v/GAe7Wz0iJuI&hl=en_US&fs=1&rel=0&color1=0x402061&color2=0x9461ca&border=1" type="application/x-shockwave-flash" allowscriptaccess="always" allowfullscreen="true" width="500" height="405"></embed></object><br />
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Sinfonía No. 2 en Sol menor, “Sérieuse” (Seria)<br />
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Compuesta entre 1841 y 1842 para la Musikverein de Viena; estrenada el 2 de diciembre de 1843 en Estocolmo, bajo la dirección de Johann Berwald (primo del compositor). Fue la única que estrenó en su vida. La crítica la destrozó: la consideró una obra “pretenciosa”, con “extravagantes modulaciones” que formaban un “lío musical”, o mejor dicho “antimusical”, sin la más mínima idea melódica “inteligible”.<br />
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“El primer movimiento es un Allegro con energía, de un ritmo riguroso y variado, animado por una orquesta amplia y potente. Un tema cantabile y flexible, especialmente, recorre la cuerda con insistencia. A este tiempo sucede un Adagio maestoso, en fa mayor, de una noble grandeza, una especie de grave meditación que alcanza una expresiva plenitud hacia el centro de la pieza, con un fortissimo a base de acordes ascendentes en la orquesta que precede a la repetición del tema. Hay que señalar que, triste revancha póstuma, este Adagio se tocó en el entierro del autor.<br />
El Scherzo tiene un carácter fantástico, de esencia romántica muy marcada, y en él la cuerda gira sobre las precisas acentuaciones del viento. Un recuerdo del Adagio precede al final, que se encadena directamente con el Allegro Molto, que es sin dudas la página más asombrosa de la obra en dos aspectos: Berwald logra en ella una construcción que anticipa con mucho la evolución de la sinfonía romántica en una síntesis estilística de los anteriores movimientos; y por otra parte, la facilidad y la fuerza de la escritura nos impresiona: sucesión de secuencias melódicas y rítmicas contrastadas, soberana libertad en las modulaciones, potencia concisa de las ideas, que redundan en dinámicas opuestas bajo iluminaciones fugaces y vivamente resaltadas. Una breve y magnífica llamada de los trombones concluye la obra.” (1)<br />
<br />
<object height="405" width="500"><param name="movie" value="http://www.youtube.com/v/OaTzcX_1vhs&hl=en_US&fs=1&rel=0&color1=0x402061&color2=0x9461ca&border=1"><param name="allowFullScreen" value="true"><param name="allowscriptaccess" value="always"><embed src="http://www.youtube.com/v/OaTzcX_1vhs&hl=en_US&fs=1&rel=0&color1=0x402061&color2=0x9461ca&border=1" type="application/x-shockwave-flash" allowscriptaccess="always" allowfullscreen="true" width="500" height="405"></embed></object><br />
</em></span></strong><br />
<div align="justify"><strong><span style="color: #741b47; font-family: times new roman; font-size: 130%;"><em></em></span></strong></div><div align="justify"><strong><span style="color: #741b47; font-family: times new roman; font-size: 130%;"><em>Bibliografía</em></span></strong></div><div align="justify"><strong><span style="color: #741b47; font-family: times new roman; font-size: 130%;"><em></em></span></strong></div><div align="justify"><strong><span style="color: #741b47; font-family: times new roman; font-size: 130%;"><em>(1) Guía de la música sinfónica / bajo la dirección de François-René Tranchefort... [et.al.] ; versión española de Eduardo Rincón. — 2a ed. — Madrid : Alianza, 2002 (pp. 152-153)</em></span></strong><br />
<div align="justify"><strong><span style="color: #741b47; font-family: times new roman; font-size: 130%;"><em></em></span></strong></div><div align="justify"><span style="color: #741b47;"><br />
</span><br />
<span style="color: #741b47;"><br />
</span><br />
<span style="color: #741b47;"><br />
</span><br />
<span style="color: #741b47;"><br />
</span><br />
<span style="color: #741b47; font-family: times new roman; font-size: 130%;"><em></em></span></div></div></div></div>Sara Bhttp://www.blogger.com/profile/17394015310016437875noreply@blogger.com3tag:blogger.com,1999:blog-8414950884106476103.post-47228069378218764472009-11-26T16:47:00.000-08:002010-09-14T16:27:03.082-07:00Día Internacional de la Eliminación de la Violencia Contra la Mujer (25 Noviembre)<div style="text-align: justify;"><strong><br />
<span style="color: #351c75;"></span></strong></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><strong style="clear: left; cssfloat: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><span style="color: #351c75;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhxw21juzVyJkxj19vj7BrO7zEjh_YkV_3L2FK2gXcJev0NB3uPQGnTyo9MYP4aqycJ0hCfqVOUKX2KRKnKuq14mkU_cVl6CQFClaUlS6JszKCXxsh_JHZ4A3gN7OsoLgNrtZOraq3NaCkP/s400/2.jpg" yr="true" /></span></strong></div><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhxw21juzVyJkxj19vj7BrO7zEjh_YkV_3L2FK2gXcJev0NB3uPQGnTyo9MYP4aqycJ0hCfqVOUKX2KRKnKuq14mkU_cVl6CQFClaUlS6JszKCXxsh_JHZ4A3gN7OsoLgNrtZOraq3NaCkP/s1600/2.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><span style="font-family: Georgia, "Times New Roman", serif;"></span></a><div style="text-align: justify;"><span style="color: #351c75;"><strong></strong><span style="font-family: Georgia, "Times New Roman", serif;"></span></span></div><div style="text-align: justify;"><span style="color: #351c75;"><br />
</span></div><div style="text-align: justify;"><strong><span style="color: #351c75;"></span></strong></div><div style="text-align: justify;"><strong><span style="color: #351c75;"></span></strong></div><div style="text-align: justify;"><em><span style="color: #351c75; font-family: Georgia, "Times New Roman", serif;"><strong>Debemos hacer frente común. La violencia contra la mujer no puede ser tolerada, en ninguna forma, en ningún contexto, en ninguna circunstancia, por ningún dirigente político ni por ningún gobierno.</strong></span></em></div><div style="text-align: justify;"><strong><br />
<span style="color: #351c75;"></span></strong></div><div style="text-align: justify;"><em><span style="color: #351c75; font-family: Georgia, "Times New Roman", serif; font-size: x-small;"><strong>- Ban Ki-Moon, Secretario General de las Naciones Unidas</strong></span></em></div><div style="text-align: justify;"><span style="color: #351c75;"><strong></strong><span style="font-family: Georgia, "Times New Roman", serif;"></span></span></div><div style="text-align: justify;"><span style="color: #351c75;"><br />
</span></div><div style="text-align: justify;"><strong><span style="color: #351c75;"></span></strong></div><div style="text-align: justify;"><strong><span style="color: #351c75;"></span></strong></div><div style="text-align: justify;"><span style="color: #351c75; font-family: Georgia, "Times New Roman", serif;"><strong><em>El 17 de noviembre de 1999, a través de la Resolución 54/134, la Asamblea General de las Naciones Unidas declaró el 25 de noviembre como el “Día Internacional de la Eliminación de la Violencia contra la Mujer”. La fecha fue elegida en conmemoración del brutal asesinato en 1960 de las tres hermanas Mirabal, activistas políticas de la República Dominicana, por orden del gobernante dominicano Rafael Trujillo (1930-1961). El 20 de diciembre de 1993, la Asamblea General aprobó la </em></strong></span><a href="http://daccess-dds-ny.un.org/doc/UNDOC/GEN/N94/095/08/PDF/N9409508.pdf?OpenElement"><span style="color: #351c75; font-family: Georgia, "Times New Roman", serif;"><strong><em>Declaración Sobre la Eliminación de la Violencia Contra la Mujer</em></strong></span></a><span style="color: #351c75; font-family: Georgia, "Times New Roman", serif;"><strong><em> (A/RES/48/104).</em></strong></span></div><div style="text-align: justify;"><strong><br />
<span style="color: #351c75;"></span></strong></div><div style="text-align: justify;"><span style="color: #351c75; font-family: Georgia, "Times New Roman", serif;"><strong>Por favor, permítanme unos minutos. La violencia no está solamente en el abuso físico, léase golpes. La violencia psicológica y sexual es terrible. El abuso psicológico se utiliza de forma sistemática para degradar a la víctima, destruir la autoestima. En este caso estamos hablando de las mujeres como víctimas, pero sabemos perfectamente que hay muchos hombres que sufren estos mismos abusos. Pero no nos vayamos del tema, por ahora. La violencia física se detecta muy facil, porque deja huellas visibles: moretones, quebraduras, quemaduras, etc. </strong></span></div><div style="text-align: justify;"><strong><br />
<span style="color: #351c75;"></span></strong></div><div style="text-align: justify;"><span style="color: #351c75; font-family: Georgia, "Times New Roman", serif;"><strong>Pero las cicatrices que deja el abuso psicológico en la psique y en el alma son mucho más difíciles de detectar. No, en realidad no son díficiles de detectar: a la víctima le resulta más difícil buscar ayuda y obtenerla. En primer lugar, la manipulación de la violencia psicológica socava y termina destruyendo la autoestima de la víctima. Los daños son tremendos, si es que logra darse cuenta y busca ayuda, le es dificil conseguirla.</strong></span></div><div style="text-align: justify;"><strong><br />
<span style="color: #351c75;"></span></strong></div><div style="text-align: justify;"><strong><span style="color: #351c75;"><span style="font-family: Georgia, "Times New Roman", serif;">Pero por favor, no seamos hipócritas. En este día tan especial, démonos cuenta de que l</span><span style="font-family: Georgia, "Times New Roman", serif;">as mujeres también pueden ser sumamente crueles a la hora de agredir, física o psicológicamente, a otras mujeres. De nada sirve que portemos estandartes, que hagamos campañas, en contra de los abusos de género. </span></span></strong></div><div style="text-align: justify;"><span style="color: #351c75;"><br />
</span></div><div style="text-align: justify;"><span style="color: #351c75; font-family: Georgia, "Times New Roman", serif;"><strong>Si usted, señora/señorita, permite, tolera, que su novio/marido/amante/amigovio se burle o insulte a otra mujer, está siendo cómplice de abuso. O cuando hablan de la "puta que vive en la otra cuadra" (porque tiene amigos varones y para colmo, la muy atorranta, es ¡soltera!) o de la "lesbiana" (porque tiene amigas mujeres). Finalmente, les cuento que no tiene sentido que vayan a la iglesia todos los domingos a golpearse el pecho y cantar salmos; en el confesionario, ¿quién confiesa haberle hecho daño de palabra a otra persona? (Algún día voy a hablar respecto a esto, sobre el bien y el mal inherente al ser humano. Y por qué se utiliza la condición física, la condición sexual, la raza, o el credo, como insulto). </strong></span></div><div style="text-align: justify;"><span style="color: #351c75;"><br />
</span></div><div style="text-align: justify;"><span style="color: #351c75; font-family: Georgia, "Times New Roman", serif;"><strong>Pero por ahora, los dejo. Solamente quiero que las damas que lean este brevísimo texto, consideren lo que dije: hagan la prueba, chicas, traten de no burlarse más de otras chicas, traten de no permitirles a sus amigos que se burlen de otras chicas, hagan la prueba. Y ahí sí, podremos empezar a luchar en serio en contra de la violencia de género. </strong></span></div><div style="text-align: justify;"><strong><br />
<span style="color: #351c75;"></span></strong></div><div style="text-align: justify;"><strong><span style="color: #351c75; font-family: Georgia, "Times New Roman", serif;">Muchas gracias!</span><span style="font-family: Georgia, "Times New Roman", serif;"></span></strong><span style="font-family: Georgia, "Times New Roman", serif;"></span><span style="font-family: Georgia, "Times New Roman", serif;"></span><span style="font-family: Georgia, "Times New Roman", serif;"></span></div><div style="text-align: justify;"><span style="color: #351c75;"><br />
</span></div><div style="text-align: justify;"><strong><span style="color: #351c75;"></span></strong></div><div style="text-align: justify;"><strong><span style="color: #351c75;"></span></strong></div><div style="text-align: justify;"><span style="color: #351c75;"><br />
</span></div><div style="text-align: justify;"><strong><span style="color: #351c75;"></span></strong></div><div style="text-align: justify;"><strong><span style="color: #351c75;"></span></strong></div><div style="text-align: justify;"><span style="color: #351c75;"><br />
</span></div><div style="text-align: justify;"><strong><span style="color: #351c75;"></span></strong></div><div style="text-align: justify;"><strong><span style="color: #351c75;"></span></strong></div><div style="text-align: justify;"><span style="color: #351c75; font-family: Georgia, "Times New Roman", serif;"><strong></strong></span></div><strong><div style="text-align: justify;"><span style="color: #351c75;"><br />
</span></div></strong>Sara Bhttp://www.blogger.com/profile/17394015310016437875noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-8414950884106476103.post-25303809323302390942009-11-11T15:12:00.000-08:002010-09-14T16:27:20.787-07:00Arthur Honegger (1892-1955)<div style="text-align: justify;"><span style="color: #660000;"><br />
</span></div><div style="text-align: justify;"><span style="color: #660000;"><br />
</span></div><div style="text-align: justify;"><strong><br />
<em><span style="color: #660000; font-family: Georgia, "Times New Roman", serif;"></span></em></strong></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi69uNp4Mh0CPYofDF9ZtStMXaEBlE05rQz0wMqwod4FLgmSWCzgnk85hXds6b3YQFt5kI4j4pO_O3-1UIes0wUuO5rFzZ8Altl_GEiscntwqENt1LGWSVrTeGYETAgbGbTDUK6qLUxwp8h/s1600-h/honeggerarthur.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; cssfloat: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><strong><em><span style="color: #660000; font-family: Georgia, "Times New Roman", serif;"><img border="0" sr="true" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi69uNp4Mh0CPYofDF9ZtStMXaEBlE05rQz0wMqwod4FLgmSWCzgnk85hXds6b3YQFt5kI4j4pO_O3-1UIes0wUuO5rFzZ8Altl_GEiscntwqENt1LGWSVrTeGYETAgbGbTDUK6qLUxwp8h/s320/honeggerarthur.jpg" /></span></em></strong></a></div><div style="text-align: justify;"><strong><em><span style="color: #660000; font-family: Georgia, "Times New Roman", serif;">Arthur (Oscar) Honegger fue un notable compositor suizo, que nació en Francia y vivió gran parte de su vida en París. Fue miembro del Grupo de los Seis. La obra de su autoría que más se interpreta es posiblemente “Pacific 231”, que imita el sonido de una locomotora a vapor.</span></em></strong></div><div style="text-align: justify;"><strong><br />
<em><span style="color: #660000; font-family: Georgia, "Times New Roman", serif;"></span></em></strong></div><div style="text-align: justify;"><strong><em><span style="color: #660000; font-family: Georgia, "Times New Roman", serif;">Arthur Honegger nació de padres suizos (su padre, que yo sepa, era de Zurich). Al principio estudió armonía y violín en París, y tras un breve periodo en Zurich regresgó a estudiar con Charles Widor y Vincent d´Indy. En 1918 escribió el ballet “Le dit des jeux du monde”, que por lo general se considera como su primera obra característica. En 1926 se casó con Andrée Vaurabourg, pianista y antigua compañera de estudios en el Conservatorio de París. Tuvieron una hija, Pascale, que nació en 1932. Honegger tuvo también un hijo, Jean-Claude (1926-2003), con la cantante Claire Croiza.</span></em></strong></div><div style="text-align: justify;"><strong><br />
<em><span style="color: #660000; font-family: Georgia, "Times New Roman", serif;"></span></em></strong></div><div style="text-align: justify;"><strong><em><span style="color: #660000; font-family: Georgia, "Times New Roman", serif;">A principios de la década de 1920, Arthur Honegger saltó a la fama con su “salmo dramático”, “Le Roi David”, que todavía está en su repertorio coral. Entre la Primera y la Segunda Guerra Mundial fue bastante prolífico. Compuso la música para el film épico “Napoleón”, de Abel Gance, 1927. Compuso nueve ballets y tres obras vocales, entre otras. Una de esas obras escénicas, “Jeanne d´Arc au bücher” (1935), un “oratorio dramático”, es considerada una de sus obras más finas. Además de obras escritas en solitario, colaboró también con Jacques Ibert en una ópera (L´Aiglon, 1937) y una opereta. Durante este periodo compuso “Danse de la Chévre” (1921), una pieza esencial en el repertorio de la flauta. Dedicado a René Le Roy y escrita para flauta sola, esta pieza es vivaz y juvenil, pero con la misma franqueza de toda la obra de Honegger.</span></em></strong></div><div style="text-align: justify;"><strong><br />
<em><span style="color: #660000; font-family: Georgia, "Times New Roman", serif;"></span></em></strong></div><div style="text-align: justify;"><strong><em><span style="color: #660000; font-family: Georgia, "Times New Roman", serif;">Arthur Honegger siempre había estado en contacto con Suiza, el país natal de sus padres; pero con el estallido de la guerra y la invasión de los Nazis, se encontró atrapado en París. Se unió a la Resistencia Francesa, y en general no se vio afectado por los mismos Nazis, que le permitieron continuar con su obra sin demasiadas interferencias. Pero igual se deprimió muchísimo por la guerra. </span></em></strong></div><div style="text-align: justify;"><strong><br />
<em><span style="color: #660000; font-family: Georgia, "Times New Roman", serif;"></span></em></strong></div><div style="text-align: justify;"><strong><em><span style="color: #660000; font-family: Georgia, "Times New Roman", serif;">Entre el estallido de la guerra y su muerte, escribió sus últimas cuatro sinfonías (de la número dos a la cinco), que están entre las obras sinfónicas más impactantes del siglo XX. De estas, la tercera, subtitulada “Symphonie liturgique”, y con sus tres movimientos que evocan la Misa Latina (Dies Irae, De profundis clamavi, Dona nobis pacem), posiblemente es la más conocida. Escrita en 1946, justo después de terminada la guerra, tiene paralelismos con la “Sinfonia da Requiem”, de Benjamin Britten (1940). En un completo contraste con su obra, está la Sinfonía No. 4, lírica, nostálgica, subtitulada “Deliciae Basiliensis” (los placeres de Basilea”), escrita como un tributo a los días de descanso que pasaba en aquella ciudad suiza durante la guerra.</span></em></strong></div><div style="text-align: justify;"><strong><br />
<em><span style="color: #660000; font-family: Georgia, "Times New Roman", serif;"></span></em></strong></div><div style="text-align: justify;"><strong><em><span style="color: #660000; font-family: Georgia, "Times New Roman", serif;">Arthur Honegger fue muy conocido como un gran entusiasta, y una vez dijo: “Siempre he amado con pasión a las locomotoras. Para mí son criaturas vivientes, y las amo al igual que otros aman a las mujeres o a los caballos”. Su “movimiento sinfónico”, “Pacific 231” (una representación de una locomotora a vapor) le ganó una gran notoriedad en 1923. En 1953 escribió su última composición, “A Christmas Cantata”. </span></em></strong></div><div style="text-align: justify;"><strong><br />
<em><span style="color: #660000; font-family: Georgia, "Times New Roman", serif;"></span></em></strong></div><div style="text-align: justify;"><strong><em><span style="color: #660000; font-family: Georgia, "Times New Roman", serif;">Arthur Honegger murió en su casa el 27 de noviembre de 1955, y fue sepultado en el Cimetiére Saint-Vincent, en el barrio de Montmartre, de París.</span></em></strong></div><div style="text-align: justify;"><strong><br />
<em><span style="color: #660000; font-family: Georgia, "Times New Roman", serif;"></span></em></strong></div><div style="text-align: justify;"><strong><em><span style="color: #660000; font-family: Georgia, "Times New Roman", serif;">Los elementos del estilo de Arthur Honegger son: el contrapunto Bachiano, ritmos dinámicos, armonías altamente coloridas, amplitud melódica, un uso impresionista de las sonoridades orquestales, y una preocupación particular por la arquitectura formal. Su estilo tiene más peso y es más solemne que el de sus colegas del Grupo de los Seis. Lejos de reaccionar contra el Romanticismo alemán, como lo hacían los miembros del Grupo, las obras maduras de Honegger muestran evidencias de su influencia distintiva. A pesar de las diferencias en sus estilos, Honegger y Milhaud eran grandes amigos, incluso habían estudiado juntos en el Conservatorio de París. Milhaud le dedicó su cuarto quinteto de cuerdas a la memoria de Arthur, mientras que Francis Poulenc le dedicó su Sonata para Clarinete.</span></em></strong></div><div style="text-align: justify;"><strong><br />
<em><span style="color: #660000; font-family: Georgia, "Times New Roman", serif;"></span></em></strong></div><div style="text-align: justify;"><strong><em><span style="color: #660000; font-family: Georgia, "Times New Roman", serif;">Arthur Honegger: Pacific 231</span></em></strong></div><div style="text-align: justify;"><strong><br />
<em><span style="color: #660000; font-family: Georgia, "Times New Roman", serif;"></span></em></strong></div><div style="text-align: justify;"><strong><em><span style="color: #660000; font-family: Georgia, "Times New Roman", serif;"><object height="405" width="500"><param name="movie" value="http://www.youtube.com/v/JR2YoFcVPUo&hl=en&fs=1&rel=0&color1=0x402061&color2=0x9461ca&border=1"></param><param name="allowFullScreen" value="true"></param><param name="allowscriptaccess" value="always"></param><embed src="http://www.youtube.com/v/JR2YoFcVPUo&hl=en&fs=1&rel=0&color1=0x402061&color2=0x9461ca&border=1" type="application/x-shockwave-flash" allowscriptaccess="always" allowfullscreen="true" width="500" height="405"></embed></object></span></em></strong></div><div style="text-align: justify;"><strong><br />
<em><span style="color: #660000; font-family: Georgia, "Times New Roman", serif;"></span></em></strong></div><div style="text-align: justify;"><strong><em><span style="color: #660000; font-family: Georgia, "Times New Roman", serif;">Arthur Honegger: Pastorale d´été. The Netherlands Radio Philharmonic Orchestra, direcc: Jean Fournet.</span></em></strong></div><div style="text-align: justify;"><strong><br />
<em><span style="color: #660000; font-family: Georgia, "Times New Roman", serif;"></span></em></strong></div><div style="text-align: justify;"><strong><em><span style="color: #660000; font-family: Georgia, "Times New Roman", serif;"><object height="405" width="500"><param name="movie" value="http://www.youtube.com/v/llSpkFyd3g0&hl=en&fs=1&rel=0&color1=0x402061&color2=0x9461ca&border=1"></param><param name="allowFullScreen" value="true"></param><param name="allowscriptaccess" value="always"></param><embed src="http://www.youtube.com/v/llSpkFyd3g0&hl=en&fs=1&rel=0&color1=0x402061&color2=0x9461ca&border=1" type="application/x-shockwave-flash" allowscriptaccess="always" allowfullscreen="true" width="500" height="405"></embed></object></span></em></strong></div><div style="text-align: justify;"><span style="color: #660000;"><br />
</span></div><div style="text-align: justify;"><strong><em><span style="color: #660000; font-family: Georgia, "Times New Roman", serif;">Fuente: Bach Cantatas Website</span></em></strong></div><div style="text-align: justify;"><strong><em><span style="color: #660000; font-family: Georgia, "Times New Roman", serif;">véase: http://www.bach-cantatas.com/Lib/Honegger-Arthur.htm</span></em></strong></div>Sara Bhttp://www.blogger.com/profile/17394015310016437875noreply@blogger.com2tag:blogger.com,1999:blog-8414950884106476103.post-89225869267208584362009-10-21T15:11:00.000-07:002010-09-14T16:27:39.660-07:00Ludwig van Beethoven (1770-1827)<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi8Pl8GI6q0tlfG9G3dKpWzUkkCk-4Svw1djwEw7mNu0o3ZKNFJ_WR9CibfnppJXoJFY4JlDVNIuWBUBhWqgQ75VKdfCrWAmF_NVTpGRXHE52k7_kPzLG5BE7NZvpnVpV6S4p2Zsfm_1ZqU/s1600-h/beethoven2.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; cssfloat: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><span style="color: #073763; font-family: Georgia, "Times New Roman", serif;"><strong><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi8Pl8GI6q0tlfG9G3dKpWzUkkCk-4Svw1djwEw7mNu0o3ZKNFJ_WR9CibfnppJXoJFY4JlDVNIuWBUBhWqgQ75VKdfCrWAmF_NVTpGRXHE52k7_kPzLG5BE7NZvpnVpV6S4p2Zsfm_1ZqU/s320/beethoven2.jpg" vr="true" /></strong></span></a></div><div style="text-align: justify;"><span style="color: #073763; font-family: Georgia, "Times New Roman", serif;"><strong>"Era bajo y rechoncho, de aspecto sano y complexión atlética. Tenía la cara ancha y rubicunda, excepto al final de su vida, en que se tornó enfermiza y amarillenta, sobre todo en invierno, cuando permanecía encerrado, lejos del campo; la frente era poderosa y abultada; el pelo, muy negro y espeso, todo alborotado como si nunca hubiese sido tocado por el peine, siendo sus cabellos cuan “serpientes de Medusa” (1). Sus ojos brillaban con una fuerza tal que impresionaba a todos cuantos les veían, pero casi todo el mundo se engañó en cuanto a su color. Como llameaban con un brillo salvaje en un rostro oscuro y trágico, generalmente se les creyó negros; no lo eran, sino de un azul grisáceo (2); pequeños y muy hundidos, se abrían bruscamente bajo los efectos de la pasión o la cólera, y entonces giraban en sus órbitas, reflejando todos sus pensamientos con maravillosa fidelidad (3); muy a menudo, se volvían al cielo con mirada melancólica. La nariz era chata y grande, como jeta de león. La boca delicada, si bien el labio inferior tendía a sobresalir del otro; mandíbulas temibles, capaces de partir nueces. Al lado derecha de la barbilla, un profundo hoyuelo daba a su rostro una extraña disimetría. “Su sonrisa era bondadosa, dice Moscheles, y en la conversación adoptaba a menudo un aspecto amable y alentador. Por el contrario, su risa era desagradable, fuerte y fingida; de corta duración por otra parte”: la risa de un hombre no habituado a la alegría. </strong></span></div><div style="text-align: justify;"><br />
<strong><span style="color: #073763;"></span></strong></div><span style="color: #073763; font-family: Georgia, "Times New Roman", serif;"><strong></strong></span><br />
<div style="text-align: justify;"><br />
<strong><span style="color: #073763;"></span></strong></div><span style="color: #073763; font-family: Georgia, "Times New Roman", serif;"><strong></strong></span><br />
<div style="text-align: justify;"><span style="color: #073763; font-family: Georgia, "Times New Roman", serif;"><strong>Su expresión normal era melancólica, de “una tristeza incurable”. En 1825, Rellstab dice que tiene que hacer acopio de todas sus fuerzas para no llorar, al ver “sus dulces ojos y su dolor penetrante”. Braun von Braunthal lo encuentra, un año después, en una cervecería; sentado en un rincón, fuma en una larga pipa y está con los ojos cerrados, como lo hace cada vez con más frecuencia, a medida que se va acercando a la muerte. Un amigo le habla. Beethoven sonríe tristemente, saca del bolsillo un librito de conversación y, con esa voz chillona que los sordos tienen muy a menudo, le dice que escriba lo que le quiere preguntar. Su rostro se transfiguraba, ya en sus accesos de inspiración repentina que le acometían de improviso –incluso en la calle, llenando de asombro a los transeúntes-, o cuando se le sorprendía al piano. “Se le ponían tensos los músculos de la cara, se le hinchaban las venas; sus ojos salvajes se hacían doblemente terribles, le temblaba la boca; parecía un brujo poseído por los demonios que él mismo ha evocado”. Talmente como una cara de Shakespeare (4). Julius Benedict dice: “El Rey Lear”.</strong></span></div><div style="text-align: justify;"><br />
<strong><span style="color: #073763;"></span></strong></div><span style="color: #073763; font-family: Georgia, "Times New Roman", serif;"><strong></strong></span><br />
<div style="text-align: justify;"><span style="color: #073763; font-family: Georgia, "Times New Roman", serif;"><strong>Notas</strong></span></div><div style="text-align: justify;"><br />
<strong><span style="color: #073763;"></span></strong></div><span style="color: #073763; font-family: Georgia, "Times New Roman", serif;"><strong></strong></span><br />
<div style="text-align: justify;"><span style="color: #073763; font-family: Georgia, "Times New Roman", serif;"><strong>1. J. Russell (1822). Carlos Czerny, que en 1801, siendo todavía niño, vio a Beethoven con barba de varios días y una melena salvaje, trajeado con una chaqueta y un pantalón de pelo de cabra, creyó haberse encontrado con Robinson Crusoe.</strong></span></div><div style="text-align: justify;"><br />
<strong><span style="color: #073763;"></span></strong></div><span style="color: #073763; font-family: Georgia, "Times New Roman", serif;"><strong></strong></span><br />
<div style="text-align: justify;"><span style="color: #073763; font-family: Georgia, "Times New Roman", serif;"><strong>2. Observación del pintor Koebler, que pintó su retrato hacia 1818.</strong></span></div><div style="text-align: justify;"><br />
<strong><span style="color: #073763;"></span></strong></div><span style="color: #073763; font-family: Georgia, "Times New Roman", serif;"><strong></strong></span><br />
<div style="text-align: justify;"><span style="color: #073763; font-family: Georgia, "Times New Roman", serif;"><strong>3. “Unos ojos bellos y habladores”, dice el Dr. W. C. Müller, “tan pronto dulces y joviales como extraviados, amenazadores y terribles” (1825).</strong></span></div><div style="text-align: justify;"><br />
<strong><span style="color: #073763;"></span></strong></div><span style="color: #073763; font-family: Georgia, "Times New Roman", serif;"><strong></strong></span><br />
<div style="text-align: justify;"><span style="color: #073763; font-family: Georgia, "Times New Roman", serif;"><strong>4. Koebler dice: “de Ossian”. Todos estos detalles están tomados de las notas de amigos de Beethoven, o de extranjeros que le vieron, como Szerny, Moscheles, Koebler, Daniel Amadeus Atterbohm, W. C. Müller, J. Russel, Julius Benedict, Rochlitz, etc.</strong></span></div><div style="text-align: justify;"><br />
<strong><span style="color: #073763;"></span></strong></div><span style="color: #073763; font-family: Georgia, "Times New Roman", serif;"><strong></strong></span><br />
<div style="text-align: justify;"><span style="color: #073763; font-family: Georgia, "Times New Roman", serif;"><strong>Bibliografía</strong></span></div><div style="text-align: justify;"><br />
<strong><span style="color: #073763;"></span></strong></div><span style="color: #073763; font-family: Georgia, "Times New Roman", serif;"><strong></strong></span><br />
<div style="text-align: justify;"><span style="color: #073763; font-family: Georgia, "Times New Roman", serif;"><strong>Romain Rolland. Vida de Beethoven / trad. de Félix Caballero Robredo. – en: Romain Rolland. Obras Escogidas.—México: Aguilar, 1966 (Biblioteca Premios Nobel), pp. 381-382</strong></span></div><div style="text-align: justify;"><br />
<strong><span style="color: #073763;"></span></strong></div><span style="color: #073763; font-family: Georgia, "Times New Roman", serif;"><strong></strong></span><br />
<div style="text-align: justify;"><span style="color: #073763; font-family: Georgia, "Times New Roman", serif;"><strong>"Amada Inmortal"</strong></span></div><div style="text-align: justify;"><br />
<strong><span style="color: #073763;"></span></strong></div><span style="color: #073763; font-family: Georgia, "Times New Roman", serif;"><strong></strong></span><br />
<div style="text-align: justify;"><span style="color: #073763; font-family: Georgia, "Times New Roman", serif;"><strong><object height="405" width="500"><param name="movie" value="http://www.youtube.com/v/nJGESRc3XfY&hl=en&fs=1&rel=0&color1=0x3a3a3a&color2=0x999999&border=1"></param><param name="allowFullScreen" value="true"></param><param name="allowscriptaccess" value="always"></param><embed src="http://www.youtube.com/v/nJGESRc3XfY&hl=en&fs=1&rel=0&color1=0x3a3a3a&color2=0x999999&border=1" type="application/x-shockwave-flash" allowscriptaccess="always" allowfullscreen="true" width="500" height="405"></embed></object></strong></span></div><div style="text-align: justify;"><br />
<strong><span style="color: #073763;"></span></strong></div><span style="color: #073763; font-family: Georgia, "Times New Roman", serif;"><strong></strong></span><br />
<div style="text-align: justify;"><span style="color: #073763; font-family: Georgia, "Times New Roman", serif;"><strong><object height="405" width="500"><param name="movie" value="http://www.youtube.com/v/KTb9BEi1PP4&hl=en&fs=1&rel=0&color1=0x3a3a3a&color2=0x999999&border=1"></param><param name="allowFullScreen" value="true"></param><param name="allowscriptaccess" value="always"></param><embed src="http://www.youtube.com/v/KTb9BEi1PP4&hl=en&fs=1&rel=0&color1=0x3a3a3a&color2=0x999999&border=1" type="application/x-shockwave-flash" allowscriptaccess="always" allowfullscreen="true" width="500" height="405"></embed></object></strong></span></div>Sara Bhttp://www.blogger.com/profile/17394015310016437875noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-8414950884106476103.post-21336130518432742302009-09-29T15:53:00.000-07:002010-09-14T16:27:58.953-07:00Música Klezmer<div align="justify"><span style="color: #b45f06;"><br />
</span></div><div align="justify" class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhgUJuzFHIhPsZJ0fCg82xexlcwziq0lLFWh5yGnAjXEbmSch7yct6tD73enFNWQI-fX4hK84MSUPQ5yxunZHMZ5Ho-8l3ctFOwnyZs5OPH2Tm7zcRyuYlF82KSIG4t-q8wYfGDv4itJZqd/s1600-h/_144237_amsterdam_klezmer_band_1.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; cssfloat: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><strong><em><span style="color: #b45f06; font-size: large;"><img border="0" iq="true" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhgUJuzFHIhPsZJ0fCg82xexlcwziq0lLFWh5yGnAjXEbmSch7yct6tD73enFNWQI-fX4hK84MSUPQ5yxunZHMZ5Ho-8l3ctFOwnyZs5OPH2Tm7zcRyuYlF82KSIG4t-q8wYfGDv4itJZqd/s320/_144237_amsterdam_klezmer_band_1.jpg" /></span></em></strong></a></div><div align="justify"><strong><em><span style="color: #b45f06; font-size: large;">Permítanme presentarles la música Klezmer, que forma parte del repertorio tradicional de la música judía. Naturalmente, esta es simplemente una presentación, posiblemente continúe con el artículo en la sección "Música del Mundo". Decidí publicar esta primera parte aquí porque si bien no forma parte de lo que entendemos por "música clásica occidental" (o música culta, o como quieran llamarle), es parte del acervo cultural de la humanidad. </span></em></strong></div><div align="justify"><span style="color: #b45f06;"><br />
</span></div><div align="justify"><strong><em><span style="color: #b45f06; font-size: large;">Pero como verán, para dar excusas soy un desastre. Lo publico aquí porque sí. La imagen a la izquierda es de la Amsterdam Klezmer Band. Y al final de esta presentación, hay un par de videos, como siempre, con la participación especial de Itzhak Perlman. Espero que les guste, es una música preciosa. Y si les interesa conocer más sobre los instrumentos, los estilos, etc., tendrán que tener paciencia, porque mis neuronas están funcionando a velocidad media últimamente. </span></em></strong></div><div align="justify"><span style="color: #b45f06;"><br />
</span></div><div align="justify"><span style="color: #b45f06;"><br />
</span></div><div align="justify"><strong><em><span style="color: #b45f06; font-size: large;">La música Klezmer se originó en los “shtetl” (aldeas) y ghettos de Europa del Este, donde los trovadores judíos itinerantes, conocidos como “klezmorim”, tocaban en los eventos festivos (simkhes), particularmente bodas, ya desde la temprana Edad Media y hasta en las persecuciones nazis y estalinistas. </span></em></strong></div><div align="justify"><strong><br />
<em><span style="color: #b45f06; font-size: large;"></span></em></strong></div><div align="justify"><strong><em><span style="color: #b45f06; font-size: large;">Se inspiraba en melodías laicas, danzas populares, “khazones” (khazanut, liturgia judía), y en los “nigunim”, melodías simples y frecuentemente si letra, destinadas por los “Hasidim” (judíos ortodoxos) para acercarse a Dios en una especie de comunión ecstática.</span></em></strong></div><div align="justify"><strong><br />
<em><span style="color: #b45f06; font-size: large;"></span></em></strong></div><div align="justify"><strong><em><span style="color: #b45f06; font-size: large;">En el mutuo contacto con músicos eslavos, griegos, otomanos (turcos), árabes, gitanos y (más tarde) jazzistas americanos, los “klezmorim” adquirieron, a través de numerosos cambios de tempo, ritmos irregulares, disonancias y un toque de improvisación, la habilidad de generar una música muy diversificada, fácilmente reconocible y ampliamente valorada alrededor de todo el mundo.</span></em></strong></div><div align="justify"><strong><br />
<em><span style="color: #b45f06; font-size: large;"></span></em></strong></div><div align="justify"><strong><em><span style="color: #b45f06; font-size: large;">Por medio de su abundancia artística y su sonido distintivo, la música Klezmer es única, fácilmente reconocible y universalmente apreciada, tanto por los propios miembros de la etncia como por grandes audiencias en todo el mundo. La música Klezmer es también una invitación al baile, y en nuestros días está experimentando un verdadero renacimiento.</span></em></strong></div><div align="justify"><strong><br />
<em><span style="color: #b45f06; font-size: large;"></span></em></strong></div><div align="justify"><strong><em><span style="color: #b45f06; font-size: large;">Desde el siglo XVI se ha ido agregando letra a la música klezmer, gracias al “badkhn” (maestro de ceremonias en las bodas), el “Purimshpil” (en la fiesta del Purim se lee dos veces el libro de Ester), y el teatro Yiddish.</span></em></strong></div><div align="justify"><strong><br />
<em><span style="color: #b45f06; font-size: large;"></span></em></strong></div><div align="justify"><strong><em><span style="color: #b45f06; font-size: large;">La música klezmer y las canciones yiddish incluyen hoy en día un enorme repertorio, en el cual puede expresarse una amplia gama de emociones humanas, la alegría y la desesperación, la devoción y la rebelión, la meditación y la embriaguez, sin olvidarnos del amor, claro está.</span></em></strong></div><div align="justify"><strong><br />
<em><span style="color: #b45f06; font-size: large;"></span></em></strong></div><div align="justify"><strong><em><span style="color: #b45f06; font-size: large;">Historia de la Música Klezmer</span></em></strong></div><div align="justify"><strong><br />
<em><span style="color: #b45f06; font-size: large;"></span></em></strong></div><div align="justify"><strong><em><span style="color: #b45f06; font-size: large;">“Klezmer: no es sólo música –¡es un estilo de vida!” (Hankus Netsky)</span></em></strong></div><div align="justify"><strong><br />
<em><span style="color: #b45f06; font-size: large;"></span></em></strong></div><div align="justify"><strong><em><span style="color: #b45f06; font-size: large;">La Biblia está llena de descripciones de la música instrumental ritualizada que se tocaba en Jerusalén, pero no sabemos realmente cómo sonaba en aquella época (obviamente, no había sistemas de notación y mucho menos grabadoras). Con la destrucción del segundo Templo de Jerusalén en el año 70 de nuestra era los judíos se precipitaron en el dolor y las órdenes rabínicas (hakakhic) los refrenaron de regocijarse y utilizar instrumentos, salvo el shofar (cuerno de carnero) en Rosh Hashanah y Yom Kippur. (Imagen: shofar)</span></em></strong></div><div align="justify"><strong><br />
<em><span style="color: #b45f06; font-size: large;"></span></em></strong></div><div align="justify" class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjCNo-KfnQwNqo3mXGMp1YxvUbcuMKjNeFEVWW_uh2SUeMxZOQXdcpauu6DBkZswB4C5gvPNl1va4lQkhc74OVaLvUGGl14yU_KXnkty62DCgnadqL_5dMHiitAIgCErOvt5-bl3P6o0ZeP/s1600-h/shofar.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; cssfloat: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><strong><em><span style="color: #b45f06; font-size: large;"><img border="0" iq="true" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjCNo-KfnQwNqo3mXGMp1YxvUbcuMKjNeFEVWW_uh2SUeMxZOQXdcpauu6DBkZswB4C5gvPNl1va4lQkhc74OVaLvUGGl14yU_KXnkty62DCgnadqL_5dMHiitAIgCErOvt5-bl3P6o0ZeP/s320/shofar.jpg" /></span></em></strong></a></div><div align="justify"><strong><br />
<em><span style="color: #b45f06; font-size: large;"></span></em></strong></div><div align="justify"><strong><em><span style="color: #b45f06; font-size: large;">En la Edad Media, los instrumentos musicales se utilizaron nuevamente en eventos profanos y algunas fiestas religiosas alegres, como el Purim, Khanukah o Simkhat Torah. Se afirmaba que los músicos judíos, profesionales o no, solían vagar por toda Europa Oriental, por “shtetl” (aldeas) y ghettos para tocar en varias ocasiones festivas (simkhes) como cumpleaños, la llegada de un nuevo rabino o de una nueva Torá, la visita de una celebridad, la inauguración de una sinagoga, circuncisiones (bris) y en especial bodas (khasene). A menudo pobres y conocidos por preferir el alcohol y las mujeres antes que el estudio de la Torá, estos músicos eran semi-parias en la escala social (yikhes), apenas un poquito más arriba que los mendigos (shnorrers) y criminales (“klezmer”, “klezmeruke” y “klezmeriwke” eran términos usados como insultos), pero fueron ganándose una buena reputación y pronto se hicieron muy solicitados: “Vi der klezmer, azoy di khassene!”.</span></em></strong></div><div align="justify"><strong><br />
<em><span style="color: #b45f06; font-size: large;"></span></em></strong></div><div align="justify"><strong><br />
<em><span style="color: #b45f06; font-size: large;"></span></em></strong></div><div align="justify" class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><strong><br />
<em><span style="color: #b45f06; font-size: large;"></span></em></strong></div><div align="justify" class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><strong><br />
<em><span style="color: #b45f06; font-size: large;"></span></em></strong></div><div align="justify"><strong><em><span style="color: #b45f06; font-size: large;">Algunos de ellos se convirtieron en celebridades por toda Europa: Mikhoel-Yosef Gusikov (1806-1837), que tocaba la flauta y el “shtroyfidl”, un xilófono de fabricación casera, a quien Félix Mendelssohn llama genio en Leipzig (1836), y dos violinistas de Berditshev: Arn-moyshe Kholodenko (también conocido como Pedoster, 1828-1902) y Yossele Drucker (también, Stempenyu, 1822-1879), que inspiró el personaje de Sholem Aleikhem y cuyo sobrenombre se convirtió en sinónimo de virtuoso. Pero hoy queda muy poco de esta música.</span></em></strong></div><div align="justify"><strong><br />
<em><span style="color: #b45f06; font-size: large;"></span></em></strong></div><div align="justify"><strong><br />
<em><span style="color: #b45f06; font-size: large;"></span></em></strong></div><div align="justify" class="separator" style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none; clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg74DumLsQm69yFCchXMD0p-HjVNH4FBvNM0CHQoGGNPcAaPE42_55_MPrHBU5ZW8k5MZ9YcgDk1L6ygj-LgSk1LoIU3L69302M0cnn4EeRc3oJ7OG1CbUS9X_-Y7py3rFzqvg_VlB_2FS8/s1600-h/Pedotser.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; cssfloat: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><strong><em><span style="color: #b45f06; font-size: large;"><img border="0" iq="true" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg74DumLsQm69yFCchXMD0p-HjVNH4FBvNM0CHQoGGNPcAaPE42_55_MPrHBU5ZW8k5MZ9YcgDk1L6ygj-LgSk1LoIU3L69302M0cnn4EeRc3oJ7OG1CbUS9X_-Y7py3rFzqvg_VlB_2FS8/s320/Pedotser.jpg" /></span></em></strong></a><strong><em><span style="color: #b45f06; font-size: large;"> </span></em></strong><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiUqW97HJhr4yFqoaH_NCRL38Dyc7RL5dvfveit8j2Z_aLaa04srziU_ED7cG5QxZmWEIPGvNRFsykL2fKRCekjZa_zXCMnmltTKENXyNEGCYEbMmcAOUsDp9b5eegV9ODmoELEZMh4yIR9/s1600-h/gusikov.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><strong><em><span style="color: #b45f06; font-size: large;"><img border="0" iq="true" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiUqW97HJhr4yFqoaH_NCRL38Dyc7RL5dvfveit8j2Z_aLaa04srziU_ED7cG5QxZmWEIPGvNRFsykL2fKRCekjZa_zXCMnmltTKENXyNEGCYEbMmcAOUsDp9b5eegV9ODmoELEZMh4yIR9/s320/gusikov.jpg" /></span></em></strong></a></div><div align="justify" class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><strong><br />
<em><span style="color: #b45f06; font-size: large;"></span></em></strong></div><div align="justify"><strong><em><span style="color: #b45f06; font-size: large;">Imagen: Pedoster Imagen: Gusikov </span></em></strong></div><div align="justify"><strong><em><span style="color: #b45f06; font-size: large;">En varias ciudades (como Metz, Frankfurt o Praga), la actividad de los músicos judíos estaba fuertemente gravada con impuestos y restringida en cuanto a cuándo podian tocar y cuántos y cuáles instrumentos podían utilizar.</span></em></strong></div><div align="justify"><strong><br />
<em><span style="color: #b45f06; font-size: large;"></span></em></strong></div><div align="justify"><strong><em><span style="color: #b45f06; font-size: large;">A principios del siglo XIX, más de cinco millones de judíos de Europa del Este fueron confinados a unas zonas de asentamiento forzado (guetos), a solo unos pocos kilómetros alrededor de Kiev (Polonia, Lituania, Bielorrusia, Ucrania, Galicia y Moldavia). No se les permitía circular libremente en las ciudades importantes. La mayoría de los músicos aprendía a tocar estrictamente “de oído”, y la profesión pasaba de padre a hijos (las presentaciones de mujeres en público estaban totalmente prohibidas). Hablaban una jerga yiddish (klezmerloshn), llena de anagramas y dobles significados. Formaron “gremios”, parecidos a los sindicatos, actuando como grupos de presión contra el gobierno, y también como mediadores sociales.</span></em></strong></div><div align="justify"><strong><br />
<em><span style="color: #b45f06; font-size: large;"></span></em></strong></div><div align="justify"><strong><em><span style="color: #b45f06; font-size: large;">A fines del siglo XVIII, los judíos se vieron sometidos a tres influencias religiosas diferentes:</span></em></strong></div><div align="justify"><strong><br />
<em><span style="color: #b45f06; font-size: large;"></span></em></strong></div><div align="justify"><strong><em><span style="color: #b45f06; font-size: large;">Occidental, de los Maskilim (miembros de la Haskalah, el movimiento de Iluminación Judía) de Moshe Mendelssohn (1729-1786, abuelo del compositor Félix Mendelssohn), que alentaba la asimilación cultural.</span></em></strong></div><div align="justify"><strong><br />
<em><span style="color: #b45f06; font-size: large;"></span></em></strong></div><div align="justify"><strong><em><span style="color: #b45f06; font-size: large;">Del norte, los Misnagdim (“opositores” o “racionalistas”), liderados por Eliah ben Solomon Zalman, el Gaón de Vilna (1720-1797), valoraban el estudio de los textos sagrados. </span></em></strong></div><div align="justify"><strong><br />
<em><span style="color: #b45f06; font-size: large;"></span></em></strong></div><div align="justify"><strong><em><span style="color: #b45f06; font-size: large;">Mientras que los del Este, los Hasidin (piadosos), seguidores del carismático Israel ben Eliezer, también conocido como Ba´al Shem Tov (Maestro del Divino Nombre, 1700-1760), le asignaban un gran valor a la alegría, las canciones y las danzas como formas de expresar su amor hacia los seres humanos y Dios, en un éxtasis colectivo casi místico.</span></em></strong></div><div align="justify"><strong><br />
<em><span style="color: #b45f06; font-size: large;"></span></em></strong></div><div align="justify"><strong><em><span style="color: #b45f06; font-size: large;">Para los Maskilim en Alemania, Austria, Bohemia y Moravia, yiddish y klezmer tenían que ser reemplazados por la cultura alemana. Pero en Europa Oriental la cultura klezmer floreció y de la corriente Hasídica tomó los “nigunim” (melodías sin palabras), así como la alegría y el fervor. Mezclaron todo en una artística mixtura, con canciones populares, música profana y “hazanut” (cantorial, la forma de cantar las oraciones judías).</span></em></strong></div><div align="justify"><strong><br />
<em><span style="color: #b45f06; font-size: large;"></span></em></strong></div><div align="justify"><strong><em><span style="color: #b45f06; font-size: large;">“Klezmer” es un término yiddish, que combina las palabras hebreas “kley” (vehículo, instrumento) y “zemer” (canción): significa, entonces, instrumento de la canción.</span></em></strong></div><div align="justify"><strong><br />
<em><span style="color: #b45f06; font-size: large;"></span></em></strong></div><div align="justify"><strong><br />
<em><span style="color: #b45f06; font-size: large;"></span></em></strong></div><div align="justify" class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjP3M8bLVpvcSqV3KAqLYgFvLRWRBmneuAL-drcShn4Yh6B-lHJ8Ti8-IUfvTzd9WvvfLqCTKGgGfFuXQpRVJHgj2XJaf6o7PaCERuJf8mRKr4Q9tMdJgeqFRBV6p12wV-hAImANfKMaoEV/s1600-h/KlezYid.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; cssfloat: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><strong><em><span style="color: #b45f06; font-size: large;"><img border="0" iq="true" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjP3M8bLVpvcSqV3KAqLYgFvLRWRBmneuAL-drcShn4Yh6B-lHJ8Ti8-IUfvTzd9WvvfLqCTKGgGfFuXQpRVJHgj2XJaf6o7PaCERuJf8mRKr4Q9tMdJgeqFRBV6p12wV-hAImANfKMaoEV/s320/KlezYid.jpg" /></span></em></strong></a></div><div align="justify"><strong><br />
<em><span style="color: #b45f06; font-size: large;"></span></em></strong></div><div align="justify"><strong><em><span style="color: #b45f06; font-size: large;">Se pronuncia “kleZmer” y no “kleTzmer”.</span></em></strong></div><div align="justify"><strong><br />
<em><span style="color: #b45f06; font-size: large;"></span></em></strong></div><div align="justify"><strong><em><span style="color: #b45f06; font-size: large;">Esta etimología nos permite imaginar que los instrumentos reemplazaron progresivamente a la voz. En un manuscrito del siglo XVI, que se encuentra en el Trinity College de Cambridge, la palabra “klezmer” califica por primera vez al músico y no al instrumento. A partir de esa época, puede distinguirse entre las funciones del “klezmorim” (músico), “letsonim” (animador público), “badkhonim” (bufones de las bodas), y “khazonim” (cantores). Desde entonces, estas calificaciones existen en muchas canciones yiddish antiguas y modernas.</span></em></strong></div><div align="justify"><strong><br />
<em><span style="color: #b45f06; font-size: large;"></span></em></strong></div><div align="justify"><strong><em><span style="color: #b45f06; font-size: large;"><object height="364" width="445"><param name="movie" value="http://www.youtube.com/v/DkmFgQ9fM94&hl=en&fs=1&rel=0&color1=0x5d1719&color2=0xcd311b&border=1"></param><param name="allowFullScreen" value="true"></param><param name="allowscriptaccess" value="always"></param><embed src="http://www.youtube.com/v/DkmFgQ9fM94&hl=en&fs=1&rel=0&color1=0x5d1719&color2=0xcd311b&border=1" type="application/x-shockwave-flash" allowscriptaccess="always" allowfullscreen="true" width="445" height="364"></embed></object></span></em></strong></div><div align="justify"><strong><br />
<em><span style="color: #b45f06; font-size: large;"></span></em></strong></div><div align="justify"><strong><em><span style="color: #b45f06; font-size: large;">Itzhak Perlman - Israel Philharmonic Orchestra. Klezmer Music.</span></em></strong></div><div align="justify"><strong><br />
<em><span style="color: #b45f06; font-size: large;"></span></em></strong></div><div align="justify"><strong><em><span style="color: #b45f06; font-size: large;"><object height="364" width="445"><param name="movie" value="http://www.youtube.com/v/KIqf3lvXkLI&hl=en&fs=1&rel=0&color1=0x5d1719&color2=0xcd311b&border=1"></param><param name="allowFullScreen" value="true"></param><param name="allowscriptaccess" value="always"></param><embed src="http://www.youtube.com/v/KIqf3lvXkLI&hl=en&fs=1&rel=0&color1=0x5d1719&color2=0xcd311b&border=1" type="application/x-shockwave-flash" allowscriptaccess="always" allowfullscreen="true" width="445" height="364"></embed></object></span></em></strong></div><div align="justify"><strong><br />
<em><span style="color: #b45f06; font-size: large;"></span></em></strong></div><div align="justify"><strong><em><span style="color: #b45f06; font-size: large;">Israel Philharmonic Orchestra...</span></em></strong></div><div align="justify"><strong><br />
<em><span style="color: #b45f06; font-size: large;"></span></em></strong></div><div align="justify"><strong><em><span style="color: #b45f06; font-size: large;"><object height="364" width="445"><param name="movie" value="http://www.youtube.com/v/E0DLZ0BhrdE&hl=en&fs=1&rel=0&color1=0x5d1719&color2=0xcd311b&border=1"></param><param name="allowFullScreen" value="true"></param><param name="allowscriptaccess" value="always"></param><embed src="http://www.youtube.com/v/E0DLZ0BhrdE&hl=en&fs=1&rel=0&color1=0x5d1719&color2=0xcd311b&border=1" type="application/x-shockwave-flash" allowscriptaccess="always" allowfullscreen="true" width="445" height="364"></embed></object></span></em></strong></div><div align="justify"><strong><br />
<em><span style="color: #b45f06; font-size: large;"></span></em></strong></div><div align="justify"><strong><br />
<span style="color: #b45f06;">Fuente consultada (con esto quiero decir que no pienso traducir todo estrictamente, simplemente lo tomo como fuente): Klezmer Music in a few words: <br />
http://borzykowski.users.ch/EnglMCKlezmer.htm</span></strong></div>Sara Bhttp://www.blogger.com/profile/17394015310016437875noreply@blogger.com2tag:blogger.com,1999:blog-8414950884106476103.post-90476882808326937552009-09-16T16:27:00.000-07:002010-09-14T16:28:18.175-07:00Orfeo y Eurídice<div align="justify"><span style="color: black; font-family: times new roman; font-size: 130%;"></span></div><div align="justify"><span style="color: black;"></span><strong></strong><br />
<div align="justify"><span style="color: black; font-family: times new roman; font-size: 130%;"></span></div><span style="color: black;"></span><br />
<div align="justify"><strong><span style="color: black; font-family: times new roman; font-size: 130%;"></span></strong></div></div><div align="justify"><strong><span style="color: black; font-family: times new roman; font-size: 130%;">Hoy quisiera deleitar nuestros ojos, más que nuestros oídos. Voy a hablar del mito de Orfeo, que a pesar de que es muy conocido, no deja de ser bellísimo. Dentro del artículo he intercalado algunas pinturas, así tenemos una muestra del arte visual también junto a la música.</span></strong></div><div align="justify"><strong><span style="color: black; font-family: times new roman; font-size: 130%;"></span></strong></div><div align="justify"><strong><span style="color: black; font-family: times new roman; font-size: 130%;">Se trata de una enigmática figura de la mitología griega, símbolo del músico que con los efectos subyugadores de sus acordes conseguía que animales y plantas, incluso las piedras, se moviesen. </span></strong></div><span style="color: black;"></span><strong></strong><br />
<div align="justify"><span style="color: black;"><br />
</span><br />
<span style="color: black;"><br />
</span><br />
<span style="color: black; font-family: times new roman; font-size: 130%;"></span></div><span style="color: black;"></span><br />
<div align="justify"><strong><span style="color: black; font-family: times new roman; font-size: 130%;">También movía a compasión a las divinidades del averno. El mito de Orfeo es uno de los más enigmáticos y cargados de simbolismo dentro de la mitología helénica; se conoce ya desde épocas muy remotas, y evolucionó hasta convertirse en una verdadera teología en torno a la cual se desarrolló una vastísima literatura (en muchos aspectos esotérica). Incluso podría decirse que el mito de Orfeo influyó en la formación del cristianismo primigenio, ya que figura en la iconografía cristiana. </span></strong></div><div align="justify"><span style="color: black; font-family: times new roman; font-size: 130%;"></span><strong><br />
</strong><br />
<div align="justify"><strong><span style="color: black; font-family: times new roman; font-size: 130%;">Orfeo es de origen tracio, así que, igual que las Musas, es vecino del Olimpo. Hijo de una musa y de un dios fluvial de la Tracia, Orfeo llegó a ser un virtuoso del canto y del tañido de la cítara. Lo seguro es que es hijo de Eagro, pero las tradiciones discrepan acerca del nombre de su madre. Se menciona a Calíope, la más elevada en dignidad de las nueve Musas; otras veces, se menciona a Polimnia, o bien, aunque más raramente, a Menipe, hija de Támiris. </span></strong></div><div align="justify"><span style="color: black; font-family: times new roman; font-size: 130%;"></span><strong><br />
</strong><br />
<div align="justify"><strong><span style="color: black; font-family: times new roman; font-size: 130%;">Con respecto a la doctrina de la secta órfica, digamos que sus enseñanzas de sinceridad y pureza se asemejan a las de los pitagóricos. La teoría órfica de la creación del mundo es muy interesante: Cronos engendró un huevo terráqueo, del que salió el primer dios andrógino, Fanes, el cual a su vez engendró a Nyx (la noche). Urano (el cielo) y Gaia (la tierra) son los hijos de Fanes y de Nyx. Zeus, hijo de Cronos (o Saturno) se alzó con el poder y engendró en su hija Deméter a Zagreo, quien fue descuartizado y devorado por los titanes, a quienes finalmente Zeus fulminó con un rayo. Con sus cenizas se modelaron los hombres, en cuyos cuerpos coexisten elementos titánicos (perversos) y bondadosos (los procedentes del cuerpo de Zagreo, que más tarde volvería a la vida como Dionisos). Estos “destellos de los dioses” se verían libres de sus ataduras materiales a través de las enseñanzas purificadoras “órficas”, lo que se considera un precedente de las doctrinas gnósticas y de las posteriores teorías alquimistas. </span></strong></div><div align="justify"><span style="color: black; font-family: times new roman; font-size: 130%;"></span><strong><br />
</strong><br />
<div align="justify"><strong><span style="color: black; font-family: times new roman; font-size: 130%;">Orfeo es el cantor por excelencia. El músico y el poeta. Toca la lira y la cítara. En el caso de la cítara, casi siempre se le atribuye su invención, pero si no, por lo menos le atribuyen la idea de aumentar el número de cuerdas de este instrumento, que primero habían sido siete y pasaron a ser nueve, “por razón del número de las Musas”.</span></strong><br />
<div align="justify"><span style="color: black;"><br />
</span><br />
<strong><span style="color: black; font-family: times new roman; font-size: 130%;">Orfeo entonaba cantos tan dulces que las fieras lo seguían, las plantas y los árboles se inclinaban a escucharlo, y el carácter más agrio de los hombres se suavizaba. </span></strong></div><div align="justify"><span style="color: black; font-family: times new roman; font-size: 130%;"></span><strong><br />
</strong><br />
<div align="justify"><strong><span style="color: black; font-family: times new roman; font-size: 130%;">Orfeo y los Argonautas </span></strong></div><div align="justify"><span style="color: black; font-family: times new roman; font-size: 130%;"></span><strong><br />
</strong><br />
<div align="justify"><strong><span style="color: black; font-family: times new roman; font-size: 130%;">Orfeo participó en la expedición de los Argonautas, pero como era mucho más débil que los otros, no rema: actúa de “jefe de maniobra”, dando la cadencia a los remeros. En una tempestad tranquiliza a los tripulantes y calma a los elementos con sus cantos. Como es el único iniciado en los misterios de Samotracia, suplica a los Cabinos (dioses de estos misterios) en nombre de sus compañeros, pero por supuesto, a cambio, los invita a iniciarse. Mientras las sirenas intentaban seducir a los argonautas, Orfeo logró salvar la situación al superar con cantos más dulces a las hechiceras. En el poema “Argonáuticas órficas” se le atribuían además otras hazañas, como haber conjurado el peligro con operaciones mágicas, en fin. Orfeo aparece como el sacerdote de los Argonautas.</span></strong><br />
<div align="justify"><span style="color: black;"><br />
</span><br />
<strong><span style="color: black; font-family: times new roman; font-size: 130%;">Orfeo y Eurídice</span></strong><br />
<div align="justify"><strong><span style="color: black; font-family: times new roman; font-size: 130%;">El mito más célebre relativo a Orfeo es su descenso a los infiernos por amor a su esposa, Eurídice. Se desarrolló sobre todo como tema literario en la época alejandrina, y el libro IV de las Geórgicas, de Virgilio, nos da de él la versión más rica y acabada.</span></strong><br />
<div align="justify"><strong><span style="color: black; font-family: times new roman; font-size: 130%;"></span></strong></div><div align="justify"><strong><span style="color: black; font-family: times new roman; font-size: 130%;">Eurídice es una ninfa (una dríade) o bien una hija de Apolo. Paseando un día por la orilla de un río de Tracia, fue perseguida por Aristeo, quien intentó violarla. Al correr por la hierba, le mordió una serpiente, y murió. Orfeo, inconsolable, descendió a los infiernos en busca de su esposa. Con los acentos de su lira encanta no sólo a los monstruos del Tártaro, sino incluso a los dioses infernales. Los efectos de esta música divina son impresionantes: la rueda de Ixión deja de girar, la roca de Sísifo queda en equilibrio, Tántalo olvida su hambre y su sed, y hasta las mismas Danaides dejan de llenar su tonel sin fondo. </span></strong></div><div align="justify"><span style="color: black; font-family: times new roman; font-size: 130%;"></span><strong><br />
</strong><br />
<div align="justify"><strong><span style="color: black; font-family: times new roman; font-size: 130%;"></span></strong></div><div align="justify"><strong><span style="color: black; font-family: times new roman; font-size: 130%;">Ante tales pruebas de amor, Hades y Perséfone acceden a restituir a Eurídice al mundo de los vivos, pero con la condición de que Orfeo vuelva a la luz del día, seguido de su esposa, sin volverse a mirarla antes de haber salido de su reino. Orfeo acepta y emprende el camino. Ya casi ha llegado a la luz del sol, cuando le asaltan terribles dudas: ¿no se habrá burlado Perséfone de él? ¿le sigue realmente Eurídice? (En otras versiones se afirma que en realidad se vuelve enceguecido por la pasión). Y se vuelve. Pero Eurídice se desvanece y muere por segunda vez. Orfeo trata de recuperarla nuevamente, pero esta vez Caronte permanece inflexible y le impide el acceso al mundo infernal.</span></strong></div><span style="color: black;"></span><strong></strong><br />
<div align="justify"><span style="color: black;"><br />
</span><br />
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</span><br />
<span style="color: black; font-family: times new roman; font-size: 130%;"></span></div><span style="color: black;"></span><br />
<div align="justify"><strong><span style="color: black; font-family: times new roman; font-size: 130%;"><img alt="" border="0" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5382211473250212130" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg3IFpr6C_SUcS1NXDGbg0FE1OH2Yt4K6LVUPXrPwUibtSLnXJsRsRddRaih0NKR660iD686lAKXiqv5BJv0_aGT800pqpUpjM-4lZ5Ad4JAhSfNNONrJMvWucE_yjrtK4KJ512JNCsqLpF/s400/orfeo7.jpg" style="cursor: hand; display: block; height: 283px; margin: 0px auto 10px; text-align: center; width: 400px;" /><br />
Imagen: Orfeo en el Infierno. Pintura de Jan Brueghel, año 1594 (Renacimiento), que se encuentra en el Palacio Pitti, en Florencia.</span></strong></div><span style="color: black;"></span><strong></strong><br />
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</span><br />
<span style="color: black; font-family: times new roman; font-size: 130%;"></span></div><span style="color: black;"></span><br />
<div align="justify"><strong><span style="color: black; font-family: times new roman; font-size: 130%;">El tema de Orfeo y Eurídice ha tenido frecuentes expresiones artísticas, como por ejemplo en las óperas de Gluck, Monteverdi y Haydn, en cuadros de Tintoretto, Brueghel el Viejo, Rubens, Tiépolo, Feuerbach y L. Corinth).</span></strong><strong></strong><br />
<div align="justify"><span style="color: black;"><br />
</span><br />
<span style="color: black;"><br />
</span><br />
<span style="color: black; font-family: times new roman; font-size: 130%;"></span></div><span style="color: black;"></span><br />
<div align="justify"><strong><span style="color: black; font-family: times new roman; font-size: 130%;"><img alt="" border="0" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5382213020134029778" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiQmASltQKHiB45NjwNepYU_5AXAzeMdM9fX0BvQ-1giiWJqGTEYxA0kIvl_Qb4_BMg73BwP0WiO_dzegW_0bTqdQIT5Xtuxem_xGx5tpZRgE1FXg9pwCCF7xL1wP1ZBG9-PdZtTYoc3SAT/s400/orfeo3.jpg" style="cursor: hand; display: block; height: 333px; margin: 0px auto 10px; text-align: center; width: 400px;" />Imagen: Orfeo guiando a Eurídice desde el Infierno. Camille Corot, 1861. Museo de Bellas Artes, Houston. Orfeo, con lira y corona de laurel, saca del Hades a Eurídice. Al fondo, siluetas de los muertos. Corot es un gran paisajista del realismo francés al que criticaban que incluyera en sus cuadros ninfas en lugar de campesinas.<br />
<br />
La muerte de Orfeo </span></strong></div><div align="justify"><strong><br />
<span style="color: black; font-family: times new roman; font-size: 130%;"></span></strong></div><div align="justify"><strong><span style="color: black; font-family: times new roman; font-size: 130%;"></span></strong></div><div align="justify"><strong><span style="color: black; font-family: times new roman; font-size: 130%;">También en el caso de su muerte, dio origen a innumerables tradiciones.</span></strong><br />
<div align="justify"><strong><span style="color: black; font-family: times new roman; font-size: 130%;">Según la más corriente, fue muerto por las mujeres tracias. Pero los motivos que le valieron su odio varían: a veces, éstas están envidiosas por su fidelidad a la memoria de Eurídice, fidelidad que interpretan como un insulto. Se decía también que Orfeo, no queriendo comercio con las mujeres, se rodeaba de muchachos, y hasta se afirmaba que había inventado la pederastia (su amigo era Calais, hijo de Bóreas). O si no, también, que Orfeo, a su regreso de los Infiernos, había instituido unos misterios basados en experiencias recogidas en el mundo subterráneo, pero había prohibido que fuesen admitidas en ellos las mujeres.</span></strong><br />
<div align="justify"><strong><span style="color: black; font-family: times new roman; font-size: 130%;">En resumidas cuentas, el hecho es que los hombres se reunían con él en una casa cerrada, y siempre dejaban las armas en la puerta; las mujeres tracias aprovecharon esta circunstancia, y una noche, cuando los muchachos salieron de la casa, los asesinaron a todos, empezando por el mismísimo Orfeo, claro.<br />
<br />
Otra explicación se busca en una maldición de Afrodita. Esta diosa tuvo un conflicto con Perséfone a causa de Adonis; esto tuvo que someterse al arbitraje de Calíope: el fallo fue que las dos divinidades podían tener a Adonis una parte del año, alternativamente. Naturalmente esto le molestó a Afrodita, y como no podía vengarse directamente de Calíope, inspiró en las mujeres tracias una pasión violenta por Orfeo: pero tan violenta fue esta pasión, y como no querían cedérselo mutuamente, que terminaron por destrozarlo. </span></strong></div><span style="color: black;"></span><strong></strong><br />
<div align="justify"><span style="color: black;"><br />
</span><br />
<span style="color: black; font-family: times new roman; font-size: 130%;"></span></div><span style="color: black;"></span><br />
<div align="justify"><strong><span style="color: black; font-family: times new roman; font-size: 130%;">Dionisos también pudo haber incitado contra él a sus bacantes (mujeres en éxtasis furioso), humillado porque el cantor sentía mayor respeto por Apolo. La mitología nos dice que Orfeo fue despedazado y las musas recogieron y sepultaron sus miembros dispersos, mientras que su cabeza llegó flotando a Lesbos, la isla de las poetisas.</span></strong><strong></strong><br />
<div align="justify"><span style="color: black;"><br />
</span><br />
<span style="color: black;"><br />
</span><br />
<span style="color: black; font-family: times new roman; font-size: 130%;"></span></div><span style="color: black;"></span><br />
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</span><br />
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgod1uALGDwP_yQDMh9GBY15e8LCFSWkbJUvWdAuZagt1qtNnJDJyVkLwGwRzoqQWB2JLtEkR2NucmDBh4L6lfYbKn7rtndYE5Gw1_p7qiG8129WARElWWjD0Ggp2ZAaUs8b0FCQyxnzSOD/s1600-h/orfeo2.jpg"><strong><span style="color: black; font-family: times new roman; font-size: 130%;"><img alt="" border="0" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5382212256054673858" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgod1uALGDwP_yQDMh9GBY15e8LCFSWkbJUvWdAuZagt1qtNnJDJyVkLwGwRzoqQWB2JLtEkR2NucmDBh4L6lfYbKn7rtndYE5Gw1_p7qiG8129WARElWWjD0Ggp2ZAaUs8b0FCQyxnzSOD/s400/orfeo2.jpg" style="cursor: hand; float: left; height: 400px; margin: 0px 10px 10px 0px; width: 254px;" /></span></strong></a></div><span style="color: black;"></span><strong></strong><br />
<div align="justify"><span style="color: black;"><br />
</span><br />
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</span><br />
<span style="color: black; font-family: times new roman; font-size: 130%;"></span></div><span style="color: black;"></span><br />
<div align="justify"><strong><span style="color: black; font-family: times new roman; font-size: 130%;"></span></strong></div><span style="color: black;"></span><strong></strong><br />
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<span style="color: black; font-family: times new roman; font-size: 130%;"></span></div><span style="color: black;"></span><br />
<div align="justify"><strong><span style="color: black; font-family: times new roman; font-size: 130%;">Imagen: Pintura de Emile Levy, año 1866, se encuentra el el Museo de Orsay. París.</span></strong></div><div align="justify"><span style="color: black;"><br />
</span><br />
<strong><span style="color: black; font-family: times new roman; font-size: 130%;">Las ménades de Dioniso, en delirio místico, se disponen a despedazar a Orfeo después de matarlo. En la parte inferior se aprecia la lira de Orfeo; a la izquierda, una piel de leopardo, símbolo de Dioniso.</span></strong></div><span style="color: black;"></span><strong></strong><strong></strong><strong></strong><br />
<div align="justify"><span style="color: black;"><br />
</span><br />
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</span><br />
<span style="color: black; font-family: times new roman; font-size: 130%;"></span></div><span style="color: black;"></span><br />
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</span><br />
<span style="color: black; font-family: times new roman; font-size: 130%;"></span></div><span style="color: black;"></span><br />
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</span><br />
<span style="color: black; font-family: times new roman; font-size: 130%;"></span></div><span style="color: black;"></span><br />
<div align="justify"><strong><span style="color: black; font-family: times new roman; font-size: 130%;"></span></strong></div><span style="color: black;"></span><strong></strong><br />
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<span style="color: black; font-family: times new roman; font-size: 130%;"></span></div><span style="color: black;"></span><br />
<div align="justify"><strong><span style="color: black; font-family: times new roman; font-size: 130%;"></span></strong></div><span style="color: black;"></span><strong></strong><br />
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</span><br />
<span style="color: black; font-family: times new roman; font-size: 130%;"></span></div><span style="color: black;"></span><br />
<div align="justify"><strong><span style="color: black; font-family: times new roman; font-size: 130%;"></span></strong></div><span style="color: black;"></span><strong></strong><br />
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</span><br />
<span style="color: black; font-family: times new roman; font-size: 130%;"></span></div><span style="color: black;"></span><br />
<div align="justify"><strong><span style="color: black; font-family: times new roman; font-size: 130%;">Una tradición completamente distinta pretendía que Orfeo había sido muerto por Zeus con un rayo. Zeus estaba irritado por las revelaciones místicas hechas por Orfeo a los iniciados en sus misterios.</span></strong><br />
<div align="justify"><strong><span style="color: black; font-family: times new roman; font-size: 130%;"></span></strong></div><div align="justify"><strong><span style="color: black; font-family: times new roman; font-size: 130%;">Para terminar: cuando las mujeres tracias hubieron despedazado su cadáver, arrojaron los trozos al río, que los arrastró hasta el mar. La cabeza y la lira del poeta llegaron a Lesbos, cuyos habitantes tributaron honores fúnebres a Orfeo y le erigieron una tumba. De esta tumba salía a veces el son de una lira; por eso la isla de Lesbos fue la tierra por excelencia de la poesía lírica.</span></strong><br />
<div align="justify"><span style="color: black;"><br />
</span><br />
<strong><span style="color: black; font-family: times new roman; font-size: 130%;">También se enseñaba la tumba de Orfeo en otros lugares, por ejemplo, en Asia Menor, en la desembocadura del río Meles. Se contaba que, a la muerte de Orfeo, se había declarado una peste en Tracia. Consultado el oráculo, éste respondió que era un castigo por el asesinato del poeta y que, para liberar al país de la epidemia era preciso recuperar la cabeza de Orfeo y tributarle honras fúnebres. Tras una larga búsqueda, unos pescadores acabaron por encontrarla, varada en la desembocadura del Meles, sangrante pero todavía cantando.</span></strong><br />
<div align="justify"><span style="color: black;"><br />
</span><br />
<strong><span style="color: black; font-family: times new roman; font-size: 130%;">Después de la muerte de Orfeo, su lira fue transportada al cielo, donde quedó convertida en constelación. El alma del poeta pasó a los Campos Elíseos, donde, revestida de un largo ropaje blanco, sigue cantando para los bienaventurados. </span></strong></div><span style="color: black;"></span><strong></strong><br />
<div align="justify"><span style="color: black;"><br />
</span><br />
<span style="color: black; font-family: times new roman; font-size: 130%;"></span></div><span style="color: black;"></span><br />
<div align="justify"><strong><span style="color: black; font-family: times new roman; font-size: 130%;"></span></strong></div><div align="justify"><strong><span style="color: black; font-family: times new roman; font-size: 130%;"></span></strong></div><div align="justify"><span style="font-family: times new roman;"><span style="font-size: 130%;"><span style="color: black;"><strong><img alt="" border="0" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5382213699106697394" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEikTHbzqeZ9Ckj9WTbiXsubrxjt0oIg1Nf02-n5KQQZnsJJE6ZxcZoi8l14LsqBapj6DpE3XIZaiOIHivszd8s1SKFnRlIdUL84LFyUlu6YnxcDkYV8r8EX0XMdGlA3JOcOjcdc3GcHWoQD/s400/orfeo6.jpg" style="cursor: hand; display: block; height: 230px; margin: 0px auto 10px; text-align: center; width: 400px;" /></strong><strong>Imagen: Alexander Seon, 1898 (Simbolismo). Museo de Arte, Saint Etienne.</strong></span></span></span></div><div align="justify"><span style="color: black;"><br />
</span><br />
<span style="color: black;"><br />
</span><br />
<strong><span style="color: black; font-family: times new roman; font-size: 130%;">Orfeo y Eurídice: Danza de los espíritus bendecidos (Gluck)<br />
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<object height="364" width="445"><param name="movie" value="http://www.youtube.com/v/xTZgMQ7TVes&hl=es&fs=1&rel=0&color1=0x402061&color2=0x9461ca&border=1"><param name="allowFullScreen" value="true"><param name="allowscriptaccess" value="always"><embed src="http://www.youtube.com/v/xTZgMQ7TVes&hl=es&fs=1&rel=0&color1=0x402061&color2=0x9461ca&border=1" type="application/x-shockwave-flash" allowscriptaccess="always" allowfullscreen="true" width="445" height="364"></embed></object><br />
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Orfeo (Monteverdi) Interpretado por Philippe Huttenlocher. Dirección de Nikolaus Harnoncourt. (es una adaptación de la ópera).<br />
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<object height="364" width="445"><param name="movie" value="http://www.youtube.com/v/ZFe-xH7bblQ&hl=es&fs=1&rel=0&color1=0x402061&color2=0x9461ca&border=1"><param name="allowFullScreen" value="true"><param name="allowscriptaccess" value="always"><embed src="http://www.youtube.com/v/ZFe-xH7bblQ&hl=es&fs=1&rel=0&color1=0x402061&color2=0x9461ca&border=1" type="application/x-shockwave-flash" allowscriptaccess="always" allowfullscreen="true" width="445" height="364"></embed></object><br />
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Fuente de las imágenes:<br />
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http://www.canariastelecom.com/personales/japariciob/orfeo.htm</span></strong></div></div></div></div></div></div></div></div></div></div></div></div></div></div></div></div></div></div>Sara Bhttp://www.blogger.com/profile/17394015310016437875noreply@blogger.com1tag:blogger.com,1999:blog-8414950884106476103.post-34616820524965575892009-08-29T17:38:00.000-07:002009-08-29T17:58:56.815-07:00György Vashegyi, director y clavecinista<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg2H0qUA9mpSx5usPzCsPkC1ZvfDaOwWhz8cVd4b0kiLn5Rsu8H3FSPRx8isqaRJ1yCgL-OFqsqZ9GHx2wl8dW0boZfdj20B3vtgGJK8XXKSvBoMQS8cIMmwb6iWj8Sb-n7lnENonPPqJef/s1600-h/dos.bmp"><strong><em><span style="color:#ff9900;"><img style="MARGIN: 0px 10px 10px 0px; WIDTH: 243px; FLOAT: left; HEIGHT: 235px; CURSOR: hand" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5375550745899515442" border="0" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg2H0qUA9mpSx5usPzCsPkC1ZvfDaOwWhz8cVd4b0kiLn5Rsu8H3FSPRx8isqaRJ1yCgL-OFqsqZ9GHx2wl8dW0boZfdj20B3vtgGJK8XXKSvBoMQS8cIMmwb6iWj8Sb-n7lnENonPPqJef/s400/dos.bmp" /></span></em></strong></a><strong><em><span style="color:#ff9900;"><br /></span></em></strong><div><br /><p><strong><em><span style="color:#ff9900;">György Vashegyi, director y clavecinista húngaro, comenzó sus estudios musicales como instrumentista: tocaba el violín, la flauta dulce, el oboe (que en aquel momento era el oboe barroco) y el clavecín. A los 16 años de edad dio su primer concierto como director, y con sólo 18 años empezó a estudiar dirección orquestal con Ervin Lukács, en la Academia de Música Ferenc Liszt de Budapest, obteniendo su diploma con honores en 1993. Participaba frecuentemente en cátedras magistrales de John Eliot Gardiner y Helmuth Rilling, y, entre 1994 y 1997, estudió en la clase magistral de John Toll en la Academia de Música Antigua de Dresde (Academy of Early Music), donde también estudió música de cámara con Jaap ter Linden y Simon Standage. Se desempeñó como continuista (continuo-player) en las más importantes orquestas húngaras, como por ejemplo la Orquesta de Cámara Ferenc Liszt, y Concerto Armonico.</span></em></strong></p><p><strong><em><span style="color:#ff9900;">En 1990 Györy Vashegyi fundó el Purcell Choir (Coro Purcell) en </span></em></strong><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhACyVAwlfYDj5T_iyljDRidthZk-q4d6pVpAOmk4Czmqa-s4v2TJvu3vOuPNh0i0WJkDDFNxiHfy6DgT6So_IuDane0Q0rhgUck2F5SHFt5xtiXN8-0E3mCjXrpG80T18KFw9wXDFjOTWH/s1600-h/uno.bmp"><strong><em><span style="color:#ff9900;"><img style="MARGIN: 0px 0px 10px 10px; WIDTH: 203px; FLOAT: right; HEIGHT: 235px; CURSOR: hand" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5375550873885793090" border="0" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhACyVAwlfYDj5T_iyljDRidthZk-q4d6pVpAOmk4Czmqa-s4v2TJvu3vOuPNh0i0WJkDDFNxiHfy6DgT6So_IuDane0Q0rhgUck2F5SHFt5xtiXN8-0E3mCjXrpG80T18KFw9wXDFjOTWH/s400/uno.bmp" /></span></em></strong></a><strong><em><span style="color:#ff9900;">Budapest para un concierto de la obra de Purcell, “Dido & Aeneas”, y un año más tarde la Orquesta Orfeo (tocando instrumentos de época), con la cual interpretó la obra “L´Orfeo” de Monteverdi por primera vez (completa) en Hungría. Desde entonces los dos ensambles los más jóvenes de los grupos de música antigua más importantes de Hungría: sus repertorios abarcan desde Gesualdo hasta Haydn y Mozart, pero también interpretan composiciones posteriores.</span></em></strong></p><br /><p><strong><em><span style="color:#ff9900;">György Vashegyi se graduó en Budapest con una performance de “Zauberflöte” de Mozart (1993). En 1991 hizo su debut operístico con “Orfeo”, de Gluck, (con Derek Lee Ragin en el papel de Orfeo) en la Orquesta de Cámara de Budapest, donde más tarde dirigió “Il Ballo delle Ingrate” e “Il Combattimento di Tancredi e Clorinda” de Monteverdi, y “Zauberflöte” otra vez. </span></em></strong></p><p><strong><em><span style="color:#ff9900;">En 1994/1995 realizó varias giras con la obra Orfeo (de Gluck) en Francia, Suiza y Luxemburgo. En sus conciertos (principalmente en Budapest) ha dirigido muchas obras importantes de los siglos XVII y XVIII, que nunca antes se habían presentado en Hungría: “Membra Jesu Nostri” (Buxtehude), “La Reina de las Hadas” (Purcell), “Venus & Adonis” (Blow), “From harmony” (Draghi); “In Nativitatem”, “Acteon”, “Messe pour M. Mauroy” (Charpentier); “Pygmalion” (Rameau); “Castor et Pollux”, “Solomon”, “Aci, Galatea e Polifemo”, “Funeral Anthem” y “Theodora” (todas obras de Handel); “A Shakespare Ode” (Linley), “Requiem” (Kraus), etc.</span></em></strong></p><p><strong><em><span style="color:#ff9900;">No obstante, siempre hizo y hace hincapié en la investigación y la interpretación de obras del siglo XVIII de compositores húngaros, que todavía son desconocidos a nivel internacional. Desde el año 1992 ha estado enseñando en la Academia de Música Ferenc Liszt, de Budapest.<br />György Vashegyi trabaja principalmente con sus propios ensambles, pero también brinda conciertos con otros grupos de música antigua (Concerto Armonico, Capella Savaria, Musica Aeterna), igual que con modernas orquestas sinfónicas (National Philharmonic Orchestra, Hungarian Radio and Television Symphony Orchestra, MATAV Hungarian Symphony Orchestra, Budapest Concert Orchestra, Sinfonietta Hungarica, Cluj Philharmonic Orchestra, Pécs Symphony Orchestra, Szolnok Philharmonic Orchestra, Miskolc Symphony Orchestra, 'Ernõ Dohnányi' Youth Symphony Orchestra, etc.; y orquestas de cámara (Orquesta de Cámara de Praga, Budapest Strings, Erdõdy Chamber Orchestra, como director invitado. Ha trabajado en conjunto con artistas de renombre internacional, como Derek Lee Ragin, David Cordier, Simon Standage, Malcolm Bilson, Sergiu Luca, Miklós Perényi, John Toll y Nigel North.</span></em></strong></p><p><strong><em><span style="color:#ff9900;">En diciembre de 1998 dirigió el estreno rumano de “Idomeneo” (de Mozart) en la State Hungarian Opera de Cluj, y en mayo de 1999 y 2000 en Budapest el estreno mundial del concierto “The Stork Caliph” (de Levente Gyöngyösi). Hizo su debut en la Hungarian State Opera de Budapest (con la Orquesta Orfeo) en agosto del año 2000 con “L´infedeltá delusa”, de Haydn; fue esta la primera performance de una ópera con instrumentos de época en la historia de la Ópera Estatal Húngara. </span></em></strong></p><br /><p><strong><em><span style="color:#ff9900;">Desde el 2001 ha dirigido regularmente la Ópera Estatal: principalmente óperas de Mozart (Entführung, Figaro, Così, La Clemenza di Tito), y en octubre de 2003 dirigió “Don Carlos” (de Verdi, con Paolo Gavanelli). En 2004 dirigió la Orquesta de Cámara de Praga en Würzburg (“Mozart Fest”) y Kloster Eberbach (en el “Rheingau Festival”).</span></em></strong></p><p><strong><em><span style="color:#ff9900;">El Coro Purcell y la Orquesta Orfeo han estado actuando continuamente desde su fundación en Budapest. El director principal y artístico de ambos conjuntos en György Vashegyi, pero también dan conciertos con directores invitados, como Nicholas McGegan y Howard Williams. El coro está formado por 20-45 jóvenes; la orquesta toca –instrumentos de época- con 15-45 músicos, y ha realizado exitosas giras por Austria (Viena/Salzburgo, “Toujours Mozart” 2004, 2005), Alemania (Dresde, "Festspiele" 1993), Francia (París, "Festival d'Art Sacré" 1995, "Festival Périgord-Noir" 2001, etc.), Bélgica (Namur, Europalia 1999), Suiza, Luxemburgo, Italia, Israel (Rishon LeZion Spring Festival 2001) y América del Sur. </span></em></strong></p><p><strong><em><span style="color:#ff9900;">Los dos ensambles han interpretado, con instrumentos de época, por primera vez en Hungría, las siguientes obras: Requiem (Mozart, noviembre de 1998); Così fan tutte (agosto de 1999, la primera interpretación histórica en un escenario de la ópera en Hungría); Un réquiem alemán (Brahms; noviembre de 1998); La Pasión según San Mateo (Bach, BWV 244; abril de 2000).</span></em></strong></p><p><strong><em><span style="color:#ff9900;">Desde la fundación del Haydn Festival por parte de la Hungarian Haydn Society (1998), regularmente han dado conciertos en el Esterházy Palace en Fertôd, presentando primeras interpretaciones de importantes composiciones (misas y otra música de iglesia, sinfonías y conciertos) de Joseph Haydn, con instrumentos de época, en Hungría. En el año 2002 emprendió un proyecto de seis años para interpretar las primeras ochenta sinfonías de Haydn en Fertôd, empleando el ensamble inusualmente pequeño que Haydn utilizó para estas sinfonías.</span></em></strong></p></div><br /><br /><strong><em><span style="color:#ff9900;">Georg Druschetzky: Concierto para Seis Timbales y Orquesta. Primer movimiento, Allegro. Interpretado por: Zoltan Racz (timbales), y la Orquesta de Cámara Erdody, dir. por György Vashegyi<br /><br /><object width="445" height="364"><param name="movie" value="http://www.youtube.com/v/v2LPeAiPlis&hl=en&fs=1&rel=0&color1=0x402061&color2=0x9461ca&border=1"><param name="allowFullScreen" value="true"><param name="allowscriptaccess" value="always"><embed src="http://www.youtube.com/v/v2LPeAiPlis&hl=en&fs=1&rel=0&color1=0x402061&color2=0x9461ca&border=1" type="application/x-shockwave-flash" allowscriptaccess="always" allowfullscreen="true" width="445" height="364"></embed></object><br /><br />Orfeo: Péter Bárány, countertenor<br />Purcell Kórus (Coro Purcell), Orfeo Kamarazenekar (Orquesta de Cámara Orfeo), dir. por György Vashegyi.<br />Liszt Ferenc Kulturális Központ (Centro Cultural Franz Liszt), Sopron, Hungría, 27 de junio de 2008<br /><br /><object width="445" height="364"><param name="movie" value="http://www.youtube.com/v/D6dzxBVXcuA&hl=en&fs=1&rel=0&color1=0x402061&color2=0x9461ca&border=1"><param name="allowFullScreen" value="true"><param name="allowscriptaccess" value="always"><embed src="http://www.youtube.com/v/D6dzxBVXcuA&hl=en&fs=1&rel=0&color1=0x402061&color2=0x9461ca&border=1" type="application/x-shockwave-flash" allowscriptaccess="always" allowfullscreen="true" width="445" height="364"></embed></object></span></em></strong><br /><strong><em><span style="color:#ff9900;"></span></em></strong><br /><strong><em><span style="font-size:85%;color:#ff9900;">Fuente consultada: Bach Cantatas Website</span></em></strong><br /><strong><em><span style="font-size:85%;color:#ff9900;">véase el art. original en:</span></em></strong><br /><a href="http://www.bach-cantatas.com/Bio/Vashegyi-Gyorgy.htm"><strong><em><span style="font-size:85%;color:#ff9900;">http://www.bach-cantatas.com/Bio/Vashegyi-Gyorgy.htm</span></em></strong></a>Sara Bhttp://www.blogger.com/profile/17394015310016437875noreply@blogger.com0