28 may. 2008

Mozart: El rapto en el serrallo. Final Turco.


El rapto en el serrallo
Compositor: Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791)

Género: singspiel (ópera alemana)

Libreto: Gottlob Stephanie jr., basado en otro libreto de Christoph Friedrich Bretzner.

Título original: Die Entführung aus dem Serail

Estreno: Burgtheater de Viena
Fecha: 16 de julio de 1782

Acción: Harén del sultán de Turquía, en una época no determinada

Personajes:
Constanza: Dama española, soprano
Belmonte: Caballero español, tenor
Blonde: Doncella de Constanza, soprano
Pedrillo: Criado de Belmonte, tenor
Selim: Pashá turco, papel hablado
Osmin: Sirviente del pashá, bajo

Die Entführung aus dem Serail (K384) es un singspiel (ópera alemana) en tres actos de Wolfgang Amadeus Mozart. El libreto alemán es de Christoph Friedrich Bretzner, con adaptaciones de Gottlieb Stephanie.

Instrumentación

Los cantantes interpretan junto a una orquesta clásica, con el agregado de algunos instrumentos necesarios para una música "turca": tambores bajos, címbalos o platillos, triángulos y flautines. Además de estos instrumentos, la orquesta tiene pares de flautas, oboes, clarinetes, fagots, trompas, un conjunto de dos timbales y cuerdas. El aria, "Sorrow has become my lot", también está aumentado por un saxofón.

Durante mucho tiempo Mozart sueña con escribir una ópera alemana, un singspiel, compuesta por partes recitadas y breves y sencillas canciones de inspiración alemana, del estilo de los "lieder". En Viena, gracias al emperador José II, el Burgtheater albergaba frecuentemente al singspiel, con una orquesta y un conjunto vocal especializados.

Esta obra es una comedia rica en situaciones cómicas y hasta de verdadera farsa, con frecuentes movimientos sentimentales y patéticos. Exige una música rápida, cortante, esencial, en constante tensión, para impulsar el movido juego de los personajes.

Belmonte, un gentilhombre, finalmente encuentra a su amada Constanza, prisionera en el harém del pashá Selim, y tras varias aventuras los dos jóvenes pueden casarse, felizmente, obteniendo la libertad.

Belmonte, generoso y juvenilmente apasionado, a veces patético en la tensión amorosa, se opone a COnstanza, etérea en su dulce entrega; Pedrillo, fanfarrón pero lleno de temores, Osmin, perverso, y finalmente Blonde, astuta y maliciosa.

A continuación, les presento el Final Turco (Turkish Finale) de El Rapto en el Serrallo, tomado de la película Amadeus, de Milos Forman.

23 may. 2008

JOAQUÍN RODRIGO (1901-1999): CONCIERTO DE ARANJUEZ

El Concierto de Aranjuez es una composición para guitarra clásica y orquesta, del compositor español Joaquín Rodrigo. Escrita en 1939, es posiblemente la obra más conocida de Rodrigo, uno de los compositores españoles más destacados de la era de posguerra.

Compuesta a principios del año 1939 en París, entre las tensiones de la guerra pendiente, fue la primera obra que Rodrigo escribió para guitarra y orquesta. La instrumentación es poco usual: raramente la guitarra enfrenta las fuerzas de una orquesta completa. Sin embargo, la guitarra nunca es sobrepasada o inundada, quedando siempre como el instrumento solista.

Movimientos

Este concierto tiene tres movimientos: Allegro con spirito, Adagio y Allegro gentile.

El segundo movimiento, el más conocido de los tres, está marcado por su ritmo lento y su melodía tranquila, introducido por un corno inglés, con un suave acompañamiento de guitarra y cuerdas. Un sentimiento de tranquilo pesar impregna a esta pieza. La ornamentación se añade gradualmente a la melodía en el comienzo. Una especie de trino no tónico en la guitarra crea las primeras simientes de una tensión; estas simientes crecen, pero de tanto en tanto se relajan detrás de la melodía. Finalmente, comienza un desarrollo climático. Esto nuevamente se rompe dentro de la melodía principal, molto appassionato, expresado por las cuerdas con el acompañamiento de los vientos. La pieza finalmente se resuelve en un arpeggio tranquilo de la guitarra, aunque en realidad son las cuerdas en el trasfondo más que la nota final de la guitarra las que resuelven la pieza. El tercer movimiento está en una métrica mezclada, alternando entre 2/4 y 3/4.

Inspiración

El Concierto de Aranjuez se inspiró en y fue escrita para los jardines del Palacio Real de Aranjuez, la residencia de primavera (o palacio) y jardines originalmente construidos por Felipe II en la segunda mitad del siglo XVI, y más tarde reconstruido a mediados del siglo XVIII por Fernando VI. La obra intenta transportar al oyente hacia los sonidos de la naturaleza en otro lugar y tiempo.

Según el compositor, el primer movimiento está “animado por un espíritu y vigor rítmico sin ninguno de los dos temas… interrumpiendo su ritmo implacable”, el segundo movimiento “representa un diálogo entre la guitarra y el solo de instrumentos (corno inglés, fagot, oboe, trompa, etc.)”, y el último movimiento “recuerda una danza cortesana en la que la combinación de tiempos dobles y triples mantiene un tempo tenso justo en el compás de cierre”. Rodrigo describe al concierto diciendo que captura “la fragancia de las magnolias, el canto de los pájaros y el manar de las fuentes” en los jardines de Aranjuez”.

Algunos sostienen que el segundo movimiento se inspiró en el bombardeo de Guernica, que ocurrió en 1937. En su autobiografía, Victoria, la esposa del compositor, afirma que se trataba de una evocación de los días felices de su luna de miel, y una respuesta ante la devastación de Rodrigo por el aborto de su primer hijo.
Joaquín Rodrigo, habiendo quedado ciego a los tres años de edad, fue un pianista y no tocó la guitarra, pero sin embargo capturó el espíritu de diversidad de la guitarra en España.

La interpretación que les presento aquí es de Narciso Yepes, un guitarrista clásico español (1927-1997), considerado uno de los principales concertistas a nivel mundial del siglo XX. En 1964 desarrolló la guitarra de diez cuerdas, que obtenía sonidos armónicos por simpatía y que facilitaba el hecho de tocar piezas de música barroca (escritas originalmente para el laúd). Como guitarrista, Yepes se destacaba por su sensibilidad al tocar y el bellísimo sonido que obtenía a partir de la guitarra, que a veces sonaba como arpa y a veces como clavicémbalo.

Aquí les dejo un fragmento del Concierto de Aranjuez, el primer movimiento, interpretado por Narciso Yepes. Que lo disfruten!


18 may. 2008

HANDEL: ZADOK THE PRIEST


Antífona de coronación no.1Compositor: Georg Frideric HandelNúmero de voces: siete (7): SSAATBB (dos sopranos, dos altos, un tenor, dos bajos); también hay un arreglo para cuatro voces (un soprano, un alto, un tenor y un bajo) de Oliver Nicolson.Género: antífona, música sacra.Número de Catálogo: HWV258Idioma: inglés
Instrumentos: dos oboes, dos fagots, tres trompetas, un timbal, tres violines, una viola, un violonchelo, un contrabajo y órgano continuo.
Descripción: compuesta en 1727 para la ceremonia de coronación del rey Jorge II de Inglaterra (y desde entonces se ha utilizado en cada una de las coronaciones).
Texto original: (de Reyes 1:38-40)

Zadok, the Priest and Nathan, the Prophet anointed Solomon King.
And all the people rejoic´d, and said:
"¡God save the King, long live the King, may the King live for ever!
¡Amén, Aleluya!



16 may. 2008

BARROCO 1600 - 1750





Contexto histórico

* La creciente importancia de la investigación científica

Científicos como Galileo Galilei (1564-1622) e Isaac Newton (1642-1727) se separan del antiguo modelo de ciencia, cuyo propósito era la verificación de una hipótesis a priori. En lugar de ello, mediante la observación y la experimentación, los científicos elaboran hipótesis acerca de por qué suceden las cosas.

* La culminación del despotismo real

Un pequeño grupo de líderes (reyes, reinas y emperadores) ejercían un enorme poder en Europa. Fue tan grande el poder que Luis XIV (1638-1715) declaró “L´etat c´est moi” (“el estado soy yo”).

* Desarrollo del Nuevo Mundo

Las explotaciones inglesas, francesas y españolas en el Nuevo Mundo continuaron suministrando riquezas a Europa. Pero mientras las generaciones pasaban, los colonos comenzaron a sentir una creciente lealtad hacia sus nuevos hogares. En última instancia, tales sentimientos conducirían a la independencia de estas tierras.

* La artificialidad y el efecto maravilloso eran muy valorados en las artes

Los escultores, basándose en las técnicas de artistas tales como Giovanni Bernini (1598-1680), encuentran la manera de crear la ilusión de movimiento enérgico e incluso violento en sus obras. Los pintores crean lienzos más grandes y más cargados. El virtuosismo es altamente apreciado en todas las ramas del arte.

Contexto musical

* El momento de la experimentación

Los músicos abrazan la idea de que la música puede movilizar al oyente de manera física y real.

La ópera, con su mezcla de música y drama, fue la plena realización de este ideal.

En la música instrumental, no menos que en la ópera, los compositores experimentan con las formas de crear efectos impresionantes.

* Roles de la música en expansión

La música continua siendo utilizada como una importante herramienta del Estado.

Los estilos nuevos y extravagantes sirven como un rico ornamento para los servicios religiosos, tanto en las tradiciones católicas como en las protestantes.

La música, especialmente la ópera, es una importante fuente de entretenimiento para las clases en ascenso, mercaderes y terratenientes.

* Una creciente conciencia de los estilos nacionales

Se desarrollan distintos estilos musicales, vocales e instrumentales, en Italia, Francia y Alemania.

Los compositores son concientes de estas diferencias, y hacen uso de ellas en su música. Por ejemplo, un compositor francés podía escribir una etiqueta diciendo “En estilo Italiano”.

La cuestión de la superioridad de varios estilos a menudo era objeto de acalorados debates.

* Plena igualdad de la música instrumental

Se desarrollan nuevas formas instrumentales, como el concierto y la sonata.

Los fabricantes de instrumentos crean nuevos tipos de instrumentos (especialmente de viento).

El violín se traslada al centro de la escena como el instrumento de cuerda más importante.

Los artistas alcanzan nuevos niveles de expresión y técnica. Ejecutantes virtuosos (como Arcángelo Corelli y Antonio Vivaldi) reflejan estas habilidades en sus propias composiciones.

Incluso en la música vocal, los instrumentos desempeñan un importante rol. Los instrumentos no solo sirven como acompañamiento, sino que además, frecuentemente, juegan roles equivalentes a las voces.

Estilo Musical

* El “basso continuo” está siempre presente en la música barroca.

* Las texturas son fundamentalmente la melodía y el acompañamiento o contrapuntal.

* Las voces y los instrumentos se mezclan libremente.

* Instrumentos recientemente desarrollados proporcionan una exquisita paleta de tonos de colores.

* Los ritmos derivan frecuentemente de ritmos de bailes.

* Las melodías son ornamentadas y hacen uso, a menudo, de espectaculares saltos.

* La armonía está basada en mayor o menor tonalidad, y las disonancias se hacen más comunes.

* La repetición y las formas simples binarias y ternarias proporcionan la base para la estructura musical.

Compositores

Claudio Monteverdi (1567-1643)
Henry Purcell (1659-1695)
Elisabeth-Claude Jacquet de la Guerre (c.1666-1729)
Antonio Vivaldi (1678-1741)
George Frideric Handel (1685-1759)
Johann Sebastian Bach (1685-1750)

Handel, Georg Frideric (1685-1759)
Hallelujah (del Mesías)



Traducido de: Essentials of Music
véase el art. original en:
http://www.essentialsofmusic.com/

13 may. 2008

Bach-Fragmento de 'La pasión según San Mateo'

La Pasión Según San Mateo (coro final)

8 may. 2008

Itzhak Perlman

Es innegable que como virtuoso del violín, Itzhak Perlman goza de una condición de súper estrella que rara vez se le otorga a un músico clásico. Muy querido por su encanto y humanidad, así como por su talento, ha llegado a ser reconocido por audiencias en todo el mundo que responden no sólo a su impecable técnica sino también a su incontenible alegría de hacer música, algo que él se encarga de comunicar permanentemente. Su último lanzamiento para Sony Classical (Classic Perlman: Rhapsody) reúne a los mejores grabaciones recientes del violinista para el sello discográfico, incluyendo música de cámara y sinfónica, además de temas clásicos del cine.

Nacido en Israel en 1945, Perlman completó su formación inicial en la Academia de Música de Tel Aviv. Llegó a Nueva Cork y pronto fue impulsado a la arena internacional con una aparición en el The Ed Sullivan Show en 1958. Tras sus estudios en la Juilliard School con Ivan Galamian y Dorothy DeLay, Perlman ganó el prestigioso concurso Leventritt en 1964, lo que lo condujo a una floreciente carrera a nivel mundial.

Desde entonces, Itzhak Perlman ha aparecido con cada una de las principales orquestas y en recitals y festivales en todo el mundo. En noviembre de 1987 se incorporó a la Orquesta Filarmónica de Israel para brindar conciertos que hicieron historia en Varsovia y Budapest, representando la primera actuación de esta orquesta y el solista en los países del bloque oriental. Nuevamente hizo historia cuando se incorporó a la Filarmónica de Israel para su primera visita a la Unión Soviética en abril/mayo de 1990, y fue aclamado por audiencias en Moscú y Leningrado cuando se llenaba de gente para escuchar sus interpretaciones solistas y orquestales. En diciembre de 1994 se unió a la Filarmónica de Israel para sus primeras visitas a China e India.

En diciembre de 1990, Perlman visitó Rusia por segunda vez, para participar en una gala en Leningrado por la celebración del 150 aniversario del nacimiento de Tchaikovsky. Este concierto, en el que también participaron Yo-Yo Ma, Jessye Norman y Yuri Temirkanov dirigiendo a la Filarmónica de Leningrado, fue televisado en vivo en Europa y más tarde retransmitido a todo el mundo, y actualmente está disponible en video (RCA/BMG Classics). En diciembre de 1993, Perlman visitó la ciudad de Praga, en la República Checa, para llevar a cabo un concierto de gala (interpretando a Dvorak) con Yo-Yo Ma, Frederica von Stade, Rudolf Firkusny y la Orquesta Sinfónica de Boston dirigida por Seiji Ozawa. Este concierto también fue televisado en vivo con una retransmisión posterior a todo el mundo, y fue lanzado en CD y video (Sony Classical) en 1994.

Itzhak Perlman ha sigo galardonado con cuatro premios Emmy, siendo el más reciente por el documental de PBS “Fiddling for the Future”, una película sobre el Programa de Música de Verano de Perlman y su obra como profesor y director en ese programa. El premio Emmy anterior reconocía su dedicación a la música Klezmer, tal como figura en el especial de PBS para la televisión “In the Fiddler´s House”.

Este programa de música Klezmer fue filmado en Polonia en 1995 y posteriormente lanzado en formatos de video y audio. Las giras Klezmer subsiguientes han incluído conciertos en México, en el Hollywood Bowl y en los principales festivales de verano norteamericanos.

Las grabaciones de Perlman aparecen regularmente en los charts de los más vendidos y han ganado quince premios Grammy. Para Sony Classical, él ha grabado un amplio repertorio, colaborando con artistas tales como Isaac Stern, el guitarrista John Williams, Daniel Baremboin y los directores Zubin Mehta, Seiji Ozawa y el Cuarteto de Cuerdas de Juilliard. Entre sus grabaciones más recientes para Sony Classical están sus dos populares colecciones de música de películas (Cinema Serenade y Cinema Serenade 2: the Golden Age, ambas con la dirección del cinco veces ganador del Oscar, John Williams) y las dos grabaciones en audio y video de Dvorak en Praga.

Durante los dos últimos años, Perlman también ha aparecido en el podio del director y a través de este medio ha deleitado aún más a su público. Él ha aparecido como director/solista con la Sinfónica de Chicago, la Orquesta de Filadelfia, las sinfónicas de Dallas, Detroit, Houston, Pittsburg, Seattle y Toronto, en los festivales de Ravinia y OK Mozart, con las orquestas de cámara de St. Paul y Nueva Cork, y con la Filarmónica de Israel y la Orquesta de Cámara Inglesa. En la temporada 2000 – 2001 su debut incluyó participaciones con las sinfónicas de Boston, la Nacional y la de San Francisco y con la Filarmónica de Los Angeles. En enero de 2000 fue nombrado Principal Director Invitado por la Sinfónica de Detroit, un puesto que comenzó en septiembre de 2001.

Numerosas publicaciones e instituciones han rendido homenaje a Itzhak Perlman por el único lugar que ocupa en la estructura artística y humanitaria de nuestro tiempo. La revista Newsweek lo presentó en un artículo de portada en abril de 1980 y en 1981 Musical America lo representó como Músico del Año en la portada de su Directorio de Música y Músicos. Las universidades de Harvard, Yale, Brandeis, Roosvelt, Yeshiva y Hebrea están entre las instituciones que le han concedido títulos honoríficos. El presidente Reagan le otorgó a Perlman la Medalla de la Libertad, en 1986. En diciembre de 2000, el presidente Clinton lo galardonó con la Medalla Nacional de las Artes.

En television, Perlman ha iluminado y entretenido a millones de espectadores de todas las edades en shows tan diversos como The Late Show con David Letterman, Sesame Street, las series de PBS The Frugal Gourmet, Tonight Show, las transmisiones de entrega de los premios Grammy, varias transmisiones en vivo desde el Lincoln Center y los especiales de PBS A musical toast y Mozart by the Masters (estos dos últimos, presentados por él mismo). En 1992, el documental de PBS sobre su histórico viaje a la Unión Soviética con la Filarmónica de Israel, titulado “Perlman in Russia” (Angel/EMI video), fue galardonado con un premio Emmy como mejor documental de música. En julio de 1994, Perlman fue visto por millones de espectadores cuando presentó la transmisión norteamericana de “Three Tenors, Encore!” en vivo desde el Dodger Stadium en Los Angeles.

Uno de los logros más orgullosos de Perlman fue su colaboración con el compositor de cine John Williams en la película de Steven Spielberg ganadora del Oscar (La lista de Schindler), en donde ejecutó los solos de violín.

Su presencia en el escenario, ante las cámaras y en apariciones personales de todo tipo habla con elocuencia en nombre de las personas con discapacidad y su devoción a su causa como parte integral de su vida.


6 may. 2008

Siglo XIX

En los primeros años del siglo XIX vinieron al mundo no menos de cinco de los músicos más ilustres, que habrían de ser los más grandes y autorizados representantes del romanticismo musical de mediados del siglo.

1803 – Nace Héctor Berlioz, que habría de revolucionar la orquesta tradicional, y del que arrancará el poema sinfónico.

1809 – Nace Mendelssohn, el más clásico de los románticos, el primero en volver a los grandes músicos del pasado.

1810 – Con un intervalo de poco más de tres meses, nacen Chopin y Schumann, los dos grandes revolucionarios de la música para piano, que habrían de transformar radicalmente la literatura pianística.

1811 – Nace Franz Liszt, gran virtuoso, hábil director de orquesta y compositor que aporta una nueva técnica de piano; es un precedente del lenguaje orquestal wagneriano.

1813 – Nacen Richard Wagner y Giuseppe Verdi, los dos compositores de ópera más importantes del siglo XIX.

2 may. 2008

Virtuosismo en el siglo XIX

En el siglo XIX, por virtuosismo se entendía casi con exclusividad el pianístico.

Cierto que hacia los años treinta se había producido el fenómeno clamoroso del virtuosismo de Paganini. pero se trataba de un fenómeno aislado y extraordinario, tanto más sorprendente y arrollador en su razón de carácter de excepción. Nunca más volvió el violín a crear un entusiasmo semejante y un fanatismo tal, que, a lo largo del siglo XIX, estaría reservado únicamente al piano.

Por lo demás, no es pura casualidad comprobar que los resultados más sublimes que se produjeron, desde el punto de vista técnico y expresivo, por el meteórico Paganini, fueron asimilados por el piano. Hay que recordar la gran importancia que tuvieron las versiones del violinista genovés realizadas para piano por Liszt, Schumann, Brahms y muchos otros.